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Me gusta ver películas que ofrecen una perspectiva distinta de los géneros que usualmente monopoliza el cine norteamericano; por ejemplo, aunque traten básicamente de lo mismo, hay un sabor particular que hace atractivas las cintas de terror orientales, el inesperado cine de acción francés, o las comedias románticas británicas. Menos comunes son las épicas históricas, pues su elevado costo y limitado atractivo tiende a hacerlas poco rentables para las industrias cinematográficas internacionales, no tan acostumbradas al despilfarro de recursos que caracteriza al mencionado cine norteamericano. Por eso me dio gusto encontrar el estreno de El Conquistador... aunque sea tres años después de su nominación al Oscar como mejor película extranjera.
El Conquistador sigue la infancia y ascenso al poder de Temudjin (Tadanobu Asano), legendario líder militar, diestro político y unificador de las tribus mongólicas en el siglo doce, a quien hoy conocemos como Genghis Khan. Pero el nombre que se ha convertido en sinónimo de agresión y conquista llegaría muchos años después, y cuando comienza la película encontramos al joven Temudjin eligiendo a su futura esposa... la decisión más importante que puede hacer un niño a los diez años. La elegida es Börte (Khulan Chuluun), y cuando ambos alcanzan la madura edad de quince años, se cumple el compromiso. Pero la felicidad es corta, pues Börte es capturada en una de las constantes escaramuzas provocadas por la rivalidad entre las tribus mongólicas que habitan la agreste estepa asiática. Entonces, con el inflexible propósito de recuperar a su esposa, Temudjin inicia su carrera militar, forjando alianzas y diseñando las estrategias que eventualmente lo llevarían a conquistar la mitad del mundo.
Esta co-producción ruso-mongólica-alemana-kazakhstaní no está exenta del glamoroso barniz hollywoodense que hace las emociones más intensas y la acción más dinámica; sin embargo hay suficientes matices étnicos y profundidad cultural para no descartarla como una simple copia de 300 o Alexander. Por el contrario, El Conquistador usa los convencionalismos del cine épico para ayudarnos a asimilar esta interesante historia, que en muchos aspectos refleja la obsesión nacionalista contemporánea (ahem). Y aunque se ha denunciado su imprecisión histórica, siento que es disculpable la licencia creativa que nubla los "hechos" a favor de melodrama pues, a fin de cuentas, el director Sergei Brodrov eligió acertadamente (o cobardemente, según el punto de vista) poner el entretenimiento por encima de la fidelidad académica. No tengo problema alguno con ese enfoque; después de todo no voy al cine para aprender historia, sino para pasar un rato entretenido y, en el mejor de los casos, exponerme a ideas novedosas o provocativas que sirvan como inicio de futuro aprendizaje... el cual prefiero hacer por mi cuenta.
Esa delgada línea entre realismo y espectáculo se manifiesta con mayor énfasis en las escenas de batalla, las cuales son sangrientas y brutales, pero con adornos estilísticos y cinematografía diseñada para verse "cool". Lo mismo aplica a los actores, cuyos rasgos fuertemente étnicos siguen de cualquier modo los estándares occidentales de belleza (traducción: me gustó Khulan Chuluun en el papel de Börte). En cuanto a los detalles de escenografías y decorado, no estoy capacitado para evaluar su realismo histórico; sin embargo admiré el crudo diseño de producción y los maravillosos escenarios, que ilustran vívidamente la importancia del pensamiento estratégico necesario para vencer al enemigo en condiciones de batalla realmente inmisericordes.
Entiendo que el semi-oscuro tema no sea exactamente material de "éxito de taquilla"; y las escenas de batalla no bastan para vender El Conquistador como simple cine de acción. Sin embargo me pareció una película muy recomendable por su justa mezcla de drama político y atracción comercial. En otras palabras, sólido entretenimiento con una veta de relevancia cultural que rara vez encontramos en el cine norteamericano. No estoy seguro de que Genghis Khan hubiera aprobado una visión tan frívola de sus logros... pero, por otro lado, el legendario guerrero nunca tuvo que competir con el éxito de Avatar, o con las más recientes comedias románticas. Es un terreno de batalla totalmente distinto.
Calificación: 8.5
Hace casi veinte años el ecléctico director Abel Ferrara realizó la controversial cinta Bad Lieutenant, y aunque no puedo adivinar su motivación, siempre me pareció que fue una protesta/parodia contra los anti-héroes que estaban infestando la cultura popular... todos aquellos policías alcohólicos, divorciados y deprimidos que vimos (y seguimos viendo) como protagonistas en incontables películas de acción y suspenso desde mediados de los ochentas (muchas gracias, John McClane). Estimo que Ferrara quiso decir "¿Quieren un anti-héroe? ESTO es un anti-héroe". Como sea, la cinta fue un gran éxito para el cineasta y para el audaz actor Harvey Keitel. Y por eso resulta al mismo tiempo absurda y comprensible la realización de una nueva versión, bajo la guía del igualmente provocativo director Werner Herzog.Más que ser un "re-make", Enemigo Interno (uf... buena traducción, amigos distribuidores) es una variación del mismo tema que manejó la original. Esta vez nos encontramos a Terence McDonagh (Nicolas Cage), inestable pero competente policía que es ascendido a teniente en la ciudad de Nueva Orleans por la valentía que mostró durante el azote del huracán Katrina. Su primer caso resulta ser la investigación del asesinato de una familia entera a manos de un peligroso traficante de drogas llamado Big Fate (Alvin Joiner), contra quien no hay evidencia alguna. Entonces McDonagh hace lo posible por encontrar pruebas incriminatorias al mismo tiempo que satisface su adicción a las drogas, mujeres y apuestas. Pero cuando sus vicios lo llevan hasta el mismo Big Fate, McDonagh tendrá que decidir si le importa más su adicción o el cumplimiento de la ley.
Lo más acertado que se puede decir de Enemigo Interno es que se trata de una película única. Me cuesta trabajo decidir si es muy buena o muy mala, pero al menos puedo afirmar que no fue uno de esos blandos refritos carentes de visión y generados por mero comercialismo. A esta película le sobra visión (y locura), lo cual podría considerarse su punto fuerte o su falla fatal. Hablando de fallas, me gustó la extrema actuación de Nicolas Cage, pero al mismo tiempo siento que saboteó la película, pues abusa del maniático estilo que le hemos visto usar en tantas otras interpretaciones; sin duda es divertido... pero se ha vuelto tan común que ya no causa impacto en el papel del corrupto policía. Quizás con un actor menos estereotipado hubieran resultado más escandalosos sus desfiguros y adicciones. ¿Imaginan a Tom Hanks como el "mal teniente"?. Yo tampoco. Mala idea... qué bueno que no estoy dirigiendo películas. Pero bueno... el caso es que yo hubiera preferido un actor para quien realmente fuera un reto hacernos creer la ambivalente moralidad de este perverso personaje.
El resto de los actores hacen lo posible por mantener el paso de Cage, y generalmente lo logran, pues cualquier cosa parece realista frente a la caricatura de ese actor. Eva Mendes muestra sobria dignidad como la novia prostituta de McDonagh; Jennifer Coolidge (más conocida como "Stifler's Mom") ofrece una genuina muestra de talento alejándose de su personalidad "MILF" para interpretar a la alcohólica hermana del teniente; y Alvin Joiner (más conocido como "Xzibit") también me sorprendió con su control y madurez en el papel del narcotraficante afecto a su producto pero con buen sentido de los negocios. Finalmente me da risa mencionar que Brad Dourif y Val Kilmer tienen las más sobrias y centradas actuaciones de la película entera. ¿A esto hemos llegado?
Si hubiera visto la frase "Werner Herzog prepara re-make de Bad Lieutenant" en la revista Mad Magazine, me hubiera parecido una acertada sátira de la ridícula fiebre por hacer nuevas versiones de cintas clásicas (o semi-clásicas). Y supongo que la idea también le pareció graciosa al taimado Herzog, pues entre el drama y sórdidas situaciones de Enemigo Interno podemos ver constantes guiños y tenue sarcasmo como indicación de que no debemos tomar muy en serio esta película. Y es justamente ese humor lo que la rescata de ser una mediocre cinta policíaca que, en otras circunstancias, apenas hubiera merecido un lanzamiento en DVD. Entonces, no es una obra maestra, ni cambiará el curso del cine; pero siento que vale la pena exponerse a sus bizarros placeres y desagradables vicios para compartir la experiencia que Herzog diseñó, no necesariamente para nuestro entretenimiento, sino para el suyo. En resumen, creo que Enemigo Interno es una de las pocas "películas tan malas que son buenas" que fue realizada exitosamente con ese propósito. Quien tome eso como recomendación sin duda apreciará esta extraña cinta; si no, al menos podrá reírse un poco con las iguanas.
Calificación: 7.5
La película Asalto al Camión Blindado representa un claro caso de la influencia negativa de Hollywood en el arte cinematográfico. A saber: en el año 2003, el director húngaro Nimród Antal encontró buena respuesta con su imaginativa cinta Kontroll, un exótico híbrido de thriller urbano y comedia, que además de contarnos una interesante historia ubicada en el tren subterráneo de Budapest, también incluyó acertados comentarios sobre el impredecible desarrollo de la sociedad húngara en el entorno post-comunista. Cuatro años después Antal fue seducido por Hollywood y realizó la mediocre, pero medianamente entretenida cinta de terror Vacancy; y ahora, sin aprender de sus errores, Antal nos ofrece una película de acción hueca, llena de clichés y poco satisfactoria. Imagino que eso se considera "progreso".
Con un título como "Asalto al Camión Blindado" siento que la sinopsis sería redundante, pero bueno... al principio de la película conocemos a Ty Hackett (Columbus Short), novato guardia de seguridad a bordo de un vehículo blindado. Su primera misión consiste escoltar una entrega de 42 millones de dólares... pero su persuasivo compañero Mike Cochrone (Matt Dillon) ha diseñado un audaz plan para apoderarse del dinero con ayuda de otros guardias. Entonces Ty tendrá que elegir entre hacerse cómplice de sus amigos y resolver sus problemas económicos para siempre... o rebelarse, arriesgar su vida y cumplir el trabajo que le encomendaron.
El libreto de Asalto al Camión Blindado me pareció deplorable; el plan de los criminales no tiene mucho sentido, ni parece creíble en el siglo veintiuno; y para cubrir algunos de esos agujeros, el guionista prefirió dejar en la oscuridad algunos significativos elementos de la trama (¿así de fácil es desahabilitar el sistema eléctrico de un camión blindado? Debo intentarlo un día de estos). Sin embargo un buen director como Antal podría rescatar el material con ayuda de su elenco, un poco de energía y algo de ingenio, ¿cierto? Parece que no. Asalto al Camión Blindado es la película de acción más pasiva y aburrida que he visto en bastante tiempo. Las situaciones que presenta nunca me hicieron sentir suspenso o emoción alguna (¿el aburrimiento es una emoción?), incluso con la ayuda de los distinguidos actores de carácter que aparecen en ella. Casi sentí lástima por Matt Dillon, Jean Reno, Laurence Fishburne y Fred Ward, pues han realizado tan buenos trabajos en otras películas que resultó desmoralizante verlos como sonámbulos en estos planos personajes. Lo mismo aplica a Skeet Ulrich y Milo Ventimiglia, aunque no sentí lástima por ellos, sino confirmación de la antipatía que me provocan. Al menos eso me dejó satisfecho.
Entonces, no puedo recomendar Asalto al Camión Blindado porque carece de originalidad, la trama es lenta, bla bla bla... no hace falta repetir las quejas. Lo que me preocupa es que Nimród Antal se encuentra trabajando en Predators, la ¿secuela? ¿"re-imaginación"? ¿re-make? de Predator, bajo la supervisión de Robert Rodríguez, cuyo trabajo usualmente disfruto aunque haya tenido severos chascos en su carrera. Espero sinceramente que no arruinen esa franquicia, como ocurrió con la reciente Aliens Vs. Predator: Requiem; sin embargo el precedente creado por Asalto al Camión Blindado no parece muy alentador, pues hace falta genuino "anti-talento" para desperdiciar a un elenco de excelentes actores, y hacer que una persecución de camiones blindados resulte aburrida en vez de emocionante. ¿Ocurrirá lo mismo con los depredadores? Ojalá no... pero convendrá moderar las expectativas.
Calificación: 5
La publicidad de la película El Vigilante Fantasma pretende venderla como una obra de terror o fantasía (empezando por ese absurdo título en español). Quizás esa clasificación no sea del todo engañosa pero, en mi humilde opinión, resultaría más apropiado describirla como un ambicioso thriller psicológico que logra mantener el interés del espectador a pesar de su confuso desarrollo y fragmentada narrativa. Como sea, el director primerizo Gerald McMorrow muestra gran ambición y firme mano para conducir a un sólido elenco a través del complejo argumento, mostrando suficiente convicción para ayudarnos a navegar sus más enredados pasajes.
El Vigilante Fantasma sigue la historia de cuatro personas nebulosamente relacionadas entre sí. En Londres contemporáneo presenciamos la depresión que sufre Milo (Sam Riley) debido a la reciente cancelación de su boda; por otro lado, el anciano Peter (Bernard Hill) conduce una obsesiva investigación personal sobre la desaparición de su hijo David, quien escapó recientemente de una institución mental; y finalmente Emilia (Eva Green), una rebelde estudiante de artes gráficas, trata de exorcizar sus problemas familiares mediante la realización de cortos "artísticos" en los que simula (o comete) su propio suicidio. Paralelamente, en la futurista y distópica ciudad MientrasTanto ("Meanwhile"), encontramos al solemne John Preest (Ryan Phillippe) como la única persona sin fe en una sociedad donde la religión se ha convertido en una obligación gubernamental, lo cual ha provocado el florecimiento de exóticos micro-cultos y bizarros dogmas, entre los que destaca la iglesia establecida por "El Individuo", un misterioso líder con tendencias asesinas, a quien el gobierno pretende eliminar. Y John, cuya falta de fe lo ha convertido en un prófugo de la justicia, resulta ser el agente ideal para encargarse del peligroso Individuo.
¿Quedó claro? Supongo que no, pero esa es probablemente la intención de la película. Como si fuera el equivalente cinematográfico de un acertijo "zen", El Vigilante Fantasma no busca llevarnos a una conclusión concreta y lógica. En vez de ello prefiere darnos un punto de partida para especular acerca de la relación existente entre los variados personajes y sus dramas particulares. En otras palabras, no creo que haya una solución “correcta”; y si la hay, sale sobrando, pues el mero esbozo de las emociones compartidas bastó para que la experiencia valiera la pena (al menos para mi). Habiendo dicho eso, advertiré que la cinta puede irritar al público que espera un simple asesino enmascarado, o una trillada fábula futurista; pero creo que el ingenio del director, las competentes actuaciones y la lógica circular de la película bastan para disculpar los agujeros en la trama y los ocasionales tropiezos que son inevitables cuando la desmedida ambición de un cineasta se ve limitada por su falta de recursos.
Eso suena como un insulto disimulado, pero realmente admiré la envergadura que McMorrow quiso darle a su película. Y no solo me refiero a las escenas de la insólita Ciudad MientrasTanto (cuyo atractivo diseño de producción "steampunk" me recordó el Londres futurista de V for Vendetta), sino a la profundidad temática que comparten sus diversas narrativas. Aunque, para ser honestos, tampoco me quedó claro si algunos torpes diálogos son reflejo del estado emocional de los personajes, o si se trata de la inmadura "voz" del director, tratando de añadir relevancia social a su denso libreto ("¿Por qué le pasan cosas malas a la gente buena?").
En fin... El Vigilante Fantasma (siento pena ajena cada vez que escribo ese título) es el tipo de película que promueve estas discusiones pretenciosas, metafísicas y al mismo tiempo frívolas. Siento que puedo recomendarla por las actuaciones de Bernard Hill, Ryan Phillippe y Eva Green (el menos afortunado fue Sam Riley, aunque quizás sea por tener el arco dramático más débil), así como por su interesante diseño de producción y enorme ambición narrativa. Definitivamente no será para todos los gustos, y advierto que pondrá a prueba la paciencia del espectador durante la primera mitad, pues resulta frustrante seguir las historias individuales sin encontrar el vínculo común. Y, peor aún, nunca llega esa esperada revelación para disipar todas nuestras dudas... sin embargo esta vez las dudas me dejaron satisfecho. Raro halago, pero bien merecido. Calificación: 7.5
La filmografía de la fallecida actriz Brittany Murphy incluye algunas películas que me han decepcionado (Uptown Girls) y otras que adoro (Clueless, Sin City); Esquizofrenia pertenece al primer grupo, aunque algunos de sus elementos funcionan mejor de lo que yo esperaba. Y si bien no puedo recomendarla como una competente película de horror o suspenso, tampoco descarto sus esporádicos aciertos, entre los que señalaría el trabajo de la actriz Thora Birch y la atmósfera conseguida en la primera mitad de la cinta.
La trama se centra en una escritora llamada Alice (Brittany Murphy), quien decide tomar un descanso de varios días en una aislada mansión para recuperarse de un reciente colapso nervioso, y de paso terminar un importante trabajo cuya fecha de entrega se está acercando. Ah, y también está escondiéndose de su abusivo novio, recién salido de la cárcel. Pero desde la primera noche Alice empieza a notar extraños ruidos, objetos que se mueven solos y la sensación de que no está sola. Entonces, indagando en el ático de la casa, encuentra una caja llena de videos grabados por David (Marc Blucas) y Lucy (Thora Birch), la pareja que alguna vez ocupó la casona. Y así, conforme Alice ve las cintas, empieza a desentrañar un misterio que podría explicar los fenómenos que está experimentando... y que tal vez estén relacionados con su propio pasado.
Clásica premisa sobre "casa embrujada", ¿cierto? No es exactamente nueva ni única, pero tiene potencial de convertirse en una eficiente película de suspenso, fundamentada en su sólido elenco y en la tenebrosa atmósfera de la decrépita casona. Gran error. Esquizofrenia terminó siendo confusa, absurda e inconsistente, con tantos problemas lógicos que es imposible tomarla en serio. El flojo libreto parece compuesto de varias historias que fueron amalgamadas con tal ineptitud que terminó siendo menos que la suma de sus partes. Todo ocurre por capricho del escritor, y no como resultado de un congruente desarrollo narrativo, o de las naturales reacciones de los personajes. No quiero revelar "spoilers" para no perjudicar (más) a quienes decidan ver esta torpe cinta; sólo diré que Esquizofrenia es el tipo de película que nos pide aceptar que un criminal grabó en video TODO lo relativo a su crimen, y luego dejó el material en sitios fácilmente accesibles, donde ha permanecido inmutable durante AÑOS, hasta que nuestra protagonista casualmente lo encuentra. Y, claro, el obligatorio "twist" final trata de explicar todas esas inconsistencias con un rancio cliché que solo empeora la situación, y parece más excusa que sorpresa.
Es una lástima, pues dentro de todo encontré momentos rescatables en esta humilde producción. Como dije, hay buena atmósfera en la casona, y aunque el director nos endilga varios sobresaltos de barata manufactura, también incluye tensas secuencias de angustiosa tensión. El trabajo de Brittany Murphy me pareció regular, pero imagino que fue difícil compenetrarse con una historia tan pobre como ésta. Por otro lado, Thora Birch se siente más segura y capaz en los "flashbacks" que revelan la tragedia ocurrida en la casa. Su papel es muy corto y pasivo, pues se limita a reaccionar ante su irritante marido; sin embargo fue lo único que sentí levemente honesto y emotivo en los noventa minutos de Esquizofrenia.
La publicidad está mencionando que esta fue la última obra de Brittany Murphy, pero afortunadamente no fue así, pues sin duda merece un mejor epitafio que esta aburrida película (aunque MegaFault me pareció aun peor), y no puedo recomendarla excepto para fanáticos obsesivos de Murphy o Birch. Casi cualquier otra película sobre casas embrujadas ofrece mejor suspenso, terror o simple lógica. Finalmente, para no terminar en una nota tan amargada, diré que el director Sean McConnville (ex-supervisor de efectos especiales) parece tener adecuada visión para el género fantástico; y ojalá lo demuestre con un libreto mejor escrito en su próximo proyecto. No esperaré con gran ansiedad, pero se ganó el beneficio de la duda.
Calificación: 5
La anterior película de Uma Thurman (The Accidental Husband) me pareció tan mala que casi me puso en coma. Como consecuencia, mi impulso inicial fue evitar Mamá Está Loca para no exponerme a una similar reacción. Sin embargo, no puedo negar que aquella desagradable experiencia me dejó una valiosa lección, de modo que decidí arriesgarme y fui a ver Mamá Está Loca (cine vacío, para variar) con la esperanza de recibir alguna cósmica revelación; sobra decir que no ocurrió tal cosa, y aunque esta vez no sentí deseos de arrancarme los ojos (al menos no muy seguido), tampoco encontré la película recomendable o entretenida.
Aún sujeta a la maldición o penitencia que la obliga a elegir horribles libretos, Uma Thurman interpreta a Eliza Welsh, una neurótica madre de dos niños que pasa un día pesadillesco en Nueva York mientras planea la fiesta de cumpleaños de su pequeña hija, al mismo tiempo que trata de retomar su profesión como escritora, encontrar dignidad en los más frustrantes aspectos de su diario trajinar, y recuperar la pasión por la vida, que está perdiendo por culpa de la opresiva rutina de una madre con poco tiempo y demasiadas ocupaciones. ¿Logrará llegar al final del día sin perder el juicio?
Mamá Está Loca (artero título que pretende vender la película como comedia, cuando en realidad se trata de un pretencioso melodrama) está escrita y dirigida por Katherine Dieckmann, y se antoja posible que la realizadora haya incluido bastantes pasajes auto-biográficos, pues hay cierta honestidad en el libreto. No bromeo al decir que muchas de las situaciones que retrata expresan perfectamente lo que me ha mantenido alejado del matrimonio (y la paternidad). Y tampoco dudo la extraordinaria dificultad que enfrentan tantas madres urbanas para manejar un hogar, educar a sus hijos y mantener alguna semblanza de unidad familiar. Pero, específicamente, la protagonista de Mamá Está Loca parece cultivar un deficiente sentido común, el cual se combina con severo narcisismo para dar como resultado una letanía de problemas e incómodas situaciones que podrían haberse evitado fácilmente con un poco de razonamiento o prevención. Imagino que la directora exageró esas situaciones para acentuar la comedia o impacto en el espectador. Desafortunadamente lo único que provocó (en mi humilde caso) fue incredulidad e irritación.
No quiero gastar mucho tiempo hablando de esta película, así que imaginen algo así como Sex and the City, pero con dos niños a cuestas, nada de “sex” (excepto algunas picantes conversaciones) y estridentes escenas “cómicas“ pobremente escritas; en resumen: evítenla. Premio de consolación: cuando Uma Thurman no está lidiando con ridículas rutinas de baile "espontáneo" (traducción: forzado), o exprimiendo humor de discusiones callejeras con automovilistas iracundos, se puede apreciar su auténtico talento como actriz, y la grácil manera con la que está alcanzando su cuarta década de vida. Esos detalles no rescataron la tediosa experiencia de Mamá Está Loca; sin embargo avivaron mi esperanza de que Thurman encuentre próximamente un papel digno de su capacidad, el cual logre hacernos olvidar estas baratas películas que quizás paguen su renta, pero que de ninguna manera promueven su carrera.
Calificación: 4
Creo que la serie animada Astro Boy es más recordada por su significado cultural que por sus atributos intrínsecos, pues fue el primer "anime" que encontró popularidad en el occidente tras escapar los confines del Japón a mediados de los sesentas (algunos discuten que fue Gigantor... fans del anime, por favor ilústrennos). Como sea, Astro Boy ya era antiguo cuando yo estaba niño y nunca fui aficionado a la serie, aunque recuerdo haberme emocionado con la fantasía de tener ametralladoras en las manos y cohetes en los pies. Por eso me gustó la primera media hora de la nueva película Astro Boy, en la que vemos la confusión de un niño al encontrar su conciencia y memorias en el cuerpo de un robot; y luego el deleite al descubrir sus fantásticas habilidades y la nueva libertad que le confieren. Desafortunadamente la historia degenera en una blanda y empalagosa confección que combina elementos de A.I., Wall-E, y Peter Pan; la cual dudo que deje satisfechos a los fans de la serie original, o al moderno público infantil en busca de un nuevo héroe de acción.
En la mejor tradición de Pinocho, el robot Astro Boy comienza como una persona real. Toby (voz de Freddie Highmore) es un curioso e inteligente niño que vive con su padre, el Dr. Tenma (voz de Nicolas Cage), en Metro City, una utópica ciudad flotante. Pero cuando Toby se infiltra en la demostración de un nuevo robot militar, sufre un accidente y muere evaporado. El Dr. Tenma, devastado por la tragedia, se da a la tarea de construir una réplica artificial, implantándole los recuerdos y personalidad del fallecido niño. El experimento funciona, pero Tenma se da cuenta de que cometió un error al tratar de reemplazar a su hijo con un robot; sin embargo el malvado Presidente Stone (voz de Donald Sutherland) pretende apropiarse de él para extraer su fuente de energía, y lo ataca con poderosas armas. Durante la batalla Toby pierde el sentido y cae en un inmenso basurero de robots, donde encuentra a un grupo de niños vagabundos que podrían ofrecerle la oportunidad de una nueva vida... Al menos hasta que lo encuentre el ambicioso Stone.
Me gustó que la película no se haya acobardado al mostrar la tragedia que yace en el origen de Astro Boy. No obstante la sobre-compensa (o la disfraza) de inmediato con un exceso de clichés y personajes pre-fabricados que llenan el resto de la historia. ¡Y vaya que la llenan! Hay demasiadas sub-tramas que distraen la atención de la fracturada relación entre Tenma y su hijo; de modo que el eje emocional de la película termina extraviado entre las frívolas narrativas de los Niños Perdidos, el Torneo de Robots, el villano militar, etcétera, ninguna de los cuales resulta particularmente interesante. En resumen, otra típica "re-imaginación" norteamericana de una obra asiática que pierde en la traducción todo lo que la hizo inicialmente notable o atractiva. Y me gustaría comentar sobre el impresionante elenco de voces que reunió el director David Bowers (entre el que se cuentan Nicolas Cage, Samuel L. Jackson, Charlize Theron, Kristen Bell, Freddie Highmore, Donald Sutherland, Bill Nighy y Eugene Levy); desafortunadamente no hay modo (legal) de escucharlos en México, pues sólo se estrenaron copias dobladas al español.
Entre los escasos aciertos de Astro Boy puedo mencionar algunas buenas secuencias de acción, hábilmente coreografiadas y realizadas con un estilo artificial pero dinámico (me gustó el amenazador robot final y un monstruo lovecraftiano que aparece por breves instantes en los últimos segundos de la película). Bowers se abstuvo de buscar el foto-realismo de Wall-E o The Incredibles, lo cual hace más inofensivos los conflictos, y más barata la producción. Sin embargo me hubiera gustado que la dirección de arte rindiera homenaje al icónico estilo del anime, empleando un acabado 2D con la ayuda de un "toon shader" como el que se usó en la serie televisiva Futurama y en fragmentos de Kung Fu Panda. Si no podemos tener la casual violencia, ambigüedad moral y pragmatismo político de la serie original (porque, en opinión de los psicólogos, dañarían irremediablemente los frágiles cerebros de los niños modernos), al menos hubiéramos disfrutado de un genuino tributo a la obra del "Dios del Manga" y creador de Astro Boy.
Pero... ¿qué estoy pensando? Ese nunca fue el propósito de la cinta Astro Boy; simplemente es otra genérica película animada, producida de manera semi-independiente (por el estudio Imagi Animation, responsables de la competente TMNT), en pos del mercado acaparado por los grandes estudios. Y sospecho que lo logrará, al menos por un fin de semana antes de quedar relegada al olvido... o a las secuelas en DVD, lo que ocurra primero. Como dije al principio, no guardo gran estima por la seminal serie Astro Boy, pero creo que tampoco merecía una adaptación a cine carente de creatividad y energía. Por otro lado, los únicos que la recordamos somos viejitos refunfuñones a los que nada nos gusta, así que no me hagan caso. A fin de cuentas, la película Astro Boy es exactamente lo que pretendió ser. Lástima que no haya sido lo que pudo ser.
Calificación: 5
Los Hermanos Coen han ganado a pulso la reputación de "artistas", pues parecen más interesados en satisfacer sus particulares gustos e idiosincrasias que en cubrir los genéricos requerimientos comerciales del cine moderno. Como resultado, sus películas son usualmente recibidas con una mezcla de automática aclamación y confusa incertidumbre sobre sus intenciones u objetivos. Y si eso ocurrió con cintas más o menos comprensibles, como No Country for Old Men y Burn After Reading, no quiero ni pensar en la división que provocará su nueva obra, Un Hombre Serio.
Con la película O Brother, Where Art Thou?, los Hermanos Coen realizaron una moderna (y muy libre) adaptación de La Odisea, escrita por el poeta griego Homero. Y ahora, con Un Hombre Serio, hicieron una igualmente abierta interpretación del libro bíblico que narra las desventuras de Job, quien sufrió abundantes calamidades inflingidas por Satanás para probar su fe en Dios (o algo así). Además, según testimonio de los cineastas, también incorporaron elementos auto-biográficos en el libreto (pero también nos dijeron que Fargo estaba inspirada en hechos reales, así que ¿quién sabe?). El resultado es un retrato reflexivo, parsimonioso y confuso sobre las experiencias de una familia judía en una típica ciudad de los Estados Unidos a fines de los sesentas.
El Job moderno es Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg), profesor universitario de física con problemas en todos los aspectos de su vida. En casa descubre que su esposa pretende abandonarlo para irse a vivir con su mejor amigo; su cuñado es una presencia molesta (y quizás criminal) en su hogar; sus hijos pelean constantemente; y sus vecinos son lacónicos cazadores cuyas inexpresivas miradas podrían ocultar sentimientos anti-semitas. En la universidad tiene que lidiar con acusaciones de corrupción, estudiantes descontentos y tensión por las deliberaciones sobre su empleo en la institución. Entonces, tratando de buscar solución a estos problemas, el afligido hombre decide consultar a una serie de rabinos, quienes ofrecen extrañas parábolas de oblicuo significado, que no parecen tener relación alguna con el sufrimiento de Gopnik; o quizás expresan todo lo que debe entender para sobrellevar su racha de mala suerte.
No niego que haya ingeniosas analogías y profundos mensajes en Un Hombre Serio; pero están ocultos en una narrativa tan monótona que puso a prueba mi paciencia y mi fe en el talento de los Hermanos Coen (no soy un santo como Job, y terminé sospechando que la película era un gran chiste a costa del público). Los aspectos técnicos son extraordinarios, desde las sinceras actuaciones del casi desconocido elenco, hasta la increíble cinematografía de Roger Deakins. La creativa dirección ofrece escenas de ambiguo tono, compartiendo drama y comedia en una combinación imposible de clasificar. Sin embargo me encontré con frecuencia en el límite de la tolerancia por esta desconcertante obra. Durante dos horas estuve esperando esa escena, ese momento que mágicamente unificara los disparatados elementos de la trama en una catarsis narrativa que me hiciera exclamar: "¡Claro! ¡Ahora entiendo!". Pero nunca llegó tal momento. Simplemente llegamos a un abrupto y enigmático final que sólo cobró sentido cuando llegué a casa y decidí leer el mencionado Libro de Job (algunos pasajes, al menos), lo cual sirvió para resolver algunos cuestionamientos que me provocó la película (por decirlo amablemente).
Sin embargo, eso es tan sólo parte del acertijo. Estimo que la plena comprensión de la película también requiere erudición sobre la Tora, la cultura judía, sus rituales y el simbolismo que adorna sus parábolas y relatos. Confieso que mis conocimientos en esos temas están limitados a lo que vi en Seinfeld y en películas de Woody Allen; y sólo reconocí la referencia a un "dybbuk" porque recordé la reciente cinta de terror The Unborn (algo así como El Exorcista, pero en un contexto judío). Por cierto, los primeros diez minutos de Un Hombre Serio me parecieron extraordinarios, y contribuyeron a hacer las restantes dos horas aún más aburridas y exasperantes (aunque, ahora que lo pienso, ese comienzo podría explicar la "maldición" que cae sobre el protagonista).
Para variar, estoy indeciso sobre Un Hombre Serio. Por un lado, el libreto ofrece sólido material de reflexión intelectual y teológica (en particular me gustaron las referencias al gato de Schrödinger, y a los principios de incertidumbre en física subatómica, pues en gran medida reflejan la impredecible vida del protagonista). Pero como entretenimiento cinematográfico la película me pareció tediosa, auto-indulgente y hasta intencionalmente antipática. Sólo en retrospectiva he encontrado cierto sentido, lo cual me hace apreciar las intenciones de los Hermanos Coen, y al mismo tiempo desear que hubieran encontrado un modo más accesible de compartirlas con nosotros. Entonces sólo recomendaría esta obtusa cinta a estudiosos del cine que no esperen entretenimiento o satisfacción, sino retos intelectuales e interrogantes filosóficas (con un aderezo de Jefferson Airplane) en vez de fórmulas cinematográficas y desenlaces lógicos. Y, desde luego, es obligatoria para los fans de los Hermanos Coen que quedaron descontentos por el comercialismo de sus últimas películas. Ustedes se lo buscaron.
Calificación: 6
A riesgo de poner en duda mi masculinidad, diré que a lo largo de los años he disfrutado las inteligentes y elegantes "chick flicks" (películas para mujeres) que Nancy Meyers ha escrito, producido o dirigido. Cierto, su filmografía tiene algunos pronunciados altibajos pero, en mi humilde opinión, esta polifacética realizadora ha logrado mantener un estándar de calidad bastante inusual para el irregular género de la comedia moderna. Enamorándome de mi Ex consigue alcanzar ese estándar de calidad en algunos aspectos, y sin duda ofrece honestas y divertidas actuaciones de un elenco sobresaliente; sin embargo esta vez sentí que las idealizadas situaciones del guión y el afectado humor de los sofisticados personajes pueden volverse irritantes sin previo aviso. Y no se si habré reaccionado así por un súbito incremento de mi amargura, o porque Meyers está gradualmente cayendo en una auto-parodia de su trabajo previo.
Como sea, la cinta gira en torno al inusual triángulo amoroso entre Jane (Meryl Streep), Jake (Alec Baldwin) y Adam (Steve Martin). Como nos advierte el título original en inglés (It's Complicated), las circunstancias del triángulo son complicadas: Jane estuvo casada durante largo tiempo con Jake, pero se divorciaron hace 10 años. Jane se dedicó a criar a sus hijos y atender su próspero negocio de pastelería, mientras que Jake se casó con Agness (Lake Bell), una mujer mucho más joven e impetuosa. Pero durante un evento familiar Jane y Jake descubren una inesperada atracción y tímidamente renuevan su romance, notando que ya han desaparecido las presiones que los separaron durante su fallido matrimonio. El problema es que ambos tienen dudas sobre la situación; Jake está enamorándose nuevamente de su ex-esposa, pero está engañando a la voluble Agness; y Jane acaba de conocer a Adam (Steve Martin), un solitario arquitecto que parece pareja perfecta para la divorciada mujer. Entonces Jane deberá decidir entre la cómoda familiaridad de su ex-esposo, o el reto de una romance otoñal con Adam. Y, además de todo... ¿qué pensarán sus hijos de estas inesperadas relaciones?
Enamorándome de mi Ex me dejó con opiniones contradictorias. Por un lado, encontré difícil compadecerme de los personajes "maduros" con piel perfecta, vestuario impecable y refinadas vidas suburbanas donde el mayor problema es tener "solo" dos hornos en su inmensa cocina. Pero bueno... entiendo que se trata de una fantasía femenina (no quiero parecer sexista, pero aceptemos la realidad), y puedo tolerar el "tratamiento Hollywood" que hace la cinta más accesible y estéticamente atractiva. Lo que no logro tragar es la artificialidad de la narrativa y el predecible humor, que tampoco encontré particularmente ingenioso. Por otro lado, es difícil negar el talento de los tres actores principales, y la perfecta química que nos hace apostar por el éxito de sus respectivos lances amorosos. Como certeramente señaló Tina Fey en un reciente episodio de 30 Rock, Meryl Streep ha elegido el camino de la dignidad, evitando los desfiguros que otras actrices emplean para mantener la apariencia de juventud ante los ojos del público. Así, aceptando papeles consistentes con su edad y sin excesivos trucos rejuvenecedores (aunque imagino que los maquillistas de la película se ganaron su sueldo) Streep genera automática simpatía y credibilidad en el espectador. Lo mismo se puede decir del genial Alec Baldwin, quien habita con hilarante aplomo un personaje reconocible por sus fallas y simpático por sus virtudes. Steve Martin (a quien considero un genio de la comedia) debe contrastar con el locuaz Baldwin, y por eso lo encontramos más sutil y controlado (quizás demasiado). Pero cada uno, en su propia manera, logra transmitir algunas verdades muy reales sobre los obstáculos emotivos de "la gente mayor" y las injustas expectativas que en ocasiones encuentran por parte de los jóvenes.
En ese aspecto el libreto funciona mejor como (débil) manifiesto social que como comedia; y también ayuda que la veterana Meyers (no lo digo por su edad, sino por su larga carrera... ¡en serio!) muestra suficiente inteligencia para excluir los más trillados clichés de la comedia romántica, lo cual agradecí bastante. Gracias a ese sano juicio, no tenemos que soportar otra forzada declaración de amor en el aeropuerto, ni presenciar humillaciones públicas de alguien que trata de probar su arrepentimiento, ni debemos girar los ojos con incredulidad ante las torpes manipulaciones empleadas para enemistar a las parejas (bueno, un poco de eso; pero como el truco incluye el trasero de Baldwin puedo pasarlo por alto). Entonces, creo que Enamorándome de mi Ex es una cinta mediocre, pero con válido potencial de entretener al público para quien fue dirigida: adultos que comprenden los obstáculos y tentaciones que se encuentran al entrar en una nueva (y desconocida) etapa de la vida. Creo que aún no estoy en ese rango (aunque no me falta mucho), pero aún así reí en varias ocasiones y, a fin de cuentas, salí más satisfecho que irritado del cine. Por eso puedo darle una cauta recomendación a Enamorándome de mi Ex, sobre todo para la gente que disfrutó otras cintas de similar tema y argumento, como Something Gotta Give, Father of the Bride y Baby Boom. Sí... todas ellas producidas por Nancy Meyers.
Calificación: 6.5
El Libro de los Secretos se ubica en un desolado futuro post-apocalíptico, varias décadas después de una guerra nuclear que devastó al planeta, extinguió la civilización y propició el surgimiento de sociedades donde predomina la ley del más fuerte y una economía basada en intercambio, pillaje y esclavitud. En otras palabras, una notable recreación temática y visual del videojuego Fallout 3, lo cual no es extraño pues Gary Whitta, su guionista, fue editor de la revista PC Gamer a mediados de los noventas, cuando yo la leía religiosamente. Hablando de religión, El Libro de los Secretos también incluye pesadas alusiones a la fe y la espiritualidad, incorporando algunas interesantes posibilidades metafóricas; y aunque no me molestaron sus arbitrarias manipulaciones de conceptos cristianos, sin duda me decepcionó su patente carencia de lógica y consistencia, lo cual prácticamente transforma la película en un "deus ex machina" de principio a fin. Pero bueno... antes de que mi diatriba entre al terreno de los spoilers convendrá explicar un poco la situación.
En ese mundo post-apocalíptico encontramos al solitario Eli (Denzel Washington) atravesando a pie los ex-Estados Unidos en una misión que comenzó hace treinta años: debe llevar un misterioso libro a su igualmente misterioso destino en el oeste del país. Sobra decir que el trayecto está lleno de peligros, pues además de la devastación general y contaminación radioactiva también hay pandillas de saqueadores que asesinan viajeros para robarles sus pocas pertenencias. Afortunadamente Eli no es un indefenso peregrino, sino un combatiente nato con fantástica habilidad para defenderse, lo cual demuestra cuando llega a una primitiva comunidad en busca de provisiones, y es atacado por los esbirros de Carnegie (Gary Oldman), el desalmado líder local, quien conoce la existencia del libro. Entonces, con ayuda de una esclava fugitiva llamada Solara (Mila Kunis), Eli deberá internarse en territorio desconocido para escapar del villano y sus ayudantes, quienes no se detendrán ante nada hasta poseer el secreto que Eli cuida con su vida.
Pocos actores poseen la gravedad y peso dramático para interpretar un papel como el de Eli, y creo que Denzel Washington realiza un excelente trabajo combinando humildad, propósito y un sutil aire de amenaza que dice mucho de su personalidad e implacable voluntad. Gracias al actor es posible sobrellevar las partes más tediosas de la trama, pues aunque hay muy buenos momentos de acción y suspenso (¿mencioné la revelación final que destruye toda expectativa?), el libreto se arrastra perezosamente mientras regurgita ideas y situaciones demasiado vistas. ¿Cuántas veces debemos "sorprendernos" cuando el solitario héroe derrota a múltiples atacantes que lo consideraron presa fácil? ¿Sigue siendo necesario basar al genérico villano en los enemigos de James Bond? Gary Oldman parece (al menos en papel) un buen antagonista de Denzel Washington; lamentablemente los directores deciden desperdiciar su talento con insulsos diálogos y las clásicas amenazas que hemos visto recitadas por toda clase de malandrines desde el inicio del cine. La igualmente talentosa Jennifer Beals es apenas un "prop" del villano; y la guapa Mila Kunis hace lo posible por mantener el paso de Washington, aunque su personaje es simultáneamente un "mcguffin", una damisela en peligro, y un rostro bonito para hacer más ameno el trayecto por el desierto radioactivo.
Sospecho que la ideología religiosa de cada espectador modificará en gran medida su percepción de El Libro de los Secretos. Por eso me limitaré a decir que, sin importar el mensaje o intención de la película, me mantuvo entrenido en algunos momentos por su dinámica acción... y aburrido en otros por su falta de innovación y lento desarrollo (no se desesperen por el lento inicio; la cinta mejora conforme avanza); también me gustó mucho el diseño de producción (si olvidamos que sale directamente de Fallout 3) y me encantaron los escabrosos cielos que adornan la cinta entera (no me habían impresionado tanto las nubes desde aquellos memorables escenarios impresionistas de la serie animada The Amazing Spider-Man realizada en los sesentas). Sin embargo, el desenlace me pareció una trampa, pues explica ciertas cosas al mismo tiempo que sacrifica el sentido común y contradice algunos de sus elocuentes temas... aunque no puedo negar que fue inesperado, y seguramente provocará acaloradas discusiones entre los espectadores deseosos de una interpretación más concreta. Buena suerte para encontrarla.
Calificación: 7
¿Qué adolescente podría resistir el embrujo del Roller Derby? Nunca me han interesado los deportes, pero recuerdo haber quedado hipnotizado cuando descubrí por primera vez esta actividad en algún oscuro canal de televisión por cable. Para empezar, los equipos estaban integrados por guapas (y rudas) mujeres que contradecían todos los estándares de feminidad que mi limitada mente comprendía (¿mencioné que esto ocurrió a mediados de los ochentas?). En segundo lugar, el "deporte" consistía en feroces competidoras patinando, golpeándose brutalmente, y sufriendo aparatosas caídas (lo admito, nunca entendí las reglas). Y, como cereza en el helado, el entorno de esta confrontación post-apocalíptica era una futurista pista oval que parecía copiada del clásico de ciencia ficción Rollerball... ¡trifecta! No obstante, mi interés se evaporó rápidamente, y supuse que el Roller Derby habría desaparecido junto con las faldas fluorescentes y los peinados Flock of Seagulls. Pero, como nos indica la nueva cinta Whip It, el Roller Derby sigue vivo y próspero (o tan próspero como puede serlo un deporte con niveles tóxicos de "kitsch"). Y aunque me gustó bastante la película terminé descubriendo que, un cuarto de siglo después de mi fascinación inicial, el Roller Derby me provoca más angustia que excitación.
Whip It sigue la introducción, adiestramiento y retos que enfrenta la joven Bliss Cavendar (Ellen Page) en un pequeño pueblo tejano cuando, casi por accidente, se integra a un equipo local de Roller Derby, donde encuentra la libertad personal y confianza en sí misma que están ausentes en su tedioso trabajo como mesera, y en su estricto hogar, regido con mano de hierro por su madre Brooke (Marcia Gay Harden), quien está obsesionada por transformar a su hija en una reina de belleza y dama de sociedad. Desde luego Bliss no tiene interés alguno por ese estilo de vida y, para su sorpresa, resulta ser una sobresaliente patinadora, lo cual representa triunfos y ascenso en el mundillo del Roller Derby. Pero eventualmente su doble vida empieza a ocasionar problemas, y deberá decidir si es más importante su felicidad personal o la estabilidad de su familia.
El uso del Roller Derby como marco de esta historia podrá parecer innovador, pero cuando vemos más allá de los coloridos nombres que usan las patinadoras y sus pintorescas personalidades, encontraremos la típica fórmula de crecimiento y superación que se ha usado en tantas otras películas. Afortunadamente la directora Drew Barrymore (en su debut de largometraje) logró reunir un grupo de actrices cuya natural simpatía e instintos humorísticos ayudan a superar los tropiezos de esta novata realizadora. Ellen Page es perfecta como la tímida Bliss, aportando sinceridad y ácido humor a un papel engañosamente ligero, que hubiera sido fácil asignar a una actriz más llamativa o comercial, con el riesgo de perder la maravillosa personalidad de la película. Cierto, Page repite buena parte del repertorio que mostró en Juno, pero también añade el corazón y vulnerabilidad que estuvo ausente en aquella estilizada cinta. En el papel de la madre estricta, Marcia Gay Harden tiende a caricaturizar su personaje (¿cuántas veces hemos visto madres obsesionadas por cambiar la personalidad de sus hijos?), aunque eso no le impide encontrar el balance justo de incondicional amor materno y férrea voluntad. Jimmy Fallon tiene varias hilarantes participaciones como el casual e irreverente comentarista de los torneos, y me hizo recordar sus mejores momentos en Saturday Night Live.
Por su parte, el equipo de patinadoras está integrado por rostros conocidos que sentí mal aprovechados. Actrices como Ari Graynor, Zoe Bell, la misma Barrymore y la cantante Eve tienen escasos momentos de lucimiento, y me hubiera gustado que formaran parte integral de la historia, en vez de quedar relegadas al "comic relief". Solo destacan Kristen Wiig ("Maggie Mayhem") como consejera y confidente de la novata patinadora; y Juliette Lewis ("Iron Maven") exagerando con gran gusto en el papel de archi-rival cuya agresión no disminuye el respeto que siente por sus contrincantes. Finalmente debo mencionar a Alia Shawkat en el ingrato papel de "mejor amiga", no siempre bien escrito, pero repleto de ingeniosos diálogos e implacable sarcasmo. Me temo que Shawkat empieza a mostrar los primeros síntomas del "Síndrome Judy Greer", el cual la condenará a pasar su carrera en papeles cómicos secundarios, por carecer del "sex appeal" requerido para ganar roles estelares donde pudiera demostrar su gran talento. Pero claro, Jessica Alba sigue encontrando trabajo en comedias a pesar de su insípido desempeño. Así es la vida en Hollywood, supongo.
Disfruté mucho la experiencia de Whip It, aunque no sea el tipo de comedia que provoca risas constantes; en vez de ello cultiva una atmósfera de amable humor impulsado por la simpatía de sus personajes y los inesperados contrastes entre las dificultades normales que enfrentan y el surrealismo del deporte que practican. Dentro de los elementos negativos podría mencionar el forzado romance de la protagonista con un genérico galán que nunca sentí sustancial ni apropiado... aunque al menos sirvió como excusa para mencionar al grupo de rock Stryper (otro recuerdo de los ochentas); lástima que no hayan logrado pagar por alguna de sus canciones. También podría mejorarse la edición, recortando escenas que alargan innecesariamente la película, y eliminando algunas torpes pausas que obstruyen el flujo narrativo y ponen en evidencia la inexperiencia de la directora. Pero estoy seguro de que Drew Barrymore superará esos detalles técnicos en su próximo proyecto, y si bien no la pondría aún en la categoría de "grandes directores", sin duda tuvo un auspicioso debut con esta divertida película, que sin duda recomiendo como ligero entretenimiento con modestas aspiraciones y buenos resultados. De hecho, ya tengo ganas de verla nuevamente; buena señal (al menos para mi). Pero antes, visitaré YouTube para buscar videos del Roller Derby actual. Y también de G.L.O.W.; me pregunto si alguien estará planeando una película sobre ese "deporte".
Calificación: 8.5
Es bien sabido que los estándares de calidad narrativa en el cine infantil son lamentablemente bajos, debido a la deplorable creencia de que los niños carecen de la sofisticación necesaria para fijarse en "detalles" como lógica, ingenio y cohesión. Y lo peor es que, aunque no me guste admitirlo, el éxito económico de obras como Madagascar y Hannah Montana: La Película parece apoyar esa teoría. De cualquier modo aborrezco el uso de la frase "es para niños" como excusa para justificar la creación de películas mal escritas y plagadas de clichés que los grandes estudios (en cine y televisión) endilgan a los pequeños, sobre todo cuando se usan como simple vehículo de mensajes mercadológicos y consumistas. Desde luego existen algunas honrosas excepciones, como la filmografía de Pixar y aisladas obras que de vez en cuando desafían las bajas expectativas creadas por este lucrativo mercado. Freaky Faron se acerca mucho a ser una de esas excepciones, aunque no escapa de algunos problemas que sabotean sus notables atributos.
Inicialmente pensé que Freaky Faron estaría basada en alguna serie literaria, pues desde el principio se perciben atisbos de una rica mitología que amerita un examen más profundo. Pero no... parece ser una obra independiente, aunque se antoja posible el desarrollo de una franquicia a su alrededor. La trama gira en torno a Faron Hallowell (Courtney Halverson), una inteligente adolescente que finalmente es liberada tras haber pasado varios años en una institución mental, como consecuencia de haber atacado violentamente a un reportero cuando tenía apenas 11 años. En aquel entonces Faron afirmó que había sido entrenada por un grupo de centinelas extraterrestres para defender al planeta Tierra de una malévola conspiración interplanetaria. Pero ahora, a los diecisiete años, Faron parece estar completamente recuperada y lista para regresar a su casa... aunque no todos sus psiquiatras coinciden. Entonces, mientras Faron hace su mejor esfuerzo por retomar una vida normal de adolescente, sus pequeñas vecinas, Jamie (Lydia Milner) y Kaitlin (Carly Hayes) le piden ayuda para encontrar a una maestra desaparecida en circunstancias misteriosas. Faron se niega al principio, aunque eventualmente decide ayudarlas, pues la desaparición de la mujer podría estar relacionada con la conspiración extraterrestre. Pero ¿realmente está la Tierra en peligro, o solo son fantasías de una muchacha mentalmente inestable?
Me ha tocado ver muchas películas independientes de horror, acción y comedia filmadas con escasos recursos para el mercado directo a DVD, pero creo que Freaky Faron es la primera (o segunda, si contamos The Flyboys) dirigida al público familiar. La verdad no esperaba que me gustara tanto, aunque debo señalar sus obvias limitaciones técnicas y estéticas. Para empezar, está grabada en video de mediana calidad y en condiciones que tienden a enfatizar las limitaciones de ese medio (escenas nocturnas, excesivo ruido ambiental). No se si la culpa sea de la fotógrafa Kelly Richard, o del director John Ross, por no haber considerado esos factores en su libreto; sin embargo he visto peores imágenes en el cine directo a DVD, de modo que puedo disculpar su pobre apariencia. Las actuaciones del joven elenco son agradablemente naturales, aunque no muy pulidas; y sin duda aprecio la credibilidad de usar una actriz principal realmente adolescente, en vez de una mujer de veintitantos años pretendiendo tener diecisiete. Además, aunque haya mención de artes marciales y conspiraciones extraterrestres, no hay que esperar efectos especiales ni secuencias de acción. Para bien o para mal, Freaky Faron es una historia de detectives que se fundamenta en el ingenio de su libreto, en las deducciones de la protagonista, y la integridad del guión, que se abstiene de utilizar atajos o trampas para facilitar la labor de su escritor.
Como dije, me sorprendió esta sencilla pero inteligente película, aunque temo que puede ser víctima de una inusual paradoja: por un lado, está dirigida al público infantil y juvenil, pero su metódica narrativa y austeridad visual podrían alejarla de esa audiencia; por otro lado, el joven elenco casi amateur, y la ausencia de sangre o acción tal vez resten interés para aficionados al más maduro cine directo a DVD. Como sea, espero que Freaky Faron encuentre su propio público, a pesar de ser una producción tan humilde que no puede sostener una distribución consistente, y hasta Amazon tiene dificultades para vender el DVD (unos días dice que está "in stock", y otros que está descontinuado). Entonces, recomiendo esta inusual obra para quien esté cansado de películas infantiles repletas de efectos especiales y genéricos mundos mágicos, cuya única misión es tratar de ocupar el nicho que pronto dejará vacío Harry Potter. Freaky Faron es una gran alternativa dentro del cine familiar, y muestra el potencial de la producción independiente en un género distinto al habitual horror o acción. Solo me queda esperar que Faron Hallowell encuentre nueva vida en secuelas (ya sea en cine o algún otro medio), pues tiene el potencial de convertirse en una moderna Nancy Drew para la siguiente generación de "geeks", que merecen un personaje más interesante y menos pre-fabricado. Pero dudo que suceda.
Calificación: 8.5
Hay eventos en la historia humana que son tan trágicos, monumentales o significativos, que cualquier película basada en ellos parece automáticamente inmune a toda crítica, pues quien se atreva a hablar mal de ellas parecerá que está hablando mal de las víctimas o héroes que retratan. El holocausto judío es uno de esos eventos; lo mismo aplica a cualquier genocidio, sobre todo reciente; y desde luego el apartheid que durante tantos años existió en Sudáfrica. Menciono esto porque la película Invictus me pareció mal planteada y terminó decepcionándome, aunque de ninguna manera niego la validez de su mensaje, ni la importancia de los hechos que retrata. Simplemente no coincido con el modo como los expone. Por favor no me hagan hablarle a mi abogado (o encontrar uno, para el caso).
Invictus comienza en 1994 con las elecciones que dieron la presidencia de Sudáfrica a Nelson Mandela (Morgan Freeman), prisionero político y líder espiritual del movimiento en contra del apartheid, que durante décadas oprimió a la población negra de ese país, negándole derechos y limitando severamente sus libertades. Afortunadamente el cambio de régimen abrió nuevos horizontes para el país entero, pero Mandela se dio cuenta de que sería muy fácil caer en un círculo vicioso de rencor y venganza que terminaría segregando a la minoría blanca en control del poder económico. Entonces, entre sus numerosas políticas de unificación y tolerancia, Mandela eligió al equipo de rugby Springboks (integrado casi totalmente por jugadores blancos) como un símbolo de la integración racial en la nueva Sudáfrica, y puso en manos del popular jugador François Pienaar (Matt Damon) la misión de llegar a la Copa Mundial de Rugby, por celebrarse en 1995. Así, el hábil político tendría una meta común para ambos grupos étnicos, y demostraría que era posbile la unión de esfuerzos para beneficio del país entero. Pero, más allá del rencor de la población negra y las dudas del gabinete presidencial, Mandela y Pienaar enfrentaron un obstáculo más inmediato y tangible: la mediocridad del equipo de rugby, acostumbrado a perder y sin motivación para ganar. ¿Podrían cambiar de actitud y lograr llegar a al Copa Mundial?
Durante su primera mitad Invictus sigue al impresionante personaje de Nelson Mandela en los días posteriores a su elección; sin embargo el libreto cambia eventualmente su enfoque y se transforma en una película deportiva, dedicando casi por completo la segunda hora a un partido de rugby muy importante, pero que de ninguna manera me interesó tanto como las batallas políticas que vimos al principio. La verdad me irritó ese cambio de perspectiva, pues además de que no tengo interés alguno en el rugby e ignoro por completo las reglas del juego, me pareció una muy débil analogía de los inmensos retos que enfrentó Nelson Mandela como presidente de Sudáfrica, así como de sus considerables éxitos. En otras palabras, creo que hay material absolutamente fascinante en la vida personal y política de esta célebre figura, y no siento que el mejor modo de examinarlo haya sido con un simple partido de rugby. Sí, comprendo su significado e impacto en la sociedad sudafricana (el libreto no nos deja olvidarlo); pero siento que el director Clint Eastwood decidió enfocarse en la parte menos interesante de la historia real.
Parte del "problema" (si podemos llamarlo así) es que Morgan Freeman realiza uno de los mejores trabajos de su carrera con su interpretación de Nelson Mandela (lo cual es decir bastante). No quiero exagerar, pero Freeman nació para este papel, y cada segundo de su presencia en la pantalla es hipnótico e imposible de ignorar. Entonces, cuando el peso de la historia se traslada a los genéricos deportistas, la película pierde su eje narrativo y trata de recuperarlo sin mucho éxito hasta el predecible final (no quiero revelar SPOILERS, pero es lógico suponer que la película no se hubiera filmado si la historia hubiera seguido un camino distinto). En el ingrato papel de François Pienaar, Matt Damon ofrece también una sólida actuación, doblemente valiosa por su dominio del espeso acento sudafricano; sin embargo no se compara con el magnetismo de Freeman y las asombrosas estrategias de Mandela.
Tengo la teoría de que Clint Eastwood disfruta haciendo películas sobre deportes, pero no quiere reducirlas a los típicos clichés que hemos visto en este limitado género. Por el contrario, Eastwood pretende que el triunfo o fracaso de los deportistas incluya niveles dramáticos que rara vez alcanzan las simples historias de "equipo de perdedores lucha por el triunfo". En Million Dollar Baby vimos cómo un predecible relato de boxeo se transformó inesperadamente en una disertación sobre ética médica; y, en sentido inverso, ahora Invictus comienza como un eléctrico drama político que degenera en la proverbial confrontación deportiva. El problema es que el contexto de esta historia ofrecía potencial narrativo casi ilimitado, el cual se ignora a favor de sus aspectos más simples y previsibles. A pesar de todo eso tengo que recomendar Invictus tan sólo por el impresionante trabajo de Morgan Freeman y por la segura dirección de Clint Eastwood, pues aunque tengo severas dudas sobre el libreto, es indudable la calidad técnica y creativa aplicada a gran parte del proyecto. Sólo espero que Freeman tenga oportunidad de repetir el mismo papel en una película mejor balanceada, que no se distraiga tan fácilmente de los hechos relevantes. Después de todo, si Michael Sheen ha interpretado 3 veces al ex-Primer Ministro británico Tony Blair, no veo por qué Freeman no pueda dedicar algunos años a explorar un personaje tan interesante (y polarizante) como Nelson Mandela.
Calificación: 8
Muchas veces me he quejado de películas que mezclan géneros en una desesperada búsqueda de identidad, y terminan diluyendo su impacto por no encontrar un tono o estilo apropiado para su narrativa. Sin embargo Amor Sin Escalas demuestra que la inesperada combinación de drama, comedia y romance puede funcionar con la ayuda de un inteligente libreto, notables actores e impecable dirección, dando como resultado una rara amalgama de difícil clasificación que logra ser emotiva sin falso sentimentalismo, graciosa, y al mismo tiempo honesta en sus exámenes de la conducta humana y la situación mundial contemporánea.
Amor Sin Escalas se centra en Ryan Bingham (George Clooney), experto "consultor" que viaja constantemente por los Estados Unidos despidiendo empleados de empresas que pagan por ese raro servicio. Y, claro, en el entorno económico actual Bingham tiene más trabajo que nunca, lo cual le complace pues "el camino" es el único lugar donde está realmente feliz, viviendo en hoteles, volando en avión y evitando cualquier lazo afectivo duradero o importante. De hecho, su única ambición en la vida es alcanzar el mágico número de millas viajadas para pertenecer a un exclusivísimo club de la línea aérea American Airlines. Pero la coraza emocional del solitario hombre empieza a desintegrarse cuando conoce a Alex (Vera Farmiga), otra "viajera profesional", con quien establece una cálida relación determinada por el número de ciudades en las que coinciden sus viajes. ¿Será posible que Bingham esté sintiendo la necesidad de encontrar una pareja más estable? La respuesta tendrá que esperar, pues Craig Gregory (Jason Bateman), el jefe de Bingham, está considerando la opción de realizar los despidos vía Internet, gracias a los progresivos consejos de Natalie Keener (Anna Kendrick), una experta en eficiencia con grandes ideas tecnológicas. Desde luego ese cambio "cortaría las alas" de Bingham, y lo condenaría a una rutinaria vida de oficina, de paso perdiendo la oportunidad de encontrarse periódicamente con Alex. Entonces, para probar que el método personal es superior a los "despidos remotos", el veterano consultor decide llevarse a Natalie en su último viaje, para que gane experiencia de primera mano en el difícil trabajo de despedir gente que rara vez lo merece.
Uf... estuvo larga esa sinopsis, pero apenas muestra el rico tapiz emocional que tejen los fantásticos personajes de Amor Sin Escalas. El sólido libreto de Sheldon Turner y Jason Reitman (basado en una novela de Walter Kim, que planeo leer) evita clichés dramáticos y fórmulas humorísticas para encontrar un perfecto tono que desafía expectativas y nos sumerge en la vida de personajes que se sienten al mismo tiempo familiares, pero suficientemente impredecibles para mantener el interés en su desarrollo y crecimiento. El talentoso elenco se funde con sus papeles, y no cuesta trabajo ignorar a George Clooney, estrella de cine, para centrarnos en Ryan Bingham, "loser-winner" cuyo cruel oficio quizás haya influido en su aislamiento personal... o viceversa. Vera Farmiga es perfecta como la pragmática Alex, y Anna Kendrick funciona maravillosamente bien como la experta en eficiencia que cree tener todas las respuestas a pesar de su inexperiencia en el mundo real. Y aunque hay otros "nombres" en el elenco, su presencia es mínima, así que quienes esperen ver a Jason Bateman, J.K. Simmons, Melanie Lynskey o Zach Galifianakis como co-estelares, quedarán decepcionados, pues apenas aparecen unos cuantos minutos en la pantalla. Ciertamente cumplen su labor, pero la película pertenece por completo a Clooney, Farmiga y Kendrick.
Arriesgándome a caer en hipérbole (¿más?), diré que también merece mención la narrativa de Amor Sin Escalas, moderna por su fluidez y consistencia, pero clásica por enfocarse en experiencias personales sencillas, que no requieren exageraciones dramáticas ni los típicos "grandes gestos" que estamos acostumbrados a ver en el cine contemporáneo. No hay que esperar forzados momentos catárticos ni revelaciones sorpresivas... simplemente las bien moduladas "voces" de las actuaciones armonizando en un coro emotivo y sincero, aunque ciertamente frívolo y superficial. Y esa sería quizás la única falla que sentí en la película... sin duda fue una placentera (y agridulce) experiencia cinematográfica, pero carece de la sustancia necesaria para recordarse como algo trascendente o impactante. Pero bueno... no hace falta que cada película cambie nuestras vidas; en ocasiones basta con distraernos un poco, pero sin perder de vista la realidad.
En lo que va del siglo, el director Jason Reitman ha realizado tres sobresalientes películas (incluyendo Juno y Thank You for Smoking) que, en mi humilde opinión, lo han consagrado como uno de los mejores directores contemporáneos, cuya talento parece afinarse a la par con su madurez. Sí, incluso me atrevería a decir que en escasos cinco años ya superó la carrera de su ilustre padre, Ivan Reitman. Entonces, sólo queda darle una entusiasta recomendación a Amor Sin Escalas, (aunque, al igual que ocurrió con Juno, estimo que no será para todos los gustos), pues no sólo nos ofrece personajes interesantes y una historia imposible de encasillar, sino que además ofrece un sobrio pero optimista comentario sobre la crisis económica mundial, sin necesidad de sermones o pesadas lecciones morales. La verdad es siempre difícil, pero pocas veces tan entretenida.
Calificación: 9.5
El Cuarto Contacto será acusada de copiar el estilo de Paranormal Activity aunque, para ser honestos, ambas se rodaron más o menos al mismo tiempo, y ambas muestran bastante influencia de The Blair Witch Project. Pero El Cuarto Contacto comete el error de combinar "realidad" con "ficción" de una manera poco creíble y hasta involuntariamente humorística. Habiendo dicho eso, debo admitir que la tensa historia e inquietante atmósfera de los segmentos "reales" (uff... necesito comillas dentro de las comillas para expresar el meta-meta-contenido de esta película) conduce a algunos buenos sobresaltos y momentos de angustia. El director Olatunde Osunsanmi tiene obvio talento para provocar suspenso y orquestar escenas de terror... desafortunadamente no mostró igual visión al armar este extraño híbrido de técnicas y métodos que desperdicia su interesante premisa en un formato a punto de caer en la auto-parodia.
Al principio de El Cuarto Contacto aparece la actriz Milla Jovovich muy seria, explicándonos solemnemente la intención de la película, y de paso advirtiéndonos que estamos a punto de ver videograbaciones reales que pueden resultar perturbadoras. Estos videos fueron realizadas por la psicóloga Abigail Tyler en un pequeño pueblo de Alaska, y muestran sesiones de terapia hipnótica con las que trató de ayudar a sus pacientes, muchos de los cuales sufrían inexplicables terrores nocturnos asociados a la imagen de un búho. Pero los testimonios que capturaron las cintas revelan paulatinamente un horrible secreto que podría explicar las abundantes desapariciones de personas en aquella aislada región. Y, peor aún, quizás el fenómeno fue encubierto por el gobierno de los Estados Unidos.
Para bien o para mal el director combina los videos "reales" con dramatizaciones en las que Jovovich, Elias Koteas, Will Patton y otros, interpretan a la Dra. Tyler y a los habitantes del pueblo que sufrieron por las buenas intenciones de la psicóloga. En ocasiones incluso vemos la dramatización al lado del video original, haciendo que nos preguntemos cuál fue exactamente la intención del director Osunsanmi... ¿mostrar el talento de Milla Jovovich para reproducir las inflexiones vocales de la Dra. Tyler? ¿O emplear a sus actores para acentuar el drama que las cintas no lograron capturar? Sonará paradójico, pero estimo que un enfoque más anónimo y "verité" (al estilo de Paranormal Activity) hubiera generado mejores resultados que esta inestable fusión de técnicas. Pero bueno... quizás sea mejor hacerle caso a Jovovich y dejar que cada espectador saque sus propias conclusiones. Por lo pronto, encontré la película en igual proporción interesante y engorrosa, pues los eventos "reales" son suficientemente enigmáticos para despertar la imaginación, mientras que las dramatizaciones exageran el melodrama hasta caricaturizar los personajes, y ni el sincero trabajo de los actores logra encontrar el balance apropiado para co-existir con sus "genuinas" versiones.
Pero dejemos a un lado la técnica. A fin de cuentas, ¿funciona El Cuarto Contacto como película de suspenso? Creo que sí, y aunque sea difícil tragar su fracturada narrativa (por no mencionar su dudoso tema), no cabe duda que hace adecuado uso de la sugestión para provocar terror con un mínimo de efectos especiales y trucos de cámara. De hecho, al igual que me ocurrió con The Blair Witch Project, quedé al mismo tiempo frustrado y curioso sobre los eventos más relevantes de la película, y con ganas de que hubiera profundizado más en sus causas. Subjetivamente considero esa estrategia como un acierto, aunque sin duda para otros se sentirá como un vulgar truco, o hasta un artero engaño por parte del director, que nos lleva hasta el borde de la tensión para desinflarla con el consabido final ambiguo y poco satisfactorio.
Hay muchas cosas que me gustaron de El Cuarto Contacto (cuyo título en inglés - The Fourth Kind - se refiere a la famosa escala acuñada por el Dr. J. Allen Hynek) y puedo recomendarla para quienes disfrutaron de Paranormal Activity. Pero los que salieron de aquella película echando pestes, mejor eviten repetir la experiencia, y como alternativa vean algún documental sobre Linda Moulton Howe o Jacques Vallée, que quizás los dejará más satisfechos sobre el fenómeno (o embuste) del "secuestro extraterrestre". Como siempre he dicho: prefiero ver una película que falló por experimentar con algo diferente, y no una que ni siquiera se arriesgó a intentarlo. Por eso admiro que el director Olatunde Osunsanmi haya buscado un ángulo innovador para adornar la vieja fórmula del video casero; y aunque no tuvo éxito total, merece la oportunidad de asustarnos con su ingenioso ardid.
Calificación: 7
La película Smokin' Aces (2007), del director Joe Carnahan, me pareció una entretenida sátira del cine de acción que combinó sensibilidad norteamericana con el frenético estilo neo-noir británico para contar una historia llena de violencia y giros inesperados. Ahora, tres años después, nos llega la típica secuela directa a DVD, y aunque el director P.J. Pesce hace su mejor esfuerzo por duplicar los vulgares encantos de la original, no logra igualar su ingenio y carácter. Parte del problema es que el libreto finge ser inteligente cuando en realidad es confuso; el estilo ahoga al contenido; y el elenco palidece frente al desfile de sólidos actores que adornaron la primera película. No obstante, terminé pasando un rato ameno con esta innecesaria secuela gracias a su desvergonzada energía e irreverente humor.
El argumento de Smokin' Aces 2: Assassins' Ball comienza bien, pero se desmorona ante cualquier análisis: al principio de la película nos enteramos de que una misteriosa figura del bajo mundo está ofreciendo tres millones de dólares por la muerte de un veterano analista del F.B.I. llamado Walter Weed (Tom Berenger), siempre y cuando el "trabajo" se realice en un día y hora muy específicos. Tan jugosa recompensa despierta la ambición de varios asesinos, cada uno con sus particulares métodos y sensibilidades; así tenemos a Finbar McTeague (Vinnie Jones), cuya frialdad y disciplina la han ganado el apodo de "El Cirujano" (por no mencionar su gusto por las herramientas quirúrgicas); al camaleónico Lazlo Soot (Tommy Flanagan), capaz de suplantar a cualquier persona; a la seductora pero mortal Ariella Martínez (Martha Higareda); y a la rijosa familia Tremor, cuyo padre apenas puede contener los instintos asesinos (y sexuales) de sus impulsivos hijos.
Por su lado, el F.B.I. ha tomado muy en serio la amenaza contra su analista, y pone en movimiento un operativo para proteger a Weed, quien queda bajo la protección del tenaz Agente Baker (Clayne Crawford) y su equipo de leales colaboradores. Entonces, ocultos en un impenetrable "bunker" bajo un bar en la ciudad de Chicago, los agentes esperan pacientemente a que pase el momento elegido para la ejecución, y mientras tanto tratan de deducir por qué hay tanto interés en la muerte de un anónimo trabajador gubernamental. Pero antes de averiguarlo tendrán que salir vivos del simultáneo ataque de los ambiciosos asesinos, que de algún modo se enteraron de la ubicación "secreta" de Weed y sus protectores.
No tengo pruebas para respaldar esta teoría (ni ganas de buscarlas), pero me atrevo a especular que Smokin' Aces 2: Assassins' Ball empezó como un barato libreto independiente; y cuando un ejecutivo emprendedor notó el parecido con Smokin' Aces, decidió adoptarlo como secuela, re-escribiendo lo necesario para acentuar las similitudes y añadir algunas referencias que de algún modo relacionaran ambas películas (hasta donde puedo ver, sólo regresa Tommy Flanagan de la cinta original). La verdad no es una mala estrategia, y sin duda ayudará a la difusión de esta película que al menos alcanza el promedio mínimo de acción y violencia para justificar su existencia en el mercado directo a DVD. Como puede esperarse, el trabajo de los actores es un tanto irregular, destacando Vinnie Jones en su típico papel de rudo, el veterano Tom Berenger como el enigmático Weed, Christopher Holley como un agente del F.B.I. que maneja con igual destreza una escopeta y un saxofón; y Autumn Reeser como la implacable Kaitlyn Tremor. También me gustó ver al inconfundible Ernie Hudson en un breve cameo, y a la actriz mexicana Martha Higareda, no muy convincente como sensual asesina, pero mostrando buena química con el iracundo Jones. El resto del elenco (incluyendo al héroe por default) cubre decentemente los requerimientos de sus personajes, y pasa sin pena ni gloria.
Lo mismo diría del director P.J. Pesce, cuyos desplantes estilísticos complementan el frenético ritmo, y al mismo tiempo "rinden homenaje" (plagian) los clásicos excesos visuales de Tony Scott, Guy Ritchie y Oliver Stone (las escenas con la familia Tremor parecen "outtakes" de Natural Born Killers). Imagino que al trabajar con un libreto flojo es necesario añadir energía por cualquier medio necesario, y la sobrecarga de trucos de edición, filtros fotográficos y rebuscada cinematografía contribuyen a hacer la experiencia más fluida y amena... o más irritante, según el gusto del espectador. Hablando del libreto, me gustó que la acción se vea respaldada por un misterio medianamente interesante, aunque se nota la desesperación de los cineastas cuando en los últimos minutos nos endilgan tres o cuatro finales inesperados en un vano intento por simular profundidad. A fin de cuentas no me parecieron muy coherentes esas revelaciones, pero decidí tomarlas como parte integral del exagerado humor de la película.
Si no hubiera visto hace poco The Tournament (una muy superior película que igualmente incluye múltiples asesinos compitiendo por dinero) podría darle una calificación más alta a Smokin' Aces 2: Assassins' Ball; sin embargo puedo recomendarla para aficionados al género que quieran pasar un rato de mediocre emoción, superficial misterio y efectos digitales poco creíbles. Estimo que mucha gente la verá como un bodrio de ínfima calidad, pero quienes acostumbren navegar las traicioneras aguas del cine directo a DVD reconocerán que no es tan mala como otras, aunque sin duda pudo ser mejor. Y para fans de la película original, solo diré que hay mucha diferencia entre una elegante "suite" en Las Vegas y un modesto bar en Canadá. Perdón, "Chicago".
Calificación: 6.5
The Commitments es mi musical favorito de Alan Parker, pero Fame (de 1980) le sigue muy de cerca (sí, incluso superando a Pink Floyd: The Wall). Empleando su habitual talento como director para unir historias divergentes en una experiencia narrativa única, Parker nos sumergió en el diario trajinar de varios jóvenes estudiantes de artes interpretativas, explorando al mismo tiempo sus mentes, revelando sus motivaciones, inseguridades y retos personales. Y, por si eso fuera poco, la música de la película fue fantástica, y nunca se ignoraron las realidades urbanas de Nueva York en aquella época pre-Giuliani. En resumen, una de mis películas favoritas de los ochentas que representa un cálido pero realista examen de la proverbial "búsqueda de la fama". Habiendo dicho eso, aclaro que cuando me enteré del moderno re-make, no me pareció mala idea. Después de todo, la "fama" de hoy es muy distinta al concepto que se tenía hace treinta años (¡¿treinta años?!), y sería interesante ver la perspectiva contemporánea de esa quimera, al igual que sus nuevos retos ideológicos, sociales y tecnológicos. Desafortunadamente la ambición del primerizo director Kevin Tancharoen (ex-coreógrafo de Britney Spears) no llega tan lejos, y simplemente repite la fórmula establecida en la primera película, cambiando el funk por rap y transformando la intensidad del proceso creativo en blando melodrama y clichés artísticos que no estarían fuera de lugar en Hannah Montana o The Jonas Brothers.
A
l igual que la original, Fama carece de argumento riguroso, y prefiere seguir las experiencias de varios adolescentes durante los cuatro años de preparación en la Academia de Artes Interpretativas en Nueva York. Entre ellos están Denise (Naturi Naughton), pianista clásica que desea experimentar en la música popular contra los deseos de su estricto padre; Victor (Walter Perez), talentoso compositor atrapado en los rígidos confines impuestos por sus maestros; Jenny (Kay Panabaker), tímida e insegura joven con deseos de convertirse en una gran actriz; Alice (Kherington Payne), bailarina de innato talento y mala actitud; Malik (Collins Pennie), serio actor que entró a la academia sin el conocimiento de su familia; Marco (Asher Book), multi-talentoso estudiante con limitaciones ocultas... y media docena más, todos con sus breves momentos de triunfo, drama y aprendizaje. Igualmente conocemos al cuerpo facultativo de la Academia, que incluye a Fran Rowan (Megan Mullaly), profesora de canto; al Sr. Cranston (Kelsey Grammer), puntilloso instructor musical; la Srita. Kraft (Bebe Neuwirth), comprensiva maestra de danza; y el Sr. Dowd (Charles S. Dutton), encargado del departamento dramático y de vez en cuando psicólogo de sus alumnos. Y, claro, sobra decir que ellos también aprenderán cosas nuevas para cuando llega el gran final del curso escolar.
No pretendo hacer más comparaciones entre las dos películas; quienes hayan visto la original descubrirán los paralelismos y referencias (incluyendo una mención a The Rocky Horror Picture Show) en esta nueva versión, y sacarán sus propias conclusiones. Simplemente diré que Kevin Tancharoen podrá tener gran renombre en el mundo de la danza, pero como cineasta no está a la misma altura de Alan Parker. O siquiera de Alan Smithee. Su selección de actores me pareció muy irregular, pues si bien existe genuino talento en el elenco (Naturi Naughton, Charles S. Dutton), también tenemos actores débiles y carentes de personalidad que apenas logran marcar su presencia en la memoria del espectador. Como ejemplo puedo señalar a Kay Panabaker, quien es ciertamente adorable; pero su tenue sustancia la hace fácilmente olvidable, y en ocasiones hasta irritante. Su personaje debe ser temeroso e inseguro; pero (como diría el profesor de actuación), es distinto actuar como un personaje inseguro que ser inseguro al actuar. En cuanto a la música, Tancharoen reparte canciones nuevas y clásicas a lo largo de la película, con moderado efecto. Algunas piezas muestran cierta innovación; otras son genérico "pop" contemporáneo destinadas al olvido instantáneo. Sólo las escenas de baile resultan consistentemente interesantes, por el obvio talento de los intérpretes y el ojo crítico del director.
A fin de cuentas Fama resultó ser una versión "lite" de la historia original, tal vez un poco más madura que el resto de las frívolas cintas juveniles sobre aspiración artística que hemos visto en los últimos años (desde You Got Served y Make It Happen, hasta Camp Rock y Raise Your Voice). Quizás en cierto nivel merece crédito por haberse adaptado eficientemente a las expectativas y requerimientos del mercado fílmico contemporáneo (en otras palabras: menos drama, más High School Musical); pero eso no es excusa para presentar de manera tan blanda e impersonal una historia que debería estar rebosante de emoción, entusiasmo y energía creativa. Quizás pareció buena idea poner a un coreógrafo como director de una película sobre artes interpretativas; pero por algo no se han contratado chefs como directores de películas sobre comida; ni astronautas como directores de películas sobre el espacio. Como decía mi abuelo: zapatero a tus zapatos; sobre todo si son de tap.
Calificación: 6
Desde hace tiempo se rumora en Hollywood la existencia de una súper-computadora programada para escribir las películas más predecibles e irritantes que filman los grandes estudios. Aparentemente se hizo necesario automatizar el proceso en los noventas, cuando el libreto de Weekend at Bernie's II causó severos daños a los guionistas que lo escribieron, a sus asistentes y a un par de mensajeros. Entonces, para evitar futuros problemas legales, los presidentes de los principales estudios comisionaron la construcción de esta mítica computadora, en cuya memoria están almacenados todos los clichés y fórmulas conocidos en el cine moderno, de modo que sus sofisticados algoritmos pueden seleccionarlos y combinarlos con toda la chispa y creatividad que podríamos esperar de un montón de transistores y RAM. Y así, desde su base secreta bajo las montañas de Bronson Canyon, la computadora más poderosa del mundo (después de W.O.P.R.) trabaja diligentemente para que podamos disfrutar cintas como Glitter, Battlefield Earth y, desde luego ¿Y... Dónde Están los Morgan?
La historia se centra en la pareja de Paul (Hugh Grant) y Meryl Morgan (Sarah Jessica Parker), quienes están por finalizar su divorcio cuando son testigos casuales de un importante asesinato; entonces, para proteger sus vidas mientras se captura al criminal, el gobierno decide cambiar la identidad de los Morgan y ocultarlos en un pequeño y rústico pueblo en el agreste estado de Wyoming, donde estarán bajo la protección de Clay (Sam Elliott) y Emma Wheeler (Mary Steenburgen), los alguaciles locales. Desde luego la sofisticada pareja neoyorquina odia la situación por sentirse fuera de su elemento; sin embargo, el apacible entorno y el reto común de sobrevivir sin las comodidades de la gran ciudad empieza a tener un efecto positivo en su relación, e incluso Paul empieza a explorar la posibilidad de rescatar su matrimonio. Pero para lograrlo tendrán que mantenerse con vida, pues el asesino siguió su pista, y podría encontrarlos en cualquier momento...
Para ahorrar un poco de tiempo, sugiero tomar esa sinopsis como parte integral de la crítica, pues demuestra claramente la bancarrota intelectual de Hollywood, y el desprecio que los grandes estudios sienten por el público, considerándolo capaz de devorar cualquier bazofia siempre y cuando haya rostros agradables y nombres famosos acompañando la publicidad de la película. Por otro lado, "el público tiene las películas que se merece", y confieso haber sido parte del problema, pues pagué por ver este bodrio después de decidir que era el menor de los males (al menos comparada con Hada por Accidente - pobre Dwayne Johnson), pues me caen bien los actores a pesar de los frecuentes tropiezos en su carrera. Pero el problema no son los actores, sino el triste error de creer que su simpatía e instintos cómicos bastarán para dar vida al paupérrimo libreto, que no ofrece traza alguna de humanidad o calidez, y sin duda fue escrito por la mencionada compufunction(trigger) {Warning: negative review
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Ja Ja Ja Estoy Bromeando
Que Imaginacion Muy Ironico La Verdad Es Lo OpuestoY...Donde Estan Los Morgan Es La Mejor Pelicula Del Año Vayan Todos A Verla
Muy Recomendada Calificacion 10 10 10 10 10
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Bajo la supervisión de sus mentores (los Hermanos Wachowski), el director James McTeigue realizó un sólido trabajo hace 5 años adaptando a cine la novela gráfica V for Vendetta; y ahora, en Asesino Ninja, rinde tributo a otro pilar de la cultura "geek": el cine de artes marciales. No puedo decir que veamos un gran avance en su labor como cineasta, pero el resultado fue definitivamente entretenido gracias a la ridícula violencia y exuberante energía vertida en la película, que en gran medida representa una evolución de las baratas (pero memorables) cintas de artes marciales producidas por los Hermanos Shaw en la década de los setentas.
Al principio de Asesino Ninja conocemos a Mika (Naomie Harris), agente de Europol que, contra las órdenes del Jefe Maslow (Ben Miles), decide investigar una serie de extraños homicidios relacionados con una antigua orden de asesinos orientales. Cuando sus pesquisas la acercan demasiado a la verdad, los legendarios ninjas del Clan Ozunu deciden matarla, pero es salvada en el último momento por Raizo (Rain), ninja renegado que abandonó la orden años atrás. Entonces, con el Clan Ozunu siguiéndolos de cerca, Raizo y Mika tratan de desmantelar la organización de asesinos, aunque ni las más modernas armas parecen funcionar contra estos acrobáticos antagonistas. Paralelamente vemos en forma de "flashbacks" los momentos clave en el entrenamiento de Raizo, y la razón por la que abandonó a su clan... aunque todo parece indicar que eventualmente tendrá que enfrentarse de nuevo con el cruel mentor que le arrebató la felicidad.
James McTeigue dirije Asesino Ninja con una apta combinación de solemnidad y ligereza, respetando los clásicos temas de lealtad, honor y deber que caracterizan al cine de artes marciales, pero sin omitir el sutil sentido del humor que hace más asimilable la historia. Afortunadamente no es necesario sobre-analizar la intención del cineasta para apreciar la violencia, y creo que los fans del "gore" estarán encantados con los ridículamente gráficos asesinatos y las frecuentes lluvias de sangre que empapan casi cada cuadro de la película. Cierto, los trucos computarizados son muy notorios, empezando por la sangre 3D y las elaboradas coreografías realizadas con asistencia de "wire-fu" y compuestos digitales; pero, aceptémoslo, la opaca pintura rojo-naranja que empleaban los hermanos Shaw hace tres décadas tampoco era muy realista. También me gustó la primera vez que vemos a un ninja emerger entre las sombras; lástima que el director abusa del mismo truco hasta llegar a niveles de caricatura. Pero bueno… entiendo la utilidad de los efectos especiales para permitir abundantes decapitaciones, heridas y amputaciones sin caer en grotescos detalles clínicos que hubieran puesto Asesino Ninja en una categoría más oscura y quizás menos entretenida. Una cosa por otra, supongo.
Como puede esperarse, los actores no requieren gran convicción en sus diálogos repletos de clichés. La fórmula que sigue el libreto es tan clásica que es fácil predecir sus giros y "sorpresas", sin perder la satisfacción que sentimos con cada triunfo de los héroes ni la tenue pena por sus fracasos. Dándose cuenta de ello, McTeigue mantiene el pie en el acelerador, impidiendo toda reflexión sobre las incongruencias del libreto y la motivación de los personajes. La super-estrella coreana Rain realiza un aceptable trabajo en el papel principal (que de cualquier modo es taciturno e inexpresivo), y su desempeño físico es bien aprovechado por Chad Stalheski y su equipo de coreógrafos (sí, a riesgo de sonar racista, me sorprendió que las peleas fueran diseñadas por norteamericanos, y no por los tradicionales especialistas chinos o japoneses). También me gustaron las locaciones europeas y la economía de la narrativa, refinada hasta eliminar todo relleno u obstáculo en el camino de la frenética acción.
Hasta donde sé, Asesino Ninja no está basada en un comic o video juego, pero esa es la impresión que deja (para bien o para mal), y desde luego no conviene buscar en ella profundidad o relevancia alguna; sin embargo nadie va a ver una película llamada Asesino Ninja esperando esmero dramático o actuaciones realistas. Como dije antes, si los originales hermanos Shaw tuvieran acceso a las herramientas tecnológicas contemporáneas quizás seguirían filmando películas muy similares a ésta, donde la sangra, violencia y artes marciales requieren el más tenue barniz narrativo para sostener su ligera estructura que, a fin de cuentas, es una excusa para disfrutar las acrobacias y agilidad del hábil elenco. Y, desde luego, no puede haber una película de ninjas sin Sho Kosugi, a quien me dio muchísimo gusto ver de nuevo en la pantalla grande. Sólo por eso Asesino Ninja merece un punto extra; y serían dos si hubieran conseguido también a Cynthia Rothrock.
Calificación: 7
Amnesia... tradicional cliché empleado en todo tipo de historias para comodidad de escritores en busca de fácil drama, con la promesa de traición y finales sorpresivos. Por lo general me da desconfianza encontrar tal pereza en la manufactura de una película, pero admito que puede dar resultados positivos cuando el director o guionista encuentra ángulos frescos para examinar fórmulas gastadas. En cierto modo Pandorum: Terror en el Espacio cumplió ese objetivo, aunque me decepcionó ver que su falta de originalidad se extiende mucho más allá del argumento.
Pandorum: Terror en el Espacio nos revela su trama en pequeños incrementos, revelando fragmentos del acertijo que debemos resolver junto con los personajes; pero para efectos prácticos resumiré linealmente la premisa básica de la cinta: En el futuro la Tierra se ha vuelto casi inhabitable, y la nave espacial Elysium es enviada al recién descubierto planeta Tanis para evaluar las posibilidades de colonización. El viaje tomará muchos años, de modo que los tripulantes dormirán gran parte del camino, despertando ocasionalmente para operaciones de mantenimiento y navegación. El problema es que cuando les toca el turno al Teniente Bower (Ben Foster), y al oficial Peyton (Dennis Quaid), ninguno recuerda su misión, y confusamente tratan de descifrar la situación de la nave. Pero conforme recuperan la memoria descubren que algo horrible ocurrió a bordo, pues no hay energía, no pueden determinar si la nave sigue en el curso correcto... y hay cadáveres por todos lados, indicando una violenta lucha entre la tripulación y algo más... algo que acecha los cavernosos corredores de la nave en busca de víctimas.
La falta de originalidad que mencioné al principio se manifiesta prácticamente en cada escena de Pandorum: Terror en el Espacio. Arriesgándome a revelar algunos SPOILERS menores (casi todos mostrados en los cortos de la película) diré que encontré alarmantes similitudes con Alien, The Descent, Sunshine, Doomsday, Resident Evil, Event Horizon, y no sé cuántas más. Parecería que el director alemán Christian Alvart (responsable por la reciente Case 39) pensó que desarrollando la trama con vertiginosa velocidad y frenética edición quizás nos contagiaríamos con la amnesia de los protagonistas, y olvidaríamos haber visto todas las películas que se usaron como "inspiración" de esta historia.
Habiendo dicho eso, debo admitir que la dirección de Alvart y las sólidas actuaciones de Dennis Quaid y Ben Foster me mantuvieron atento durante la película, y los memorables quince minutos finales restituyeron el optimismo que había perdido durante el largo desfile de clichés que condujo hasta ese punto. Y aunque no puedo decir que la conclusión rescata la película, ciertamente ayuda a disculpar su trillado desarrollo y cansados personajes. Además aprecié que Alvart no escatimó sangre ni violencia para acentuar la claustrofobia y opresiva atmósfera de la nave, hábilmente retratada con ayuda del director de fotografía Wedigo von Schultzendorff y el diseñador de producción Richard Bridgland, cuyos misteriosos escenarios logran ser al mismo tiempo siniestros y funcionales.
Me agrada el "sabor" del horror combinado con ciencia ficción, y si bien Pandorum: Terror en el Espacio no resultó ser una película muy buena, creo que puedo darle una cauta recomendación por su apropiada mezcla de géneros, sus intensas (¿exageradas?) actuaciones, y el ingenioso final que nos deja con una imagen realmente memorable tras hora y media de clichés "prestados" de otras películas. De cualquier modo creo que el director Christian Alvart tiene buena visión y amplio potencial para el cine fantástico, y con suerte encontrará mejores guiones para continuar su carrera en Hollywood, o en su natal Alemania, lo que ocurra primero. Después de todo, esa visión es lo que hace a Pandorum: Terror en el Espacio muy distinta de tantas mediocres películas del mismo género condenadas a DVD.
Calificación: 7
En ocasiones es interesante ver cómo un cineasta independiente puede re-interpretar las clásicas fórmulas del cine comercial, descubriendo inesperada profundidad o intensas emociones donde parecía no existir nada nuevo por mostrar. La cinta Trucker cae en esa rara categoría, y aunque no me pareció del todo innovadora o satisfactoria, muestra suficiente sinceridad para hacerla recomendable, además de tres excelentes actuaciones que me hubiera gustado ver acompañando un libreto más ingenioso o provocativo. Pero bueno... de cualquier modo no me arrepiento de haberla visto.
La fórmula a la que me referí previamente es la clásica "adulto irresponsable cuida a un niño y ambos terminan aprendiendo sobre sí mismos". Este cliché por lo general impulsa predecibles comedias como The Game Plan, Uptown Girls y Raising Helen, cuyo desarrollo sigue el bien transitado camino que todos conocemos. Desde luego Trucker no es una comedia, aunque sigue una similar rutina narrativa; afortunadamente sus detallados personajes, su cruda intensidad y honesta intención aportan el realismo del que aquellas películas carecen, y le da una fuerte base dramática para contar de manera fresca una historia antigua.
El adulto irresponsable en cuestión es Diane Ford (Michelle Monaghan), conductora de camión que lleva una vida simple y solitaria, recorriendo las carreteras, entablando fugaces relaciones con desconocidos y descansando en casa con su buen amigo Runner (Nathan Fillion). Sin embargo, la libertad de Diane tuvo un elevado precio, pues hace diez años abandonó a su esposo Leonard (Benjamin Bratt) y a su pequeño bebé para seguir sus impulsos vagabundos. Y ahora, cuando Leonard contrae una grave enfermedad, su nueva esposa Jenny (Joey Lauren Adams) le pide a Diane que se encargue temporalmente de su hijo Peter (Jimmy Bennett), quien ya tiene 11 años. Diane acepta con muchas dudas, pues carece del instinto maternal que la sociedad le exige; y, claro, de inmediato chocan su fría actitud con la rebeldía del niño. No obstante, comienza a forjarse un extraño lazo entre madre e hijo, que no los cambiará fundamentalmente, pero quizás logre suavizar sus ásperos espíritus.
Ojalá hubiera algo más sustancioso en Trucker. El primerizo director y guionista James Mottern captura a la perfección la errante vida de Diane, y tácitamente sugiere el vacío emocional que la llevó a ese estado de aislamiento y melancolía. Sin embargo Mottern se muestra vago sobre el origen de la situación, y quizás esa falta de motivación hace difícil compenetrarnos con el personaje durante la primera mitad de la película. Eventualmente la trama cobra fuerza, cuando se enfoca de lleno en la evolución que Diane experimenta al interactuar con su hijo, y me gustó la química que se desarrolla entre ambos, así como las creíbles y abiertas interpretaciones de Joey Lauren Adams y Benjamin Bratt (a quien usualmente no trago).
Sin embargo, la gran virtud de Trucker radica en su trío de actores principales. Podría pensarse que Michelle Monaghan aceptó este papel para conseguir una de esas actuaciones dramáticas "feas" y libres de glamour que tan bien funcionó para Charlize Theron en Monster. Sin embargo no pretendo ser tan cínico, pues Monaghan ya había probado su capacidad en la sobresaliente Gone Baby Gone, y en esta ocasión simplemente confirma su talento como actriz dramática, explorando oportunidades que sus usuales papeles en cintas de acción (Eagle Eye, Mission: Impossible III) o comedias (The Heartbreak Kid, Made of Honor) no le ofrecen. Excelente trabajo que no me atrevería a llamar "merecedor del Oscar" (¿a quién le importan, de cualquier modo?), pero sin duda razón suficiente para ver esta película. También destacan Nathan Fillion como Runner, el vecino de Diane que sufre en su infeliz matrimonio y ve en ella un posible escape, pero sin atreverse a romper el frágil balance de su amistad. Y finalmente tenemos al niño Jimmy Bennet, en ocasiones irritante, pero sin duda buen actor que mantiene su posición incluso frente a la implacable Monaghan. Además, me gustó que no hubiera grandes escenas dramáticas... todo se mantiene sutil y realista, con las emociones bajo la superficie y perfectamente moduladas para llegar al espectador sin abrumarlo.
Entonces, Trucker resultó ser una de esas películas cortas en imaginación e ingenio, que son rescatadas por el talento de sus actores y las emociones que imprimen en el poco lucidor libreto. Puedo recomendarla como adecuado entretenimiento de mediano calibre, aunque no la considere una joya oculta del cine independiente. James Mottern tiene potencial como director, y ojalá mejore su forma narrativa en futuras películas. Por su parte, Michelle Monaghan ha probado que tiene rango para cualquier género y buen criterio para escoger proyectos que la aprovechen (no siempre, pero casi). Esperemos que Trucker sea un buen impulso para su carrera, y lo mismo aplica a Nathan Fillion... no puede mantenerse tan sólo con la buena voluntad de los fans de Firefly y Dr. Horrible...
Calificación: 7
Me gusta mucho el "gore", violencia y acción en las modernas películas de terror, pero con frecuencia encuentro mucho más estimulante y satisfactoria la sensibilidad de "la vieja escuela"; películas de ese mismo género realizadas a mediados del siglo veinte, cuando el énfasis estaba en las ideas y no en excesos visuales o desvaríos dramáticos. Entre mis favoritas del cine "clásico" de horror está The Haunting, The Abominable Snowman, The Leopard Man y, desde luego, Night of the Demon.
Hay cierta confusión con esta película británica, pues existe una versión más corta (editada para el mercado norteamericano) titulada Curse of the Demon; y aunque desde luego prefiero la versión original concebida por el célebre director Jacques Tourneur, ambas cumplen su propósito de inquietar al espectador y cuestionar los límites de la ciencia y el potencial de la mente humana para internarse en terrenos "sobrenaturales".
La trama comienza con la extraña muerte del Prof. Harrington (Maurice Denham) en un accidente automovilístico, provocado quizás por distracción del conductor o por la influencia de un amenazador demonio que se materializa entre la niebla de la campiña inglesa. Eventualmente nos enteramos de que Harrington escribió un artículo para la prensa donde denunció al popular psíquico Karswell (Niall MacGinnis) como un fraudulento estafador que explota la credulidad y angustia de sus clientes. Y con el mismo propósito llega al Reino Unido el Dr. John Holden (Dana Andrews), distinguido colega norteamericano del finado Harrington, quien participará en una conferencia científica sobre la dudosa validez de los “mediums“ y similares supersticiones. También de regreso en Londres tenemos a Joanna Harrington (Peggy Cummins), hija del profesor, en busca de respuestas sobre la muerte de su padre. Inicialmente Karswell se muestra cortés con los visitantes, pero el cuestionamiento de sus "poderes" lo irrita rápidamente, y termina arrojando una maldición sobre Holden, que le provocará la muerte en un día y hora específicos.
El escéptico doctor se ríe de la maldición y decide emplear sus considerables recursos científicos para desmentir todas las manifestaciones paranormales que ocurren bajo la influencia de Karswell. Sin embargo no logra ahuyentar sus más profundas dudas, y cuando finalmente se aproxima el momento profetizado de su muerte, tendrá que abrir su mente para poder sobrevivir... y quizás darle a Karswell una lección con sus mismos métodos.
Me gustan mucho las historias que comparan la perspectiva científica con la creencia en lo oculto, y creo que Night of the Demon es una de las más interesantes porque su intención parece cambiar de escena a escena. Así como hay perturbadores eventos sobrenaturales, también encontramos ingeniosas conversaciones y experimentos que desmienten la superstición popular. Entonces queda por cuenta del espectador decidir la validez de ambos enfoques para resolver los misterios del libreto. Bueno... no exactamente. Para bien o para mal, los productores de la película exigieron la aparición de un monstruo (o demonio) que en cierto modo rompe el balance ideológico de la película. El director Jacques Tourneur estaba en contra de esa barata estrategia, y coincido con él. Sin embargo, tampoco puedo negar que el tenso final en una estación ferroviaria es ciertamente impactante, no sólo por la violencia que implica, sino por las inesperadas imágenes que Tourneur ofrece, combinando su característica fotografía monocromática de alto contraste e impecable nitidez, con los primitivos pero muy efectivos efectos especiales que dan vida al pesadillesco habitante del infierno (¿o la mente?).
Pero con o sin demonio, Night of the Demon conserva la perfecta atmósfera y metódico ritmo que caracterizó la obra de este director. El libreto de Charles Bennett, Hal Chester y Cy Endfield no busca la ruta fácil del horror norteamericano prevaleciente en aquella década, ni teme mostrar la falibilidad del "héroe", o la humanidad del "villano". Quizás su elemento más flojo sea la imposición de la guapa Peggy Cummins como interés romántico y fácil víctima del mentalista Karswell; su presencia no aporta nada más que un rostro agradable y un conveniente "mcguffin" para motivar al heroico Dr. Holden. Por cierto, cabe señalar que dicho argumento está inspirado en el cuento corto Casting the Runes, del escritor y teólogo M.R. James, cuyas numerosas historias sobre fantasmas y otros fenómenos deberían haberlo puesto al lado de Poe, Stoker, Dunsany y demás pilares de la literatura fantástica moderna. Pero por alguna razón su excelente obra cayó en el olvido; afortunadamente puede rectificarse ese error gracias al Proyecto Gutenberg.
Jacques Tourneur es sin duda más conocido por sus colaboraciones con el productor Val Lewton a principios de los 40s, entre las que se cuentan Cat People, I Walked With a Zombie y la mencionada The Leopard Man; no son muy conocidas (con la excepción de Cat People), pero usualmente se sostienen como modelos de cine independiente de esmerada manufactura a pesar de su bajo costo, y poseedoras de tenebrosa atmósfera y guiones superiores al bajo estándar del género. Tourneur nunca alcanzaría la fama de Robert Wise o Alfred Hitchcock, pero encontró trabajo consistentemente durante las siguientes dos décadas en todos los géneros posibles. Creo que Night of the Demon es su mejor película de terror, y una de las que mejor expresa su extraordinaria visión artística. Con suerte el futuro nos concederá una edición restaurada en DVD, con todos los extras y fanfarria que merece esta relegada joya del género.
Calificación: 9.5
Imágenes cortesía de DVDBeaver.com
Ugh... el primer bodrio irredimible del 2010. Al menos pasó rápido y no me dejó grandes cicatrices emocionales.
Robando desvergonzadamente la premisa de la cinta china Dummy Mommy, Casi Embarazada se centra en Thea Clayhill (Lindsay Lohan), secretaria de medio nivel en una casa editorial especializada en aburridos libros de texto. Sus frecuentes retrasos y equivocaciones la llevan al borde del despido, pero en una desesperada maniobra decide fingir que está embarazada, y lo que comienza como un engaño para conservar su empleo empieza a darle inesperadas oportunidades tanto en su trabajo como en su vida personal. Sin embargo, es obvio que no logrará sostener la mentira para siempre, y eventualmente deberá decidir si la farsa vale más que la confianza de sus amigos y compañeros.
Mientras me aburría olímpicamente viendo Casi Embarazada empecé a desear que fuera mucho peor, para al menos entretenerme con alguna imaginaria estupidez que completara el insípido y tedioso relato. Desafortunadamente mis plegarias por la aparición de un perro volador, Santa Claus asesino o Adam Sandler nunca se hicieron realidad, y tuve que aguantar hora y media de insulsa comedia que no haría reír a nadie (estoy especulando; después de todo me tocó otra "función privada" en una sala de cine totalmente vacía, de modo que no pude evaluar la reacción del inexistente público). En serio, cuando una película logra inspirar añoranza por la obra de Sandler, sé que no habrá redención posible, y que sólo queda aguantarme y contar los minutos hasta los benditos créditos finales.
Durante mucho tiempo he alegado que, a pesar de su errática vida personal (o más bien pública), Lindsay Lohan es una excelente actriz; pero no más apologías. Su trabajo en Casi Embarazada está al nivel de un mal sitcom televisivo... y lo mismo aplica a cada aspecto de la película. Sé que es costumbre de los distribuidores norteamericanos estrenar en cines de otros países las bazofias que apenas alcanzaron lanzamiento a DVD en su país de origen, pero esta película no merece siquiera el calificativo de "directa a DVD", pues su manufactura es tan pobre y su ambición tan corta que apenas encaja en el pre-fabricado producto de televisión por cable. No estoy diciendo que haga falta una gran inversión de dinero para filmar algo competente (o al menos mediocre). El problema es que Casi Embarazada nos ofrece los peor de ambos mundos: la pobre y plana producción de una película independiente; y los insoportables clichés de las comedias comerciales. El resultado es una desafortunada mezcla de escenas cansadas y predecibles, sentimientos falsos; y total carencia de visión o ingenio en la narrativa. Ni siquiera el elenco de comediantes que apoyan a la protagonista parece esforzarse por añadir "chispa" al material, y así vemos desperdiciados a Cheryl Hines, Chris Parnell, Bonnie Sommerville, Jeanane Garofalo y Jessica St. Clair.
Si quieren recordar a Lindsay Lohan en sus mejores momentos, renten Mean Girls o The Parent Trap. Y si quieren ver una comedia que realmente haga reír, yo recomendaría cualquier otra película de la enorme lista con temas maternales, desde Baby Boom hasta Knocked Up, sin olvidar interesantes interpretaciones independientes como Juno, Waitress o Away We Go. Pero por favor aprendan de mis errores y aléjense de Casi Embarazada. Si tienen suerte lo harán ANTES de verla.
Calificación: 2
Por lo general me fijo mucho en la consistencia y credibilidad (no necesariamente "realismo") de las películas que veo, y con frecuencia termino odiando aquellas que ignoran todo sentido común, sin preocuparse siquiera por parecer verosímiles. Pero de vez en cuando es posible toparse con una cinta como El Vengador, la cual trascienda su absoluta insensatez para entretenernos con una premisa interesante y un provocativo mensaje que en gran medida compensa sus enormes agujeros lógicos. O, en otras palabras: no puedo creer que me haya divertido tanto con una película tan intencionalmente ridícula.
La historia comienza con un asalto en el hogar del inventor Clyde Shelton (Gerard Butler), durante el cual dos ladrones asesinan brutalmente a su esposa y su pequeña hija. Eventualmente los criminales son capturados y, durante el juicio resultante, Shelton ve con horror cómo el fiscal Nick Rice (Jamie Foxx) manipula los testimonios para conseguir la ejecución de uno de ellos... dejando al otro con una condena mínima. Clyde se da cuenta entonces de las fallas inherentes en el proceso jurídico de los Estados Unidos y, diez años después, decide tomar la justicia en sus propias manos para eliminar a los hombres que le arrebataron su familia. El plan tiene éxito, pero Shelton es capturado y encarcelado por el mismo fiscal Rice. Sin embargo el plan del inventor llega mucho más allá de una simple venganza, como lo demuestra una compleja serie de eventos que empiezan a desmoronar el corrupto y fallido sistema jurídico de la ciudad entera.
Mientras veía El Vengador, estuve pensando en dos películas: Eagle Eye y Saw. Como en esta última, tenemos un brillante "criminal" que por medio de ingeniosas invenciones y maquiavélicos planes le da una dura lección al hombre que traicionó su confianza. Y, como en Eagle Eye, la cadena de eventos va haciéndose progresivamente más absurda e increíble. Pero la ágil dirección de El Vengador, sus sinceras actuaciones y frenético ritmo nos "atrapa" en la historia, y aunque estuve girando los ojos con incredulidad durante toda la película, tenía mucha curiosidad por llegar al desenlace y ver cómo se justificarían las aparentemente imposibles hazañas criminales del protagonista (o antagonista). Desde luego, la resolución fue aún más absurda, pero no puedo negar que quedé bastante satisfecho... y un poco confuso sobre el mensaje de la película.
Independientemente de su lógica o coherencia, la película gira en torno a una fascinante disyuntiva moral, representada por los opuestos (pero a la vez compatibles) puntos de vista de sus personajes principales. Por un lado tenemos al hombre en busca de venganza, decepcionado por la subjetiva naturaleza del sistema judicial; y por otro lado tenemos al fiscal con las mejores intenciones de castigar a los culpables, pero comprometido a seguir las leyes que garantizan protección y derechos civiles hasta a los peores criminales. Bajo ese imposible dilema es difícil evaluar quién es el héroe o villano de la película, y sospecho que la respuesta será distinta para cada espectador según su filosofía y experiencia personal. Pero el simple hecho de que una aparentemente genérica cinta de acción ofrezca esas opciones basta para recomendarla aunque sea por su inusual ambición.
Quizás la encrucijada ética que impulsa El Vengador no funcionaría tan bien sin la dirección de F. Gary Gray, cuyas previas obras van de lo horrible (Be Cool) a lo tolerable (The Negotiator). Incluso Gray fue responsable por la tediosa cinta A Man Apart, en la que vimos (¡sorpresa!) a un hombre luchando fuera de la ley para vengar la muerte de su familia. Pero A Man Apart era genérica y predecible, mientras que El Vengador no ofrece fáciles salidas ni respuestas obvias. Además, me atrevo a decir que representa el mejor papel de Gerard Butler desde 300, y un robusto elenco de apoyo que incluye a veteranos como Colm Meaney y Bruce McGill, y a la siempre impresionante Viola Davis (como la alcalde de la ciudad), a quien ojalá viéramos más seguido en papeles de alto perfil.
Resumiendo: ¿Es El Vengador una buena película? No sé. Sin duda presenta muchas risibles coincidencias e inconsistencias en su inverosímil libreto. Sin embargo me sorprendió agradablemente por su inesperada aspiración de imparcialidad moral, y en mi humilde opinión eso basta para darle una moderada recomendación que seguramente no será compartida por todos los espectadores. En fin... se han hecho tantas películas sobre "vigilantes urbanos" siguiendo la misma receta, que es un placer encontrar un platillo de apariencia similar pero sabor diferente. Y aunque no todo lo diferente sea bueno, en ocasiones basta con la novedad para dejarnos satisfechos. O al menos con la sensación de estarlo.
Calificación: 7.5
Con frecuencia me quejo de los inferiores re-makes, mediocres secuelas e inexplicables "re-imaginaciones" que parecen formar la totalidad del cine de terror producido por los grandes estudios cinematográficos, y casi siempre termino alegando que la redención del género está en el cine independiente. Pero eso no impide el ocasional descubrimiento de una película "de estudio" que desafía expectativas debido a su desbordante energía, irreverente humor y perfecta sensibilidad. Tierra de Zombies resultó ser una de esas inesperadas sorpresas (bueno, tras largos meses de esperar su estreno ya no fue muy inesperada) gracias a su innovadora y afectuosa interpretación del fenómeno zombie.
Tierra de Zombies se desarrolla en el futuro cercano, después de una extraña epidemia que convirtió a la gente normal en feroces y agresivos caníbales, extinguiendo la civilización y reduciendo la humanidad a unos cuantos sobrevivientes en constante busca de agua, alimento y gasolina. Uno de esos sobrevivientes es el joven Columbus (Jesse Eisenberg), cuya estricta disciplina y larga lista de reglas lo han mantenido con vida mientras se dirige a la ciudad donde viven sus padres, con la esperanza de encontrarlos vivos. A lo largo del camino se encuentra a Tallahasee (Woody Harrelson), un impulsivo y violento hombre con gran talento para eliminar zombies; y con cierto recelo ambos forman una alianza para encontrar refugio y recursos. Eventualmente se unen a ellos las oportunistas jóvenes Wichita (Emma Stone) y Little Rock (Abigail Breslin), quienes conocen la ubicación de un santuario libre de zombies. Pero para llegar a él tendrán que enfrentar abundantes peligros, miles de muertos vivientes... y celebridades de Hollywood.
Entre mis películas favoritas está la genial Shaun of the Dead, y aunque Tierra de Zombies pretende ocupar un nicho similar, debo decir que no alcanza el mismo nivel de emoción, suspenso o inteligencia. Sin embargo funciona perfectamente bien como una ligera y muy graciosa comedia disfrazada de película de terror, que provoca risas no solo por las peculiaridades de sus personajes, sino por su ingeniosa interpretación de los bien conocidos clichés que fundamentan el cine de zombies. El libreto denota genuino afecto por el horror, y emplea buena parte de su desarrollo para satirizar sin malicia las películas de este género y a sus fans, haciéndonos a la vez cómplices y víctimas del chiste. Creo que cualquier persona puede disfrutar el exuberante humor de Tierra de Zombies (excepto los detractores del “gore“), pero los fans del terror recibirán la recompensa adicional de los pequeños (y no tan pequeños) guiños y "bromas privadas" que adornan este relato sobre el fin del mundo y los conflictos de sus sobrevivientes.
Lo cual nos lleva a los actores, muy bien seleccionados para dar sustancia a personajes un poco huecos y genéricos. Jesse Eisenberg conduce la película como protagonista y narrador, cuyo cínico punto de vista aporta humor y al mismo tiempo complementa el desolador mundo invadido por los zombies. La historia personal de Columbus y su dificultad para interactuar con el resto de la humanidad (o lo que queda de ella) parece una reflexiva analogía del mundo moderno, donde el aislamiento social y emocional pueden ser las mejores herramientas para "sobrevivir" (al menos así lo interpreté... ¿o estaré proyectándome?). El trasfondo de los demás personajes no es tan ambicioso, y va de lo predecible (una tragedia familiar en el pasado de Tallahasee) hasta lo forzado (¿por qué necesitarían las muchachas tantos trucos para conseguir lo que quieren?). Sin embargo, la escasa profundidad de estos individuos se compensa con su divertida interacción, que en todo momento se siente honesta y creíble, respaldando eficientemente los breves momentos emocionales que salpican la trama.
Quizás demasiado breves; mi queja principal sobre Tierra de Zombies sería precisamente su falta de "alma". Admito que me hizo reír bastante, y creo que es una de las más divertidas películas de pseudo-terror que he visto en mucho tiempo. Pero no hay suspenso, ni sensación de peligro o angustia por los personajes. La irreverente sensibilidad del director Ruben Fleischer y su ágil estilo visual se conjugan para producir asombrosas secuencias de acción y momentos ultra "cool" que se quedan en la memoria después de haber visto la película; sin embargo en el plano dramático su trabajo se siente frívolo, carente de tensión o consecuencias reales. Incluso una de las muertes más notorias de la película está empleada como chiste, y no como drama. Claro, reí junto con el resto de la audiencia, pero fue otra oportunidad desperdiciada para establecer niveles adicionales en la narrativa que hubieran convertido Tierra de Zombies en algo realmente único e impactante.
En fin... tal vez me quejo tanto porque me gustó esta película, y siento que pudo gustarme más cuidando esos detalles. De cualquier modo fue una experiencia sumamente entretenida, sorprendente e hilarante que puedo recomendar por sus grandes dosis de sangre, acción y risas. Los puristas veneradores del canon establecido por George A. Romero quizás la encuentren demasiado caricaturesca y ligera; sin embargo pueden consolarse con la traviesa sátira social que de vez en cuando asoma (incluyendo la tácita mención de Disneylandia como la auténtica tierra de zombies). Y aunque los personajes me hayan parecido superficiales, no hay duda de que resultaron perfectamente adecuados para acompañarnos en este post-apocalíptico paseo por "los Estados Unidos de Zombielandia". No me gustaría vivir ahí, pero fue muy divertida la visita.
Calificación: 8.5
Nota: Escribí este artículo en Abril del 2009, cuando debutó el DVD de esta película, pero por su reciente estreno en cines de México decidí publicarla de nuevo para comodidad de los lectores.
Hasta donde sé, Mutant Chronicles es la primera película que sale en Blu-Ray antes de editarse en DVD convencional. Supongo que resulta apropiado, en vista del avanzado proceso detrás de su producción, que empleó la bien conocida pantalla verde para añadir posteriormente épicos escenarios digitales. Por un lado, me gusta que esta técnica permita la elaboración de películas muy ambiciosas que de otro modo hubieran sido incosteables; por otro lado, se está convirtiendo en una peligrosa trampa con el potencial de atraer directores demasiado interesados en la tecnología y muy poco en la calidad de su guión. Robert Rodríguez cayó en esa trampa con la odiosa The Adventures of Shark Boy and Lava Girl, pero aprendió lo suficiente para redimirse con la excelente Sin City. ¿Qué tipo de película nos ofrecerá el director británico Simon Hunter en su debut digital?La respuesta es: entretenida, pero no perfecta. Mutant Chronicles está inspirada por un oscuro juego de rol, y lo demuestra con su elaborada mitología y su extenso universo, rico en posibilidades y amplio en potencial. En el año 2717 el mundo ha extinguido sus combustibles fósiles, y una nueva era del vapor impulsa la tecnología que cuatro corporaciones usan para controlar al mundo: Capitol abarca América y parte de Europa Occidental; Bauhaus se ubica en Europa Oriental; Imperial en África y Australia; y Mishima en Asia. Las fronteras entre sus respectivos territorios está en constante disputa, provocando anacrónicas guerras con ejércitos que se ocultan en trincheras y emplean estrategias análogas a las de la Primera Guerra Mundial. Pero la rivalidad entre las corporaciones termina súbitamente cuando un bombardeo sobre Europa abre una antigua bóveda que protegía "La Máquina"... una misteriosa estructura, posiblemente de origen extraterrestre, sepultada por generaciones pasadas para exterminar una invasión de criaturas mutantes que amenazaron con conquistar al mundo. Ahora, liberados accidentalmente, los mutantes se extienden de nuevo sobre la Tierra, y las corporaciones deben unir fuerzas para rechazar la invasión. Desafortunadamente la Máquina recicla los cadáveres generados por la batalla para crear más monstruos y al poco tiempo se hace necesario evacuar las ciudades para salvar los pocos sobrevivientes de la humanidad que no han sido asimilados por el enemigo. Entonces, como última misión desesperada, el monje guerrero Samuel (Ron Perlman) organiza un equipo de rudos soldados con representantes de todas las corporaciones y, usando un antiguo libro de profecías como guía, se lanzan al interior del cráter, con un misterioso objeto que podría destruir la Máquina... junto con ellos mismos.
Para disfrutar al máximo Mutant Chronicles habrá que aceptar desde el principio que su propósito no es replicar la realidad, sino crear un imaginativo mundo de exageradas emociones, desaturados colores y frenética violencia. La cinta 300 se hizo notar por su artificial apariencia, y conviene ver Mutant Chronicles con los mismos ojos, asimilando las reglas que establece y esperando que las siga aunque no siempre parezcan lógicas. Las numerosas muestras de tecnología "steam-punk" son muy llamativas, y van desde simples mecanismos de uso diario hasta naves interplanetarias impulsadas por calderas de vapor. En resumen, el diseño de producción representa una buen porción de lo que triunfa en la película.La trama no tiene tanta suerte, pero cumple su cometido sin demasiados tropiezos. La añeja fórmula de "soldados en misión suicida" no acepta mucha innovación, y limita sus personajes a burdos clichés, desde el estoico anti-héroe torturado por su pasado (Thomas Jane), hasta la mujer que lucha por sus hijos y para redimir su violento pasado (Devon Aoki). Aún así los actores hacen un buen trabajo con tales clichés, y nunca resulta aburrido verlos cumpliendo su función pre-establecida. Quizás mi personaje favorito fue Severian (Anna Walton), muda y leal guardaespaldas del Hermano Samuel, cuya económica pero eficiente técnica de combate con espadas la hace visualmente interesante y emocionalmente más profunda que los estereotipos que la rodean. Esta joven actriz británica me dejó muy buena impresión en Hellboy II y en Vampire Diary, y me alegra que esté encontrando trabajo variado y colorido.
No incluiré los efectos especiales dentro de las limitaciones de la película, aunque entiendo si algunas personas los consideran así. Mi única objeción real (además de su convencional estructura) es que Mutant Chronicles se toma demasiado en serio, y un poco más de humor hubiera balanceado adecuadamente su sombrío tono y solemnes actuaciones. También creo que los productores se excedieron un poco con los efectos de post-producción para darle más "carácter" a la cinematografía digital, pero dentro de todo me gustó su rebuscada apariencia, y sin duda apreciaría una secuela (o, mejor aún, una precuela) realizada con la misma técnica y aplicando el aprendizaje que esta complicada producción sin duda generó. No espero que Mutant Chronicles pueda competir con el más pulido producto hollywoodense del mismo género; pero si la vemos como competencia de Starship Troopers 3: Marauder, Screamers: The Hunting, The Gene Generation y otras cintas de ciencia ficción estrenadas directamente en DVD, definitivamente sobresale por su ambición, que fue respaldada por el talento necesario para disculpar algunas de sus fallas. Buen esfuerzo de cine digital que no pierde de vista la historia ni la construcción de sus personajes. Ninguna computadora resuelve esos importantes “detalles”, y se nota que los productores de esta cinta lo entendieron.
Calificación: 8
No puedo decir que Mike Judge sea un buen director de cine, pero disfruto su sensibilidad y el profundo humor que maneja en sus películas y series de televisión, a la vez irónicas pero honestas en sus observaciones de la cultura norteamericana. Como tantos otros fans, me vi hipnotizado en los noventas por la inteligente sátira que Judge logró generar a partir de personajes profundamente estúpidos en Beavis & Butthead (y su eventual adaptación a cine); después me sentí identificado con los vencidos trabajadores de Office Space, y recientemente coincidí con su idea del mundo futuro en la deficiente pero brutal Idiocracy. Ahora, tras haber visto su nueva película, titulada Extract, siento que su visión ha madurado... aunque también parece haber perdido el agudo enfoque de antaño.
Jason Bateman es simplemente perfecto en su interpretación de Joel, exitoso pero aburrido dueño de una fábrica de saborizantes concentrados, cuya plácida y rutinaria vida no está exenta de problemas laborales y personales. Particularmente irritante es la frialdad de su esposa Suzie (Kirsten Wiig), quien parece poco interesada en las necesidades "íntimas" de su marido. Por eso, cuando la joven y guapa Cindy (Mila Kunis) empieza a trabajar en la fábrica de Joel, el deprimido hombre se entusiasma ante la posibilidad de un romance ilícito. Pero antes de proceder, Joel decide contratar a un ignorante "gigoló" para seducir a su esposa Suzie, y así sentirse menos culpable por su propia infidelidad. Y, desde luego, lo que parecía una buena idea, termina saliendo de control y poniendo en peligro todo lo que Joel disfrutaba de su vida "normal".
Esa premisa sugiere una simple comedia sobre los vaivenes del matrimonio, sostenida por un poco del humor laboral que Judge siempre ha empleado con acierto. Desafortunadamente el libreto da demasiadas vueltas, pierde el rumbo en numerosas ocasiones y arrastra un número excesivo de sub-tramas y personajes que terminan enredando la narrativa y extraviando por completo la intención de la película. ¿Es una comedia romántica? ¿O un melodrama laboral? ¿O una clásica fórmula de "pareja dispareja? La respuesta es: todos y ninguno. Parecería que Judge tuvo algunas buenas ideas (quizás para dos o tres guiones distintos) y decidió combinarlos en uno solo, pensando que durante la producción o edición lograría darle el peso adecuado a cada elemento, o resolver esa esquizofrenia cómico-dramática que, a fin de cuentas, casi no genera risas ni emociones por los personajes (con la posible excepción de lástima).
Sin embargo, no por ello Extract carece de atractivo. Como dije, Jason Bateman tiene oportunidad de aprovechar al máximo el casual estilo de actuación que tan bien lució en sus recientes proyectos, desde la aclamada serie Arrested Development hasta la controversial cinta Juno. Su interpretación nunca genera carcajadas, pero conjura el sutil humor de "buenas intenciones con resultados desastrosos". Ben Affleck tiene un sorpresivo papel secundario (y casi irreconocible) en el que muestra su aptitud como actor de carácter; los confiables J.K. Simmons y David Koechner se esmeran en sus cortas escenas. Por el contrario, Kristen Wiig no tiene mucho que hacer como la fría Suzie, desperdiciándose el gran talento cómico que cada semana muestra en Saturday Night Live. Y si bien Mila Kunis encaja perfectamente en su papel de seductora oportunista, tiene quizás el más irregular "arco" de la película, pues no hay consistencia en su motivación o comportamiento. En resumen... la sopa de personajes tiene buenos ingredientes, pero parecen venir de recetas muy distintas entre sí.
Finalmente, debo mencionar la horrible edición de Julia Wong. O, mejor dicho, las malas decisiones editoriales de Mike Judge, quien repite algunos de los más notorios errores que cometió en Idiocracy: escenas demasiado largas, pausas innecesarias, diálogos redundantes y, en general, todo aquello que tiende a disipar la energía de una película. Entonces, sólo recomendaría Extract a los más fieles seguidores de Mike Judge; la película tiene su inconfundible sello y sensibilidad, pero lamentablemente esa descripción aplica por igual a las fallas y los aciertos. Me gustaron muchas escenas individuales, la acertada sátira de ciertos personajes, y el trabajo de actores talentosos tratando de sacar el mejor partido del incierto material; sin embargo la experiencia general resultó una decepción y, peor aún, un paso atrás para Judge. Me atrevo a sugerir que en el futuro podría tener más éxito concentrándose en los aspectos del proceso creativo que mejor conoce; tal vez como guionista y productor lograría encontrar colaboradores adecuados para finalmente hacer su teórica obra maestra. Tengo confianza en que suceda... aunque esa confianza se basa más en su obra pasada que en Extract.
Calificación: 6.5
El director John Hughes fue sin duda uno de los cineastas que contribuyeron significativamente a mi afición por el cine y al desarrollo de mi gusto personal (para bien o para mal). Sin embargo no lo veo como una reliquia de mi adolescencia, sino como un genuino artista cuyas películas han adquirido nueva relevancia a lo largo de las décadas, logrando que hoy siga disfrutándolas no sólo como divertidas comedias o melodramas juveniles, sino como honestas reflexiones sobre la vida, la juventud y el auténtico significado de la madurez; y, desde luego, como nostálgicos recuerdos asociados a una época a la vez más simple y más confusa, de la que (también para bien o para mal) aún no logro escapar por completo.
Los productores y director del documental Don't You Forget About Me también son devotos de Hughes, y en el año 2006 decidieron emprender una peregrinación desde Canadá hasta la ciudad de Chicago en busca del reservado cineasta, quien se retiró parcialmente del cine a pesar de las legiones de fans que añoraban su regreso. Y así, durante hora y media, vemos cómo el equipo de producción indaga sobre la ubicación de su ídolo para entrevistarlo, y quizás descubrir las razones de su exilio voluntario. Paralelamente vemos entrevistas de actores que trabajaron con él; de célebres directores influidos por su obra; y modernos adolescentes que siguen encontrando diversión y válidos mensajes en las películas que veían sus padres hace un cuarto de siglo.
No es un spoiler mencionar que John Hughes falleció a mediados del 2009, cuando Don't You Forget About Me estaba en proceso de edición, lo cual cambió significativamente el tono del documental y elevó las emociones generadas por los testimonios de sus fans. Sería cínico (y realista) suponer que ese mórbido ángulo ayudó al financiamiento y distribución de este documental, y podría considerarse el más bajo tipo de explotación. Sin embargo, incluye tantos datos interesantes y momentos tan emotivos que me siento inclinado a disculpar el mercantilismo del proyecto porque, a fin de cuentas, cumple su función de rendir tributo a una importante pero no muy conocida eminencia del cine moderno.
Además, resulta muy entretenido escuchar a figuras como Kevin Smith, Jason Reitman, Howard Deutch y Roger Ebert (pre-operación) recontar sus experiencias personales como fans, críticos y amigos del cineasta, por no mencionar las anécdotas de primera mano que nos ofrecen Ally Sheedy, Judd Nelson, Andrew McCarthy, Kelly LeBrock, Alan Ruck, Mia Sara y muchos otros (¿dónde estás, Molly Ringwald?). Todos ellos coinciden en el talento de Hughes, el influjo de su obra sobre el cine contemporáneo, y su famosa integridad artística, que tal vez contribuyó a su alejamiento del cine durante tanto tiempo.
Sin embargo, el documental dista mucho de ser perfecto. Los productores y director cometen el error de asignarse papeles protagónicos que salen sobrando, pues no resultan interesantes como personajes, ni inteligentes como comentaristas. Muchos de los puntos que señalan se repiten una y otra vez ("Hoy en día nadie representa a los adolescentes en el cine"), hasta hacernos sospechar que, a pesar de su respeto y buena intención, no tenían mucho que decir. En resumen, creo que John Hughes merece un homenaje mejor planeado y más inteligente, pero es difícil criticar la sinceridad de Don't You Forget About Me y su impacto en el espectador (no puedo negar que me dejó con un nudo en la garganta). Entonces, hasta que Ken Burns decida hacer su propio documental sobre el director de Ferris Buller's Day Off, The Breakfast Club y Weird Science (claro... cualquier día de estos), tendrá que bastar Don't You Forget About Me como recordatorio de este gran talento que forjó una época y nunca miró hacia atrás. Que en paz descanse (sobre todo si ignoramos Curly Sue).
Calificación: 7.5
De todos los escritores británicos que sentaron las bases de la literatura fantástica moderna, creo que Arthur Conan Doyle es quien mejor ha resistido el paso del tiempo. No deseo menospreciar la obra de Bram Stoker, H.G. Wells o Lewis Carrol, pero tampoco puedo negar que sus arcaicos estilos y abigarrada prosa son difíciles de digerir para las nuevas generaciones. Por el contrario, la enérgica expresión de Doyle mantiene vigentes sus escritos hasta nuestros días, y si bien prefiero sus relatos de ciencia ficción, también me gustan mucho las ingeniosas historias del detective Sherlock Holmes, quien quizás sea el personaje ficticio más conocido en el mundo. ¿O será Superman? ¿O James Bond? Lo que sea. El punto es que su fama se extiende a todos los continentes e incluso encontramos su nombre integrado al lenguaje popular. Habiendo dicho eso, no soy un "purista" que venera la palabra de Doyle como escritura sagrada, y por eso he disfrutado muchas "re-interpretaciones" fílmicas de Sherlock Holmes, desde la inteligente Murder By Decree hasta la divertida They Might Be Giants (no me refiero al grupo musical, sino a la película de donde sacaron su nombre). Y ahora, el irregular director Guy Ritchie nos entrega su versión "alternativa" de Sherlock Holmes. Como puede deducirse (¡perdón!), el resultado es indudablemente único.
Al principio de la película vemos cómo Sherlock Holmes (Robert Downey, Jr.), el fiel Dr. John Watson (Jude Law) y el Inspector Lestrade (Eddie Marsan) de Scotland Yard, capturan al arrogante Lord Blackwood (Mark Strong) por haber asesinado a varias mujeres en bizarros rituales satánicos (o algo así... la teología de la película es bastante vaga). Blackwood es condenado a la horca, pero al poco tiempo de haberse cumplido la sentencia, se descubre evidencia de su aparente resurrección. Lestrade pide ayuda a Holmes para calmar el pánico en Londres, pero la investigación tendrá que esperar, pues la sospechosa Irene Adler (Rachel McAdams), antigua amiga del detective, ha regresado para pedirle ayuda en un nuevo caso. Y, claro, la brillante mente deductiva de Holmes descubre rápidamente que Adler está de algún modo envuelta en la "resurrección" de Lord Blackwood. Así, junto con Watson, descubren una conspiración que pondrá en peligro sus vidas... y su inflexible escepticismo sobre la existencia de fuerzas sobrenaturales.
La abundante publicidad de Sherlock Holmes estableció claramente que Ritchie no buscó una fiel adaptación del flemático detective descrito por Doyle, sino una moderna interpretación repleta de acción y efectos especiales. Lo que me sorprendió es que al mismo tiempo respeta gran parte de la mitología original, no sólo en el entorno victoriano y los métodos analíticos que hicieron famoso a Holmes... sino en el despliegue de sus ocultos talentos como boxeador y practicante de artes marciales. Claro, rara vez se describieron explícitamente esas habilidades en las historias de Doyle, pero hay algunas referencias a sus encuentros de box amateur y su conocimiento del "baritsu" (sic), una exótica disciplina japonesa de defensa personal. Ritchie simplemente eligió poner igual importancia en el desempeño físico del detective que en su poder intelectual... y me complace decir que la receta funciona bastante bien. O al menos mucho mejor de lo que yo esperaba.
Como siempre, gran parte del éxito recae en las excelentes actuaciones de Robert Downey, Jr. y Jude Law, cuya perfecta química y simpática interacción genera los mejores momentos de la película. Desde luego hay abundantes escenas de acción que están muy bien orquestadas por el visualmente adepto Ritchie, pero los sutiles momentos dramáticos son lo que mejor recuerdo de la película. Y si bien Downey Jr. emplea el bien conocido repertorio de gestos y expresiones que vimos en Iron Man y Kiss Kiss Bang Bang, su genuino talento conjura una personalidad distinta y específica para este icónico personaje. Rachel McAdams es una adecuada Irene Adler ("la mujer"), rebosante de ingenio y potencial traición detrás de su inocente rostro, aunque su participación se siente un poco obligatoria... como un requerimiento mercadológico y no como parte fundamental del libreto. Por otro lado, el villano me pareció absolutamente anónimo y prescindible, construido de clichés y carente de personalidad. Mark Strong es un buen actor, y tiene una buena escena con Holmes antes de su ejecución, pero es obvio que los guionistas cuidaron más a los héroes que al genérico antagonista.
Finalmente, debo aplaudir a Guy Ritchie por haberse recuperado de manera sobresaliente después de sus tropiezos pasados. Nunca cuestioné su talento como director y ni su creatividad visual; sin embargo, creo que hasta sus más fieles seguidores aceptarán que no siempre eligió proyectos de excepcional calidad narrativa. Y quizás Sherlock Holmes tampoco sea "excepcional", pero sin duda representa una divertida experiencia cinematográfica con un sano balance de suspenso, ingenio y humor, adornada con notables efectos especiales que recrean asombrosamente el Londres del siglo diecinueve. Por cierto, excelente trabajo del estudio Double Negative, que finalmente entra a las "grandes ligas" por derecho propio, y no sólo auxiliando a casas más grandes o famosas.
Como ávido lector de Sherlock Holmes, no esperaba tragar del todo esta moderna y extravagante versión; sin embargo la puedo recomendar porque, a fin de cuentas, respeta lo indispensable para ganar su lugar en el universo creado por Arthur Conan Doyle hace más de cien años; y simultáneamente lo presenta con el dinamismo necesario para hacerlo más ágil y consistente con el entretenimiento popular que disfrutamos hoy en día. Y, claro, emplea dos perfectos actores para llenar esos famosos roles. Quizás me hubiera gustado ver una versión más fiel y cerebral de Sherlock Holmes... pero sospecho que no me hubiera divertido tanto.
Calificación: 9
Aunque me estaba irritando bastante el personaje que interpreta Sandra Bullock en Alocada Obsesión, los primeros veinte minutos inspiraron cierto optimismo, pues parecen preparar el terreno para una mordaz sátira de las comedias románticas. De hecho, aunque había escuchado pésimos comentarios sobre esta película, llegué a pensar que podría haber sido simplemente incomprendida, y que en realidad ofrecería subversiva diversión para detractores de ese cansado género. Desde luego me equivoqué, y aunque no niego haber reído en un par de ocasiones, la experiencia global fue tediosa, repetitiva... y tan irritante como prometía el principio.
El mencionado personaje de Sandra Bullock se llama Mary Horowitz, diseñadora de crucigramas cuya excéntrica pero alegre personalidad (tal vez demasiado alegre) contrasta con su nula vida social y absoluta carencia de amigos. Entonces, cuando la solitaria mujer conoce al apuesto Steve (Bradley Cooper) durante una cita ciega, queda obsesionada con él, y decide convencerlo de que son la pareja perfecta. El problema es que Steve trabaja como camarógrafo para un noticiero televisivo, y viaja constantemente por todos los Estados Unidos. Pero eso no detiene a Mary, y decide seguirlo de ciudad en ciudad hasta solidificar su relación... lo cual no será fácil, pues Steve está desarrollando obvio terror por su entusiasta admiradora.
Los breves momentos que me hicieron reír durante Alocada Obsesión no se deben al constante parloteo de Sandra Bullock, o su patética interacción con los personajes "normales", sino al trabajo del siempre confiable Thomas Haden Church como un ambicioso reportero cuya obsesión por la "silla del conductor" provoca frecuentes errores humorísticos a costa de su pomposidad y egolatría. A diferencia de Bullock, Church entiende el tono que debe tener su personaje (aceptémoslo... es el mismo que emplea en casi todas sus películas) y saca el mejor partido posible de sus débiles parlamentos con ayuda de su inherente ingenio y sentido del humor (creo que la escena del caballo es ejemplo suficiente). Por el contrario, Sandra Bullock falla espectacularmente al tratar de combinar su natural simpatía con las perturbaciones emocionales de su personaje. Y si combinamos ese error de interpretación con el desagradable libreto tenemos como resultado una interminable experiencia que agota rápidamente la buena voluntad cultivada por Bullock en sus más afortunadas películas (sin ir muy lejos puedo mencionar la reciente The Proposal, cuya benéfica simbiosis entre material y actriz funcionó a pesar de sus excesivos clichés románticos). Más aún, me atrevo a sugerir que con una genuina comediante en el papel de Mary (alguien como Sarah Silverman, Tina Fey o Amy Poehler) la película hubiera resultado mucho más tolerable, pues quizás encontraríamos risas en improvisados detalles que, con suerte, rescatarían la experiencia del fracaso absoluto.
Y, ya que estamos especulando, también imagino que si invirtiéramos el sexo de los protagonistas (con un hombre obsesionado por recuperar a la mujer que lo rechazó) hubiéramos tenido una burda pero inofensiva comedia al estilo de Judd Apatow, con algún inmaduro "niño-hombre" haciendo desfiguros incongruentes para atraer a su idealizada chica (un momento... ¿no es ese el argumento de Management?). Sin embargo, la presencia de Sandra Bullock cambia la esencia de la película y la convierte en un exasperante refrito del clásico cliché "la mujer sólo puede ser feliz con ayuda de un hombre"; lamentable situación que rebasa los poderes "cute" de Bullock, y la convierte en otra víctima de la película.
Pero bueno... para no ser tan negativo diré que, además de Haden Church, me gustó la presencia de Ken Jeong y Keith David, la "trivia" relativa a los crucigramas, el cameo de Charlyne Yi, y el uso del grupo Cake en la banda sonora. Además, Alocada Obsesión me ayudó a apreciar más la poco conocida cinta Happy-Go-Lucky, donde también vimos las aventuras de una mujer irrefrenablemente optimista y vivaz... que de algún modo logró conservar su humanidad, en vez de convertirse en una caricatura, como ocurrió con Sandra Bullock. Por lo tanto, es imposible recomendar esta película, excepto para masoquistas y "stalkers" en busca de ideas para acosar al objeto de su interés. Pero quien espere una comedia romántica (o drama psicológico) que no insulte la inteligencia del espectador, mejor busque en otro lado, donde haya menos "alocada obsesión" y más dignidad.
Calificación: 4
Mis sinceras felicitaciones por el año nuevo para todos los lectores de Imagen en Negativo (y sus familias, desde luego), junto con mis mejores deseos para que la segunda década del siglo nos traiga menos secuelas, re-makes y refritos (y no solo me refiero a las películas). Como de costumbre, agradezco infinitamente su amistad y apoyo en este proyecto, que con su ayuda ha crecido mucho más de lo que yo esperaba. ¡Felicidades y ya veremos si Arthur C. Clarke tenía razón!
Me gusta ver películas que ofrecen una perspectiva distinta de los géneros que usualmente monopoliza el cine norteamericano; por ejemplo, aunque traten básicamente de lo mismo, hay un sabor particular que hace atractivas las cintas de terror orientales, el inesperado cine de acción francés, o las comedias románticas británicas. Menos comunes son las épicas históricas, pues su elevado costo y limitado atractivo tiende a hacerlas poco rentables para las industrias cinematográficas internacionales, no tan acostumbradas al despilfarro de recursos que caracteriza al mencionado cine norteamericano. Por eso me dio gusto encontrar el estreno de El Conquistador... aunque sea tres años después de su nominación al Oscar como mejor película extranjera.
Esta co-producción ruso-mongólica-alemana-kazakhstaní no está exenta del glamoroso barniz hollywoodense que hace las emociones más intensas y la acción más dinámica; sin embargo hay suficientes matices étnicos y profundidad cultural para no descartarla como una simple copia de 300 o Alexander. Por el contrario, El Conquistador usa los convencionalismos del cine épico para ayudarnos a asimilar esta interesante historia, que en muchos aspectos refleja la obsesión nacionalista contemporánea (ahem). Y aunque se ha denunciado su imprecisión histórica, siento que es disculpable la licencia creativa que nubla los "hechos" a favor de melodrama pues, a fin de cuentas, el director Sergei Brodrov eligió acertadamente (o cobardemente, según el punto de vista) poner el entretenimiento por encima de la fidelidad académica. No tengo problema alguno con ese enfoque; después de todo no voy al cine para aprender historia, sino para pasar un rato entretenido y, en el mejor de los casos, exponerme a ideas novedosas o provocativas que sirvan como inicio de futuro aprendizaje... el cual prefiero hacer por mi cuenta.
Esa delgada línea entre realismo y espectáculo se manifiesta con mayor énfasis en las escenas de batalla, las cuales son sangrientas y brutales, pero con adornos estilísticos y cinematografía diseñada para verse "cool". Lo mismo aplica a los actores, cuyos rasgos fuertemente étnicos siguen de cualquier modo los estándares occidentales de belleza (traducción: me gustó Khulan Chuluun en el papel de Börte). En cuanto a los detalles de escenografías y decorado, no estoy capacitado para evaluar su realismo histórico; sin embargo admiré el crudo diseño de producción y los maravillosos escenarios, que ilustran vívidamente la importancia del pensamiento estratégico necesario para vencer al enemigo en condiciones de batalla realmente inmisericordes.
Entiendo que el semi-oscuro tema no sea exactamente material de "éxito de taquilla"; y las escenas de batalla no bastan para vender El Conquistador como simple cine de acción. Sin embargo me pareció una película muy recomendable por su justa mezcla de drama político y atracción comercial. En otras palabras, sólido entretenimiento con una veta de relevancia cultural que rara vez encontramos en el cine norteamericano. No estoy seguro de que Genghis Khan hubiera aprobado una visión tan frívola de sus logros... pero, por otro lado, el legendario guerrero nunca tuvo que competir con el éxito de Avatar, o con las más recientes comedias románticas. Es un terreno de batalla totalmente distinto.
