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Inframundo: El Despertar (Underworld: Awakening)

2012-01-27T22:38:00.002-06:00

Las películas Underworld y Underworld: Evolution me parecieron razonablemente entretenidas a pesar de estar sobrecargadas con una torpe y complicada mitología que, en mi humilde opinión, salía sobrando y solo servía para llenar los huecos entre las dinámicas escenas de acción. Quizás por eso me gustó más la tercera parte, Underworld: Rise of the Lycans, una eficiente precuela con menos palabrería, más acción y por fin un argumento claro (bueno, relativamente) que no requería conocer cada detalle de las aristocráticas dinastías vampíricas ni su voluble relación con los hombres lobo, sus eternos enemigos. Para la cuarta parte, Inframundo: El Despertar, los directores Måns Mårlind y Björn Stein tomaron la acertada decisión de emular la simplificación de su predecesora, pero esta vez llevándonos al futuro cercano, donde la guerra secreta entre vampiros y lobos (o "lycans") palidece frente a la nueva amenaza que enfrentan... el hombre.

Al principio de Inframundo: El Despertar nos enteramos de que la existencia de vampiros y hombres lobo ya no es un secreto; y la humanidad, para variar, declaró la guerra contra ambas criaturas, desatando una cacería masiva conocida como "la limpia", durante la cual fueron exterminados todos los "infectados". O casi todos. La hermosa y letal Selene (Kate Beckinsale) fue capturada al principio de la guerra, y durante doce años estuvo cautiva en un misterioso laboratorio donde el cruel Dr. Lane (Stephen Rea) la usó como sujeto de variados experimentos. Entonces, cuando Selene es liberada, trata de encontrar otros sobrevivientes de su especie que le ayuden a entender lo que está ocurriendo. Pero antes, deberá averiguar quién la ayudó a escapar... y ¿con qué fin?

Que quede claro... Inframundo: El Despertar es ridícula en todos sus aspectos, desde el solemne melodrama vampírico (cuya gravedad depende exclusivamente de los acentos británicos del elenco), hasta las absurdas escenas de acción que desafían toda ley física (y de sentido común) mientras siguen copiando desvergonzadamente el estilo de The Matrix (¡13 años después!) Pero al menos la protagonista tiene una motivación concreta, las peleas están bien coreografiadas y claramente editadas (aunque el "wire work" es terrible), y los efectos especiales, tan artificiales como siempre, se regodean en la clasificación "R", ofreciendo toda la sangre y vísceras que se nos negó en las previas películas.

En otras palabras, estos directores suecos saben cómo divertir al público, y no se avergüenzan por satisfacer nuestras fantasías adolescentes con excesos visuales que disimulan exitosamente la falta de una narrativa original. De hecho, lo único sorprendente del libreto es que se hayan necesitado seis guionistas para escribirlo, cuando cualquier autor de "fanfic" hubiera bastado para reciclar los mismos temas de siempre y repetir la fórmula básica de "discusión en la guarida gótica - ataque de lobos - discusión en la guarida industrial - ataque de humanos - repetir al gusto". No obstante, aprecio que la historia nos ponga automáticamente del lado de los vampiros, y nunca se contemple nuestra lealtad como espectadores hacia los demás humanos, que en este caso son simple carne de cañón y fuente alimenticia para los "héroes". Es obvio que los vampiros son "cool", y eso basta para desear que ganen en el conflicto tripartita.

En una película con estas dudosas "virtudes" parecería irrelevante preocuparnos por las actuaciones, pero vale la pena señalar el sólido trabajo de Kate Beckinsale como la invencible Selene, cuya férrea convicción nos ayuda a mantener una conexión emocional con la trama... por no mencionar su afinidad hacia los ajustados uniformes de piel (o plástico, o lo que sea) que lucen perfectamente su figura en "slo-mo" y complementan su imagen anti-heroica. Como dije antes, es una elemental fantasía adolescente, y se enorgullece de serlo. Menos fantástico pero igualmente cliché es el confiable Stephen Rea como “científico loco” obsesionado con encontrar aplicaciones militares para los poderes de los vampiros. Y, finalmente, también me gustó la adición de la niña India Eisley como "mcguffin" de la historia, pues nos evita otra cansada sub-trama romántica y nos da un pequeño atisbo a los instintos maternales de Selene, visibles incluso a través de su gélida mirada e intensa actitud.

Entonces, aclaro que Inframundo: El Despertar no es una buena película, pero a fin de cuentas corrigió algunos problemas de la franquicia (al mismo tiempo que creó otros nuevos) y se esforzó lo suficiente por ofrecer hora y media de hueca diversión que no necesita tomarse en serio para entretenernos con malos efectos, buenas peleas y una estética de video juego repleta de "headshots", ataques "combo" y "bosses" cada vez más grandes y peligrosos. Tomó cuatro películas, pero creo que la serie Underworld finalmente encontró la receta correcta y, a falta de más Blades o BloodRaynes, se perfila como heredera y redentora del legado vampírico que se había extraviado por culpa de cierta saga romántica cuyo título no me interesa repetir. Solo diré que soy Team Selene de aquí en adelante.
Calificación: 7.5

Burke and Hare

2012-01-26T12:31:00.003-06:00

Otro director aclamado en los ochentas que no ha hecho mucho recientemente es John Landis, más conocido por algunas excelente comedias (Coming to America, Spies Like Us), pero igualmente venerado en el género de terror por haber realizado la mega-clásica An American Werewolf in London (aunque si examinamos su filmografía veremos que el resto de sus incursiones en el horror van de lo mediocre a lo olvidable). Tras 13 años de ausencia en el cine (pero no de la televisión) regresa ahora con la cinta Burke and Hare, donde justamente combina horror y comedia en un relato basado en hechos reales (bueno, "inspirado"). Y si bien la mezcla de géneros me pareció demasiado inestable, admito que sus elementos individuales bastaron para mantenerme entretenido, aunque no podría afirmar cuál de las dos facetas de la cinta funciona mejor.

Los epónimos protagonistas de Burke and Hare son William Burke (Simon Pegg) y William Hare (Andy Serkis), dos inmigrantes irlandeses tratando de sobrevivir en la ciudad escocesa de Edimburgo a principios del siglo diecinueve. Sus intentos de comercializar un "musgo medicinal irlandés" terminan en desastre, pero casualmente se enteran de un negocio lucrativo para empresarios con pocos escrúpulos... la venta de cadáveres. Aparentemente en aquel entonces Edimburgo era "la capital europea de la medicina", con dos renombradas escuelas en constante competencia por ganar el favor de la Corona gracias a sus avanzadas técnicas médicas. Sin embargo, la enseñanza de cirugía y anatomía requiere una constante provisión de cadáveres frescos, la cual se suplía con los cuerpos de criminales recién ejecutados. Pero cuando el artero Dr. Monro (Tim Curry) usa su influencia política para acaparar esos cadáveres, su rival, el Dr. Knox (Tom Wilkinson), se ve obligado a buscar "suministros" por otros medios... y ahí es donde entran Burke y Hare, quienes inicialmente venden cuerpos de personas fallecidas por causas naturales. Pero cuando la demanda supera la oferta, deciden organizar misteriosos "accidentes" que generan más difuntos. Desafortunadamente el súbito incremento de mortalidad en los barrios bajos levanta las sospechas del paranoico Capitán McLintoch (Ronnie Corbett). ¿Cuánto tiempo podrán Burke y Hare mantener su acomodado estilo de vida con esta sórdida actividad?

Entonces, por un lado tenemos como elemento cómico las mórbidas aventuras de los atolondrados protagonistas, que no son retratados como monstruos desalmados, sino como hombres desesperados por salir adelante en un entorno económico sumamente deprimido (¿suena familiar?) Y, claro, nunca está de más un poco de motivación romántica en la forma de Ginny Hawkins (Isla Fisher), una guapa bailarina con el sueño de poner en escena una versión femenina de Macbeth. Burke queda prendado de la chica y decide financiar el proyecto, lo cual es excusa suficiente para ignorar su conciencia, más pesada con cada nuevo asesinato. Por otro lado Hare debe lidiar con su alcohólica esposa Lucky (Jessica Hynes), quien resulta tener sorprendente visión a largo plazo para el negocio de la muerte. Por el lado serio tenemos el fantástico trío de Tim Curry como el Dr. Monro, malo para la medicina, pero bueno para la política; Tom Wilkinson como el brillante Dr. Knox, cuya investigación podría salvar miles de vidas, siempre y cuando acepte la inconveniencia de financiar algunos asesinatos; y Hugh Bonneville como Lord Harrington, el aristócrata encargado de supervisar ambas escuelas de medicina como representante de la Corona. Francamente, me hubiera gustado ver una versión seria de esta historia centrada en esos personajes y sus peligrosos recorridos entre la luz de la ciencia y las sombras de la política.

Y ahí está el problema principal de Burke and Hare. Los elementos cómicos funcionan (casi siempre) gracias a las simpáticas actuaciones y sólidos instintos humorísticos de Simon Pegg y Andy Serkis, pero una y otra vez me encontré deseando que la cinta definiera mejor su carácter. En otras palabras, la comedia estorba constantemente al drama histórico, y el drama histórico se siente fuera de lugar en el contexto del humor negro empleado por Landis. Es como ver dos películas muy diferentes por el precio de una, pero mezcladas de una manera tan forzada e inconsistente que cuesta trabajo apreciar sus bondades individuales. Pero bueno... en el plano técnico Burke and Hare trasciende su bajo presupuesto con buena cinematografía (cortesía de John Mathieson), excelente diseño de producción y escenarios tan realistas que casi sentimos el lodo en los pies y la fetidez del aire en nuestra piel. Landis es definitivamente un buen director con amplia experiencia y pleno control de sus herramientas cinematográficas, pero esta vez le falló el "selector de estilos", y el resultado es una película cuya suma de aciertos no logra superar sus problemas. Podría recomendarla para fans de Landis (quienes sin duda apreciarán los cameos de figuras como Ray Harryhausen, Jenny Agutter, Christopher Lee, Costa-Gavras y Stephen Merchant, por no mencionar al auténtico William Burke), pero existen muchas otras "comedias de terror" mejor balanceadas y más graciosas que conviene re-visitar para disfrutar esta difícil, pero potencialmente satisfactoria combinación de géneros. Sin ir más lejos, An American Werewolf in London es un buen ejemplo... ojalá Landis hubiera seguido su propia receta al realizar Burke and Hare.
Calificación: 6.5

5 Days of War

2012-01-24T12:40:00.001-06:00

Aunque el director finlandés Renny Harlin es responsable por algunas horribles películas de las últimas décadas, no podemos ignorar sus momentos positivos, especialmente cuando no está lidiando con los altos presupuestos y grandes estrellas de Hollywood, sino dedicándose a la creación de modestas cintas independientes que siempre resultan entretenidas a pesar de sus abundantes fallas. Por eso me interesaba su más reciente obra, 5 Days of War, en la que combina su tradicional estilo de abigarrada acción con un mensaje político sincero, aunque tan obvio que se vuelve ridículo. En otras palabras: clásico Harlin.

Basada en hechos reales, 5 Days of War gira en torno a la invasión de Georgia, una de las repúblicas que ganaron su independencia tras la caída de la Unión Soviética a fines de los ochentas. Durante las siguientes dos décadas Rusia trató de ganar influencia sobre estos territorios aledaños, pero Georgia fue la que más resistió, buscando alinearse económica y políticamente con la Unión Europea. La tensión entre ambas naciones explotó en agosto del 2008, cuando tropas rusas incursionaron en territorio de Georgia, y durante los siguientes cinco días asolaron la región provocando cientos de muertes y el desplazamiento de miles de familias que perdieron sus casas y abandonaran sus comunidades. En esa terrible situación encontramos al reportero Thomas Anders (Rupert Friend) y su camarógrafo Sebastian Ganz (Richard Coyle) tratando de ayudar a la joven campesina Tatia (Emmanuelle Chriqui), quien busca desesperadamente a su familia luego de un bombardeo aéreo. Durante la búsqueda los reporteros graban actos de brutal violencia, y tratan desesperadamente de contactar a las agencias noticiosas del resto del mundo para difundir lo que está ocurriendo, y quizás crear presión política que detenga el genocidio. Mientras tanto, en el palacio nacional, el Presidente Saakashvili (Andy García) trata desesperadamente de ganar aliados en las Naciones Unidas, pero parece que a nadie le interesan los problemas de una región con poco petróleo o valor económico...

El mensaje de la película es contundente y una vez más revela la hipocresía de naciones empeñadas en "liberar" pueblos oprimidos, pero solo cuando hay algo valioso de por medio. La república de Georgia (al igual que Rwanda, Armenia y Bosnia) no tiene mucho valor estratégico o económico, y por lo tanto no mereció la atención de quienes podrían haber hecho algo para ayudarla. Habiendo dicho eso, el libreto de 5 Days of War exagera tanto su postura política que termina sintiéndose como burda propaganda, traicionando sus deberes de thriller político (o simple cinta de acción) para repetirnos una y otra vez el heroísmo del Presidente Mikheil Saakashvili, el salvajismo de la milicia rusa (integrada en gran parte por mercenarios y ex-criminales), y la indiferencia de las Naciones Unidas. Claro que hay una buena razón para estas exageraciones... 5 Days of War fue parcialmente financiada por el gobierno de Georgia, y supongo que el director Renny Harlin tuvo que aceptar muchas "sugerencias" de sus benefactores para pintarlos como ángeles y mártires rodeados de demonios. Pero bueno, por el lado amable este patrocinio permitió el uso de auténticas locaciones y genuino "hardware" militar, de modo que las escenas de acción son muy impresionantes, con auténticos helicópteros, tanques y aviones rusos atacando sus objetivos, en vez de los baratos efectos digitales que veríamos en una típica cinta directa a DVD.

Desafortunadamente el drama humano no es resultó tan interesante como la acción, aunque se nota el esfuerzo de los actores por capturar el horror, confusión y angustia de vivir en el pesadillesco entorno de la guerra. Hay algunos nombres famosos en los créditos de 5 Days of War, pero generalmente están relegados a papeles cortos. El mejor ejemplo es Heather Graham, prominentemente mencionada en la caja del DVD aunque su participación se limita a los primeros dos o tres minutos de la cinta. Val Kilmer tiene varias escenas, pero sigue siendo un personaje secundario, y lo mismo aplica a Andy García como el presidente de Georgia, cuyas escenas seguramente se filmaron en uno o dos días (me abstendré de comentar sobre su ridículo acento ruso). Los protagonistas reales son Rupert Friend, Emmanuelle Chriqui y Richard Coyle, perfectamente funcionales como encarnación de clichés vivientes, pero no necesariamente poseedores de suficiente personalidad o carisma para sostener el interés del espectador durante dos horas.

Quizás con un director más prestigioso y actores de mayor renombre, 5 Days of War pudo ser uno de esos dramas políticos con múltiples nominaciones al Óscar para demostrar la conciencia social de "la Academia". Pero en manos de este modesto director logró al menos ser una sólida "película B" que cumple su propósito de entretenernos, ilustrarnos un poco sobre una negra página de la historia moderna, y emocionarnos con algunas sólidas escenas de acción y suspenso mientras seguimos a los reporteros en su transición de simples observadores a héroes humanitarios. Como sea, la película no es muy creíble, y su rimbombante retórica política dificulta tomarla en serio, pero siento que merece una tímida recomendación porque al menos aspiró a trascender la baja ambición habitual este particular nicho cinematográfico. Además... ¿Val Kilmer en un baño de burbujas? ¿Quién podría resistirse a eso?
Calificación: 7

El Examen (Exam)

2012-01-22T13:19:00.002-06:00

En general me gustan las historias "embotelladas" (es decir, limitadas a una sola locación) pues, cuando están bien realizadas, logran destilar la esencia misma del arte teatral, capturando nuestra atención con simples palabras, actuaciones y sobre todo una fuerte narrativa. En años recientes hemos visto un resurgimiento de este estilo cinematográfico (quizás como reacción natural contra la tendencia general al "cine espectáculo" de Hollywood), y aunque dichas cintas no siempre sean sobresalientes o memorables, al menos garantizan una experiencia diferente, más ambiciosa en el plano intelectual, y más simple en el visual. La nueva (no tan nueva) cinta británica El Examen encaja en esa descripción, partiendo de una premisa ingeniosa pero fallando a lo largo del camino por tergiversar demasiado su argumento y no seguir sus propias reglas. Aún así ofrece algunas ideas interesantes y buenas observaciones sobre los peligros del sistema económico contemporáneo.

Los noventa minutos de El Examen transcurren en una oficina engañosamente simple, con sillas y mesas, pero sin ventanas, a donde llegan ocho candidatos para una inusual entrevista de trabajo, donde sus únicos materiales son sendos lápices y hojas de papel. Aparentemente este es el paso final de un largo y difícil proceso de selección, y quien resulte elegido tendrá un envidiable trabajo con increíble sueldo y prestaciones. Sin embargo no queda claro en qué consiste la entrevista, pues el estricto supervisor (Colin Salmon) los deja solos tras impartir una bizarra lista de instrucciones (por ejemplo, nadie debe "arruinar" su hoja de papel, ni tratar de salir del cuarto, ni entablar comunicación con el guardia que los vigila). Entonces, sin saber qué se espera de ellos, los candidatos (identificados tan solo por sus características físicas: rubia, morena, blanco, negro, etc.) empiezan a proponer teorías sobre el camino a seguir... y sobra decir que la cooperación degenera rápidamente en traiciones, agresión y hasta violencia, de modo que no solo está en juego el empleo, sino sus vidas mismas...

Me gusta la premisa, y definitivamente hay algunos buenos actores en el reducido elenco, pero el libreto (escrito por el director Stuart Hazeldine) avanza irregularmente entre clichés predecibles y giros incongruentes, hasta llegar a un torpe final que comete el error de introducir elementos casi fantasiosos para justificar algunas de sus más ridículas situaciones. No solo parece un taimado truco para crear sorpresa artificial, sino que arruina la experiencia del espectador que trataba de resolver el misterio al mismo tiempo que los personajes... solo para darse cuenta al final de que no había manera de resolverlo lógicamente, sino solo con las trampas del guionista. Mis disculpas si esto suena confuso, pero obviamente no deseo revelar más de lo necesario, y arruinar lo poco que ofrece esta contradictoria película. Después de todo, la tolerancia y expectativas que cada quien tenga hacia este tipo de "acertijos cerebrales" podría cambiar por completo su opinión de la obra.

A fin de cuentas puedo darle una leve recomendación a El Examen, pues si bien resulta ocasionalmente aburrido su desarrollo y frustrante su conclusión, debo admirar la audacia del planteamiento narrativo y la dirección que nunca se siente estática o repetitiva a pesar de las limitaciones de su escenario. Habiendo dicho eso, puedo recordar muchas otras películas "minimalistas" que me parecieron más interesantes, entretenidas o ingeniosas (por ejemplo, Buried, Cube y Black Water), así que definitivamente hay mejores alternativas para disfrutar esta moda cinematográfica, que desde luego es más difícil de lo que parece. Y, claro, también hay peores muestras, así que al menos debemos darle crédito a El Examen por haber logrado bastante con muy poco. Si tan sólo se hubieran esforzado más...
Calificación: 6.5

Mini Espías 4: Los Ladrones del Tiempo (Spy Kids: All the Time in the World in 4D)

2012-01-21T14:02:00.001-06:00

Las cintas Spy Kids y Spy Kids 2: Island of Lost Dreams me gustaron mucho porque capturaron el tono y sensibilidad del mejor cine infantil, travieso y subversivo pero sin caer en la vulgaridad y sin insultar la inteligencia de su público. La tercera cinta (Spy Kids 3-D: Game Over) estiró demasiado el concepto y perdió el foco en los personajes, quienes eran lo mejor de la saga; y ahora la cuarta película, Mini Espías 4: Los Ladrones del Tiempo, trata de revivir la franquicia con una nueva familia de espías, algunos viejos conocidos y un argumento potencialmente creativo que, sin embargo, no logró aprovecharse con el ingenio que yo esperaba. En resumen: parece una barata secuela directa a DVD tratando de explotar la nostalgia de las previas películas, pero sin alcanzar el mismo nivel de humor y energía.

Al principio de la cinta vemos en acción a Marissa Wilson (Jessica Alba), experta agente de la organización OSS que no se detiene ante nada para cumplir su misión... ni siquiera su avanzado embarazo. Pero cuando nace su bebé, Marissa decide abandonar la peligrosa profesión de espía para pasar más tiempo con su esposo Wilbur (Joel McHale) y sus hijastros Cecil (Mason Cook) y Rebecca (Rowan Blanchard), ninguno de los cuales conoce su emocionante pasado. Sin embargo, cuando el villano Time Keeper empieza a acelerar el tiempo para llegar más rápido al fin del mundo, Marissa es reclutada nuevamente por su jefe Danger D’Amo (Jeremy Piven) para detener la catástrofe. Y cuando los esbirros de Time Keeper atacan el hogar de la familia Wilson, los niños se dan cuenta del secreto que guarda un collar especial, y se ven obligados a ayudar en la misión con el apoyo de su perro robótico Argonauta (voz de Ricky Gervais). ¿Podrán superar sus conflictos fraternales para cooperar y salvar al mundo? ¿Y podrán perdonar a su madrastra por mentirles durante todos estos años?

Primero lo bueno: Mini Espías 4: Los Ladrones del Tiempo ofrece un buen ensamble de actores para interpretar a esta nueva familia de espías, empezando por los niños Rowan Blanchard y Mason Cook, quizás menos energéticos y vivaces que los originales, pero aún así simpáticos y espontáneos. En el papel de sus padres, Jessica Alba y Joel McHale forman buena pareja y mantienen una interacción natural y creíble, sin exagerar los momentos humorísticos ni forzar sus emociones durante las obligatorias escenas de conflicto familiar (¡Oh, no! ¡El padre trabaja mucho y no tiene tiempo para pasar con sus hijos! ¡Los niños extrañan a su madre biológica y resienten la llegada de la nueva esposa de su padre!) Generalmente no soy fan de las actuaciones de Jessica Alba, pero reconozco que por fin encontró su nicho... cine familiar construido con clichés fácilmente asimilables que no requieren actuaciones serias ni talento significativo. Parece un insulto, pero en realidad me gustó su trabajo y su buena disposición tanto para las escenas "dramáticas" como para las secuencias de acción. Sin embargo (en mi humilde opinión), quien se roba la película es el perro Argonauta, en parte por al encanto y habilidad del animalito, y en parte por la hilarante voz de Ricky Gervais, siempre listo con el comentario perfecto para acentuar el humor de la escena o para satirizar las fórmulas que recicla el libreto (sobra decir que recomiendo la versión subtitulada, y no la doblada). Tampoco diré que me hizo reír constantemente, pero en una cinta tan blanda como Mini Espías 4: Los Ladrones del Tiempo, definitivamente tiende a destacar cualquier cosa con un poco de "actitud" adicional (perdón por usar esa palabra).

Por lo demás, la cinta es básicamente lo que esperamos de la fábrica casera de Robert Rodríguez: efectos especiales de baja calidad pero alta imaginación; lecciones didácticas sobre apoyo familiar y unidad entre hermanos; y un agradecido mensaje sobre el valor de la inteligencia por encima de los "gadgets" y demás tecnología que abunda en esta saga. En cuanto a Rodríguez mismo, su dirección es tan ágil como siempre, aunque se nota un cierto desinterés en la franquicia, como si la cuarta parte fuera tan solo una cláusula en su contrato con Dimension Films, o una fuente rápida de dinero para financiar su siguiente capricho digital. De cualquier modo supongo que puedo recomendarla como casual entretenimiento familiar apto para pasar un rato agradable durante el fin de semana; pero creo que sería más divertido revisitar las primeras dos películas y apreciar lo que en aquel entonces logró Rodríguez con menos dinero, menos tecnología, y más entusiasmo. O, para el caso, también recomiendo la poco vista Shorts (del mismo director) como cine familiar exuberante y creativo que no necesita respaldo de tres previas películas para capturar nuestra atención (y nuestro dinero). Y, bueno, sobra decir que incluso con sus fallas y ocasional apatía, Mini Espías 4: Los Ladrones del Tiempo es más entretenida y coherente que The Adventures of Sharkboy and Lava Girl. Supongo que sirvió la lección y Rodríguez ya no deja que sus hijos escriban los guiones de sus películas.
Calificación: 6.5 (sería 6 sin Ricky Gervais)

La Chica del Dragón Tatuado (The Girl with the Dragon Tattoo)

2012-01-20T19:32:00.000-06:00

No sé qué tan necesario era este re-make, pero algo es cierto: eligieron al director perfecto para llevar a la pantalla el famoso libro de Stieg Larsson, cuyos sórdidos elementos podrían haber degenerado en un festín de excesos (tal como amenazan los sobre-producidos créditos iniciales); pero bajo la segura mano de David Fincher, La Chica del Dragón Tatuado mantiene un tono sobrio y controlado que lentamente incrementa la presión hasta su memorable final. Y, claro, la selección de actores fue tan buena que casi me hizo olvidar al elenco original. Casi.

La Chica del Dragón Tatuado sigue una tardía investigación sobre el asesinato de la joven Harriet Vanger (Mathilda von Essen), ocurrido a fines de los sesentas en la pequeña isla Hedeby, donde reside una familia de acaudalados industrialistas suecos. El patriarca Henrik Vanger (Christopher Plummer) lleva cuarenta años obsesionado con la desaparición de su sobrina favorita, y comisiona al reportero Mikael Blomkvist (Daniel Craig) para re-abrir la investigación y buscar pistas que la policía pudiera haber pasado por alto en aquel entonces. Blomkvist no tiene muchos deseos de aceptar el trabajo, pero finalmente decide hacerlo para distraerse de ciertos problemas legales que tuvo con un corrupto empresario que lo acusó de difamación. Y así empieza el reportero con su metódico análisis de fotografías, periódicos y entrevistas con testigos que estuvieron en la isla durante aquel fatídico día hace cuatro décadas. Paralelamente vemos las aventuras de la joven Lisbeth Salander (Rooney Mara), "hacker" antisocial con un turbulento pasado, cuya habilidad para la investigación la acerca gradualmente a la misión de Blomkvist, hasta que terminan colaborando en la búsqueda del asesino. Pero quizás encontrarán algo mucho más peligroso que la aislada desaparición de una adolescente sueca...

Como primera parte de una trilogía, La Chica del Dragón Tatuado se toma su tiempo para establecer a los personajes, no solo en sus actitudes y carácter, sino en los muy distintos entornos que los rodean; y aunque el misterio de Harriet es bastante interesante, lo mejor de la película es conocer gradualmente a Mikael y Lisbeth, contrastando sus métodos, personalidades, y las reacciones que tienen ante los descubrimientos de la investigación. Daniel Craig posee la rara habilidad de "pensar en cámara", dejándonos ver en sus ojos el movimiento de los engranes cerebrales que van conectando las pistas hasta llegar a su inevitable conclusión. Por su parte, Rooney Mara enfrenta con aplomo el difícil papel de Lisbeth Salander, y aunque el libreto del sobrevalorado Steven Zaillian altera un poco al personaje, creo que la actuación respeta lo establecido en la novela al mismo tiempo que añade la interpretación particular de la actriz, quizás un poco más suave que Noomi Rapace en la original, pero igualmente intensa y creíble. El elenco secundario también brilla hasta en las más cortas participaciones, destacando como valiosas adiciones Steven Berkoff en el papel de Dirch Frode, secretario personal de Henrik Vanger, cuya lealtad no logra disimular el desagrado de remover tragedias pasadas; y Yorick Van Wageningen como el guardián legal de Lisbeth, un papel ingrato y desagradable que el actor logra humanizar a pesar de sus horrendas acciones.

En lo que respecta a Fincher, disfruté mucho su habitual despliegue de escenas meticulosamente planeadas, pero sin extinguir la espontaneidad de las actuaciones ni la tensión de los diálogos. Para fans de la novela o la película original (como yo), advierto que hay algunos cambios sustanciales en esta nueva interpretación, pero de ninguna manera hacen la película "peor" o "mala"; simplemente distinta, y quizás en algunos casos facilitan el flujo narrativo evitando distracciones que funcionaban mejor en el libro, pero que quizás no había tiempo para cubrir en esta película, ya de por sí bastante larga. Lo cual me lleva a la posible razón por la que La Chica del Dragón Tatuado no tuvo el éxito económico que merecía; con dos horas y media de duración puede parecer demasiado lenta para quien espera un típico thriller hollywoodense lleno de acción y violencia. Admiro que Fincher posea la convicción de mostrar durante largos ratos a los personajes en pasiva reflexión, o mirando pensativamente la pantalla de su computadora... pero quizás no todas las audiencias aceptarán el reto de prestar atención a cada detalle de la investigación, y terminarán aburriéndose porque la película se niega a darnos el argumento pre-digerido para nuestra comodidad. O quizás la cinta no tuvo éxito simplemente porque ya existe una perfecta adaptación cinematográfica de esta misma historia, y mucha gente consideró redundante una nueva versión, por buena que fuera.

Como sea, creo que puedo recomendar La Chica del Dragón Tatuado pues, independientemente del libro o la cinta original, posee suficientes atributos narrativos, visuales y técnicos para garantizar el entretenimiento del espectador, siempre y cuando pueda tolerar el pausado ritmo y sistemático desarrollo de una historia fundamentada en observación y deducción, donde tenemos pequeños descubrimientos incrementales en vez de grandes escenas dramáticas culminadas por una gran revelación final. Bueno, sí existe una revelación final pero, como dije antes, lo importante es disfrutar el desarrollo y la química entre los personajes. En cuanto a las dos partes restantes de la trilogía, veremos si el éxito de La Chica del Dragón Tatuado justifica la realización de dos secuelas y, sobre todo, si Fincher decide tomar un proyecto tan ambicioso (y tan difícil, pues la estructura de ambas es más complicada que la de esta primera parte). Y en caso de que no sea así, no importa tanto, pues ya tenemos este interesante experimento para demostrar que Fincher aún puede encontrar perspectivas novedosas en un género que él mismo ayudó a crear con sus célebres obras pasadas. Después de todo, si pudo hacer Facebook interesante, no debería extrañarnos que ahora logre cautivarnos con dos horas y media de fotos viejas y amarillentos periódicos.
Calificación: 8.5

Diario de un Seductor (The Rum Diary)

2012-01-17T13:56:00.000-06:00

Allá por el año 1998 la película Fear and Loathing in Las Vegas (del legendario director Terry Gilliam) usó un exuberante estilo y surrealistas imágenes para capturar la prosa del novelista y reportero Hunter S. Thompson, interpretado con febril energía por Johnny Depp. No puedo decir realmente que sea una gran película, pero sin duda es una de mis experiencias cinematográficas favoritas (aunque a veces me da dolor de cabeza). Por esa razón mis expectativas sobre Diario de un Seductor resultaron demasiado elevadas y, en retrospectiva, fue un error esperar "Fear and Loathing 2: Puerto Rico". En vez de eso, el director Bruce Robinson (más conocido como guionista de cintas como The Killing Fields, In Dreams y Jennifer Eight) nos entrega una especie de "precuela" donde conocemos a Thompson (o al menos a su alter-ego "Paul Kemp") durante sus primeros días como reportero en tierra extraña, sumergiéndose en sus vicios y tratando de usar su voz literaria con fines humanitarios... si es que las borracheras y las chicas le dejan tiempo suficiente.

Basada en la novela semi-autobiográfica The Rum Diary, Diario de un Seductor comienza en 1960 con la llegada de Paul Kemp (Johnny Depp) a San Juan, capital de Puerto Rico, con la esperanza de obtener empleo en el periódico norteamericano local, dirigido por el irascible Sr. Lotterman (Richard Jenkins). Kemp obtiene el trabajo, no tanto por su talento, sino porque el periódico está en bancarrota y su director necesita alguien confiable que se ocupe de trivialidades diarias, como reportar torneos de boliche o escribir la sección de horóscopos. Lamentablemente Kemp no es muy confiable, y su dedicación al alcohol solo se amplifica cuando conoce a los demás empleados (y ex-empleados) del diario, incluyendo al fotógrafo Bob Sala (Michael Rispoli) y al borracho profesional Moburg (Giovanni Ribisi). Sin embargo, su instinto periodístico olfatea una buena historia cuando conoce a Hal Sanderson (Aaron Eckhart), un taimado millonario con deshonestos planes para explotar comercialmente las playas de la isla. Entonces Kemp y su tropa de ineptos se dan a la tarea de investigar el asunto, lo cual consiste en beber mucho, seducir a Chenault (Amber Heard), la novia de Sanderson, y hacer enojar al sufrido Lotterman.

Para ser honestos no conozco la novela en la que se basa la película, pero he leído suficientes escritos de Hunter S. Thompson para saber que, en efecto, tienden a ser difusos y enmarañados. En ese aspecto, supongo que Diario de un Seductor cumple su propósito, pues la trama vaga sin rumbo durante largos ratos, dividiendo su atención entre escenas inconexas y sub-tramas innecesarias. Sin embargo, la prosa de Thompson era lo suficientemente colorida y contundente para invitarnos a seguir leyendo, incluso cuando extraviaba su camino original; pero esa fascinante cualidad se perdió en esta adaptación cinematográfica, de modo que la película degenera casi de inmediato en un cansado y aburrido desfile de escenas carentes de energía o interés. Por suerte Johnny Depp saca a pasear nuevamente su confiable imitación de Hunter S. Thompson, y su habitual carisma hace parcialmente tolerables las casi dos horas de la película; y también ayuda mucho su familiaridad con el humor del finado autor, el cual le permite decir con hilarante seriedad frases como "Su cabeza se atravesó en el camino de nuestras flamas".

Por lo demás, la cinta es visualmente atractiva, capturando la exótica atmósfera de la isla (aunque las peleas de gallos me agriaron bastante la experiencia) junto con la textura visual del cine sesentero. Y, bueno, a riesgo de parecer sexista, debo incluir como parte del atractivo la presencia de la guapa Amber Heard en un papel que no me queda claro si es un simple objeto sexual para satisfacer las fantasías autobiográficas de Thompson, o si pretende ser una exageración satírica de la clásica "mujer fatal", invariablemente peligrosa, llena de secretos, y siempre atraída por el "chico malo", ya sea un perverso millonario o un reportero alcohólico fácilmente manipulable (si bien confieso que no me preocupó definirla cuando la vemos bailando seductoramente durante el Carnaval de San Juan).

Entonces, no sabría cómo evaluar Diario de un Seductor (no por su título en español, seguramente). Como comedia tiene algunos buenos momentos, pero globalmente no es muy graciosa; como romance es totalmente inverosímil; y como "thriller tropical" (por llamarle de algún modo) carece de suspenso, coherencia o una estructura que sepa explotar la lucha del reportero rebelde contra el corrupto empresario. Y aún si tomáramos todos esos elementos como simples adornos de una biografía sincera y personal, tampoco encontré suficiente introspección en la personalidad de Thompson (perdón, "Kemp") para salir del cine con un mejor entendimiento de este controversial escritor. Solo queda entonces clasificarla como un capricho artístico de Johnny Depp para honrar la memoria del escritor, quien aparentemente fue su amigo antes de su suicidio en el 2005. Quizás este experimento pueda resultar interesante para fanáticos incondicionales de Depp o para estudiosos de Hunter S. Thompson; pero para audiencias casuales será probablemente una tediosa decepción parcialmente redimida por el carisma de su actor principal y por algunas risas bien ganadas por el elenco secundario. O tal vez el secreto sea verla en un estado de intoxicación similar al de los personajes; quizás así realmente parezca "Fear and Loathing 2: Funny Spanish"; pero prefiero quedarme con la duda.
Calificación: 6

Vengador Anónimo (Seeking Justice)

2012-01-16T18:24:00.000-06:00

No tenía intención de ver Vengador Anónimo, pero por azar me encontré cerca del cine con un par de horas libres y en el momento correcto, así que decidí arriesgarme... ¿qué tan mala podría ser? La publicidad y el título sugerían un típico relato de venganza personal en el más puro estilo del cine B, y además aparece en ella Nicolas Cage, quien es un buen actor cuando quiere... aunque resulta más divertido cuando no quiere. Para mi sorpresa, la película desafió mis bajas expectativas con un argumento más ambicioso de lo esperado, y aunque eventualmente se enreda demasiado para su propio bien, rara vez me pareció aburrida o predecible. Digamos que de todos modos me decepcionó, pero no como yo pensaba.

Al principio de Vengador Anónimo conocemos a Will Gerard (Nicolas Cage) y su esposa Laura (January Jones). Él es profesor de literatura y ella toca el violonchelo en una orquesta sinfónica de Nueva Orleans. La vida del matrimonio parece perfecta... hasta que Laura es brutalmente violada al salir de un concierto. Mientras la traumatizada mujer se recupera en el hospital, un misterioso individuo llamado Simon (Guy Pearce) le pregunta a Will si le gustaría que alguien matara al hombre que violó a su esposa. A cambio, Will le deberá un favor a Simon. El abrumado esposo acepta la extraña proposición, y unas horas después recibe confirmación de que el violador está muerto. Seis meses después Laura está recuperándose del trauma y sus vidas parecen volver a la normalidad; y entonces aparece Simon exigiendo a Will el favor prometido, el cual, obviamente, consiste en matar a otro criminal que ha evadido la ley. ¿Logrará este simple maestro de escuela cumplir su parte del trato? Y, ¿cuál es el auténtico propósito de Simon y la siniestra organización que representa?

El concepto me pareció muy interesante... una especie de thriller híbrido, construido con partes de Fight Club, Straw Dogs y Strangers on a Train. La mezcla funciona bastante bien hasta la mitad de la película, cuando entramos a terrenos conspiratorios que rápidamente se vuelven confusos, inverosímiles y hasta ridículos (¿de qué lado está el policía interpretado por Xander Berkeley? No tengo idea) Sin embargo, el director Roger Donaldson (técnicamente competente pero carente de visión personal) mantiene un ritmo ágil que nos impide cuestionar más de la cuenta las incongruencias del libreto y nos invita a aceptar las aventuras del protagonista, lo cual no es difícil, pues Nicolas Cage muestra sorprendente moderación y disciplina en su interpretación de un hombre normal atrapado en circunstancias extraordinarias. No diré que sea una gran actuación, pero aprecio que no se comporte como un maniático escapado del manicomio en todas las escenas (solo en algunas). January Jones cubre eficientemente su ingrato papel de esposa atormentada, mientras que Guy Pearce exuda suficiente misterio para confundirnos sobre sus auténticas motivaciones.

Entonces podríamos decir que el libreto de Vengador Anónimo es simultáneamente lo mejor de la película y su principal obstáculo, pues comienza con una sólida idea, la desarrolla bien durante un rato, pero pierde el rumbo y el foco narrativo durante su segunda mitad, hasta llegar a un final flojo y demasiado conveniente... en el Superdome de Nueva Orleans (no pregunten). En cuanto a la acción, hay un par de modestos stunts, peleas y persecuciones cuya relativa simplicidad traicionan su bajo presupuesto (aunque me gustó la escena de "suspenso gramatical"). En lo personal no me importó esta falta de espectáculo, pero supongo que podría molestar a quienes esperaban una película más "Hollywood".

De cualquier modo puedo recomendar Vengador Anónimo, no necesariamente en el cine, sino como casual entretenimiento en TV, Netflix o cualquier otra forma de distribución digital que no exija mucho dinero o esfuerzo. Por otro lado, si quieren ver mejores películas sobre venganza, sugiero buscar Oldboy, I Spit on Your Grave (para el ángulo femenino de una trama similar) o, ¿por qué no? la clásica Death Wish, también titulada "Vengador Anónimo" en español (aunque nada tenga que ver una con la otra). Honestamente creo que esta historia hubiera funcionado mejor como una barata producción directa a DVD enfocada en el suspenso y las actuaciones; o tal vez como una gran “película evento” luciendo costosas secuencias de acción. Pero bueno... esta versión intermedia resultó mejor de lo que esperaba, y sin duda pudo ser mucho peor, así que tuvimos suerte. Con Nicolas Cage es difícil predecir estas cosas.
Calificación: 6.5

Caballo de Guerra (War Horse)

2012-01-15T14:12:00.001-06:00

Me gustan mucho los animales, y por eso desde niño me interesaban todos los libros y películas sobre aventuras cuadrúpedas, aladas y acuáticas, las cuales (viéndolo en retrospectiva) estaban generalmente construidas con las mismas fórmulas y clichés. Creo que ese considerable "equipaje emocional" acumulado a lo largo de varias décadas me impidió disfrutar Caballo de Guerra tanto como lo merecería su inspiradora historia y asombrosa manufactura, que emula por igual los épicos "westerns" de John Ford, los elegantes dramas de Victor Fleming y los melodramas bélicos de Howard Hawks.

La trama de Caballo de Guerra comienza con el nacimiento de Joey (interpretado por Finder y otros 13 caballos), el protagonista equino que seguiremos durante varios años, desde su entrenamiento como animal de tiro en la granja de la familia Narracott, donde forma un fuerte lazo con el joven Albert (Jeremy Irvine); hasta sus azarosas aventuras durante la Primera Guerra Mundial, donde vivió los horrores del combate en ambos lados del conflicto. Al mismo tiempo vemos cómo Albert se enlista en el ejército para intentar reunirse con su caballo, y descubre que la vida en el campo de batalla es muy distinta a la de la granja.

Como pocos directores, Steven Spielberg sabe "oprimir los botones" de la audiencia, provocando sin dificultad alguna las apropiadas reacciones emocionales que elevan la historia y nos permiten sumergirnos en las aventuras de sus personajes. Sin embargo, con un relato tan obviamente manipulador como Caballo de Guerra, el talento de Spielberg se vuelve un poco redundante y, en mi humilde opinión, nos satura rápidamente con escenas y situaciones diseñadas para conmovernos a pesar de sentirse un poco forzadas y convenientes. En otras palabras: por empeñarse tanto en hacernos llorar, el director a veces produce el efecto contrario. O tal vez fue simplemente que mi cinismo de multiplicó como mecanismo de defensa contra el embate sentimental de la película. No sé... ustedes decidan.

Lo que definitivamente me dejó impresionado fue la impecable producción de Caballo de Guerra. El legendario cinematógrafo Janusz Kaminski (colaborando por decimotercera vez con Spielberg) se esmera por lograr que cada cuadro sea un primoroso paisaje pastoral, o un dramático retrato del atractivo elenco (incluyendo a Joey), o una dinámica composición militar rebosante de energía y detalle histórico. Y desde luego debo aplaudir el trabajo del estudio Framestore en las épicas escenas de acción que duplican la escala e intensidad de Saving Private Ryan (sin sangre, por supuesto... Caballo de Guerra es estrictamente PG-13), pero en el más primitivo y visceral entorno de la Primera Guerra Mundial. Y aunque los caballos digitales no siempre logran engañarnos, me alegra que hayan empleado esa técnica para evitar poner en riesgo animales reales durante los más extremos momentos de acción o crueldad. Además, mención honorífica para el estudio Neil Corbould SFX por su caballo animatrónico, absolutamente indistinguible de su contraparte orgánica.

Entonces, volviendo a mi punto inicial, la trama me pareció un poco floja, afectada y predecible; y con más de dos horas de duración, podemos esperar algunos pasajes lentos o repetitivos. El drama humano no funciona tan bien como debería y se ve opacado por el que se desarrolla entre los caballos (aunque podría ser una decisión intencional del director). Sin embargo, para niños y jóvenes que no conocieron aquellas "aventuras del mundo natural" producidas por Disney o Coronet Films en los sesentas y setentas, Caballo de Guerra será una impresionante sorpresa (quizás demasiado impresionante para niños pequeños) llena de aventuras, emoción y ciertamente tristeza por el maltrato de los animales durante tiempos de guerra (por si no bastara el maltrato en circunstancias "normales"). En el contexto de la filmografía de Steven Spielberg me pareció buena, pero muy distante de su mejor trabajo. No obstante, amerita una recomendación no solo por sus altos valores de producción y considerable nivel de entretenimiento, sino como argumento para reforzar mi preferencia por los animales sobre las personas. Como si necesitara más razones...
Calificación: 8

Tenemos que Hablar de Kevin (We Need to Talk About Kevin)

2012-01-14T13:03:00.002-06:00

Tenía cierta idea sobre el argumento de Tenemos que Hablar de Kevin, pero lo que no esperaba es el increíble estilo narrativo empleado por la directora Lynne Ramsay para contar esta historia sobre una familia cuya aparente normalidad esconde profundas y peligrosas vetas de disfunción que eventualmente terminan en tragedia. Tanto por su tema como por su ritmo podría decirse que Tenemos que Hablar de Kevin ofrece una perspectiva complementaria de la cinta Elephant (de Gus Van Sant), pero al mismo tiempo me recordó la ultra-realista sensibilidad de Ken Loach, donde hasta los momentos más prosaicos toman alto peso emocional cuando terminamos de armar las piezas del rompecabezas dramático que poco a poco nos entrega el director (o directora). En ese sentido me pareció una obra sobresaliente, aunque definitivamente no es el tipo de experiencia que ofrece simple entretenimiento, sino una sensación de dolor y sorpresa difícil de olvidar.

El argumento de Tenemos que Hablar de Kevin (basado en una novela de Lionel Shriver) nos relata en forma no lineal la vida de la familia Khatchadourian, desde el nacimiento de su hijo Kevin (interpretado por Jasper Newell de niño y Ezra Miller como adolescente) hasta el presente, cuando el joven está encarcelado por algún horrible crimen, y su madre Eva (Tilda Swinton) sufre los reproches de la sociedad que la considera responsable por los actos de su hijo. Y así, como espías atemporales, presenciamos aquellos momentos familiares que por sí mismos no parecen tener mucha relevancia, aunque en conjunto revelan la transformación de un "niño problema" en un adolescente agresivo con funesto potencial de violencia. ¿Es culpa de la madre? ¿O fue ella tan solo otra víctima de un individuo cruel y manipulador?

A veces me dan desconfianza las películas con una estructura caprichosa que saltan hacia adelante y atrás en el tiempo, pero en este caso la forma contribuye poderosamente al fondo, armando la historia de manera casual hasta que nos abruma con la enormidad de lo que estamos presenciando. Además, el título de la cinta se vuelve arteramente irónico cuando consideramos que Tenemos que Hablar de Kevin tiene pocos diálogos, y sus más intensas escenas son mudas pero repletas de significado en simples miradas, expresiones y lenguaje corporal. Rara vez podremos ver una obra tan magníficamente dirigida, donde cada escena aporta un nuevo ángulo a la trama, y no hay elemento que se haya ignorado como herramienta de la narrativa global. Lo cual, desde luego, incluye la ecléctica banda sonora, integrada por canciones que a veces contrastan fuertemente con las imágenes que acompañan, causando una respuesta visceral; mientras que en otras ocasiones funcionan como irónicos acentos que establecen perfectamente el melancólico tono de la cinta.

Sin embargo, la piedra puntal de la película es Tilda Swinton, en una de las mejores actuaciones de su carrera (lo cual ya es decir bastante). Este es el tipo de actuación que realmente captura al espectador, pues de algún modo nos transmite la turbulencia interna del personaje en su aparentemente impasible rostro y calmada actitud. Los demás actores son también sobresalientes (en particular los niños y adolescentes que interpretan a los hijos), pero la cinta es definitivamente de Swinton y, en mi humilde opinión, la pondría en el elevado nicho que el año pasado ocupó Natalie Portman en Black Swan. Simplemente no había visto una mejor actuación femenina (o masculina, para el caso) desde entonces. Obviamente todos estos halagos justifican una entusiasta recomendación para Tenemos que Hablar de Kevin, aunque advierto de nuevo que no es una película fácil ni divertida; no es uno de esos dramas catárticos que nos hacen llorar un poco y nos dejan satisfechos al salir del cine; por el contrario, incluso podría ser algo deprimente por mostrar una faceta de la sociedad cuya existencia conocemos pero preferimos ignorar. En resumen, una extraordinaria película que no quiero volver a ver jamás, a menos que sea en "clips" cuando Swinton gane el Óscar.
Calificación: 10

La Última Noche de la Humanidad (The Darkest Hour)

2012-01-13T19:00:00.000-06:00

La nueva película La Última Noche de la Humanidad me pareció notablemente mala, pero debo reconocer esto: su mera existencia hace que otros recientes relatos sobre invasiones extraterrestres parezcan buenos en comparación. Y si bien eso no es razón suficiente para verla, al menos sirve como triste consuelo para quienes desperdiciamos hora y media en esta farsa carente de suspenso, originalidad o ingenio.

La trama sigue a dos programadores norteamericanos de visita en Moscú para finalizar un importante negocio, el cual falla estrepitosamente. Para curar su depresión, ambos jóvenes deciden asistir a un club nocturno, donde conocen a dos guapas turistas con las que entablan amistad de inmediato (aunque sea porque hablan el mismo idioma). Pero cuando apenas empieza la diversión hay un corte eléctrico, aparentemente provocado por un extraño fenómeno electromagnético en el cielo sobre Moscú... el cual resulta ser preámbulo de una invasión de etéreas criaturas extraterrestres semi-invisibles que proceden a desintegrar humanos a diestra y siniestra. Los cuatro jóvenes logran refugiarse en el fondo del club, y cuando finalmente emergen varios días después, encuentran la ciudad desierta y ocasionalmente patrullada por los invisibles invasores, a quienes solo pueden detectar por las perturbaciones eléctricas que generan a su paso. Entonces, sin conocer el rostro del enemigo, y extraviados en una ciudad extraña, el cuarteto (junto con otros esporádicos sobrevivientes) tratarán de escapar a algún lugar seguro. Pero... ¿acaso quedará algún lugar seguro en este mundo invadido?

Quizás en manos de un cineasta más talentoso el concepto de los aliens invisibles tendría mayor potencial, pero el director Chris Gorak (dando un gran paso atrás después de la sólida Right at Your Door) parece usarlo como excusa para ahorrar dinero en efectos especiales. Y, aceptémoslo, los efectos especiales tienden a ser el único elemento rescatable en muchas películas de este tipo (ejemplo reciente: Skyline). Entonces, sin muchos adornos visuales ni personajes interesantes, o siquiera un argumento inteligente, La Última Noche de la Humanidad nos deja a la deriva en su lerda narrativa sin algo a lo que pudiéramos aferrarnos para mantener nuestra atención.

Para empeorar las cosas, los protagonistas son huecos y previsiblemente antipáticos (¿se supone que debemos preocuparnos por ellos solo porque son norteamericanos perdidos en Rusia?), por no mencionar estúpidos, cosa que sus diálogos confirman repetidamente ("Los invasores vienen con un plan" "Sí... ¿y cuál es el nuestro?") Los esfuerzos de los guionistas (¿tomó tres personas escribir esto?) por explotar la naturaleza electromagnética de los aliens bordean en lo ridículo, o contradicen sus propias reglas (creo que debieron investigar mejor los límites de una "jaula de Faraday"), o simplemente conducen a escenas de acción forzadas y carentes de energía. Y, para colmo, el final de la película se siente como un apresurado intento por atar cabos sueltos, pero sin ofrecer una resolución concreta y satisfactoria que pudiera dar significado a los previos noventa minutos.

No veo razón alguna para recomendar esta tediosa película, excepto quizás para estudiosos del género "invasión extraterrestre" que estén cansados de usar la cinta Battle of Los Angeles (no confundir con Battle: Los Angeles) como ejemplo de lo que NO debe hacerse en este tipo de cine. Felicidades, ya tienen un nuevo espécimen para analizar. Y quizás La Última Noche de la Humanidad tenga atractivo parcial para los fans de las películas post-apocalípticas, pues nos muestra algunas desoladoras vistas de Moscú desierta, con interminables filas de automóviles abandonados y pequeños montones de polvo como único rastro de sus previos conductores. Pero por lo demás sugiero evitarla a toda costa, y en su lugar propongo buscar alguna de las abundantes películas (o series de televisión) sobre el mismo tema, muchas de las cuales son igualmente insulsas, pero con suficientes adornos visuales para disfrazar sus limitaciones narrativas y mantenernos entretenidos (no es la solución perfecta, pero bueno...) O, mejor aún, podríamos ver Attack the Block para disfrutar una invasión extraterrestre genuinamente original y divertida, con aliens que sí dan miedo. Lo único atemorizante de La Última Noche de la Humanidad es que alguien espere que paguemos por verla.
Calificación: 4

The Scorpion King 3: Battle for Redemption

2012-01-12T14:38:00.002-06:00

La original The Scorpion King me pareció un dinámico y divertido homenaje del cine "peplum" elevado por sólida dirección (de Chuck Russell), buenos momentos de acción y el carisma de su actor principal. Y aunque no fue tan popular como la trilogía de The Mummy (donde originalmente vimos al "Rey Escorpión"), el estudio Universal Pictures justificó en el 2008 la realización de una mediocre secuela directa a DVD dirigida por el veterano Russell Mulcahy, que fue generalmente repudiada por su confusa historia y terribles efectos especiales (aunque aún recuerdo con afecto el "invisible" escorpión gigante). Por eso fue una sorpresa descubrir que algún ejecutivo consideró buena idea hacer una tercera parte, titulada The Scorpion King 3: Battle for Redemption, la cual debería ser a toda ley horrible e innecesaria... y sin embargo me pareció bastante divertida gracias a su ingenioso libreto, sólida acción y exóticas locaciones que le dan un atmósfera genuinamente "mágica" y misteriosa. ¿Quién lo hubiera sabido?

El argumento de The Scorpion King 3: Battle for Redemption comienza con una grave narración que nos relata la caída de Mathayus (Victor Webster), el Rey Escorpión que perdió su reino y sus ganas de vivir cuando falleció su reina hechicera (Kelly Hu, a quien solo vemos en “flashbacks“ reciclados de The Scorpion King). Entonces, abatido y sin razón para vivir, Mathayus decide convertirse en guerrero mercenario, vendiendo sus servicios al mejor postor. Su más reciente "cliente" es el Rey Horus (Ron Perlman), preocupado por el avance de un ejército enemigo dirigido por su maniático hermano Talus (Billy Zane), quien busca desesperadamente un libro mágico que le dará control sobre un trío de guerreros sobrenaturales, haciendo su ejército invencible. Entonces Mathayus comienza su misión con ayuda del torpe pero poderoso guerrero Olaf (Bostin Christopher), primero tratando de apoderarse del libro antes de que lo encuentre Talus, y luego organizando el rescate de la Princesa Silda (Krystal Vee), poseedora de un amuleto mágico que es indispensable para liberar a los guerreros sobrenaturales. Mientras tanto, un rebelde llamado Cobra trata de combatir a todos estos invasores de su territorio...

Como puede verse, el libreto de The Scorpion King 3: Battle for Redemption tiene material suficiente para otras dos secuelas, y su principal defecto es que introduce demasiados elementos en casi dos horas de duración, haciéndola a veces cansada y aburrida. El director Roel Reiné tiene amplia experiencia en cine B (incluyendo Death Race 2, otra competente secuela directa a DVD) y debería saber que este tipo de películas funcionan mejor entre más ágiles sean, para mantener la atención del espectador y evitar que empecemos a cuestionar sus abundantes inconsistencias (por ejemplo... ¿dónde diablos se ubica la historia? El Rey Horus tiene nombre egipcio pero parece europeo, sus guardias tienen cierto aire del medio oriente, el ejército de Talus usa cascos de centurión romano, ¡y también hay ninjas!) Pero bueno... a pesar de este argumento sobre-saturado, debo decir que la narrativa está razonablemente bien estructurada con un flujo intuitivo entre escena y escena, de modo que casi siempre sabemos lo que está pasando, y entendemos la motivación y relación entre los numerosos personajes. Esto suena como un requerimiento básico en cualquier película pero, como bien sabemos, el "cine B" trabaja con reglas distintas, así que vale la pena mencionar cuando el director logra mantener el control de su narrativa.

Los actores también hacen lo suyo, reemplazando talento histriónico con abundante personalidad y buen sentido del humor. Generalmente encuentro irritantes los "sidekicks” chistosos, pero en esta ocasión me encontré sonriendo con los parlamentos de Olaf y su elocuente interacción con el protagonista. En lo que se refiere a la acción, hay interesantes despliegues de artes marciales (¿mencioné los ninjas?) así como épicas batallas con vistosos uniformes, cientos de extras reales (personas de verdad en vez de modelos digitales), ¡y hasta elefantes! Lo cual me lleva a aplaudir la decisión de filmar en Tailandia, donde los simples paisajes selváticos, ruinas y templos budistas ofrecen un entorno fascinante y totalmente distinto de los escenarios de yeso y cartón que estamos acostumbrados a ver en otras modestas cintas directas a DVD rodadas en Canadá o Checoslovaquia. También me gustó la ausencia de efectos digitales hasta que son realmente necesarios cerca del final, cuando aparecen los guerreros sobrenaturales; y aún ahí los trucos computarizados se mantienen como adornos sutiles, en vez de robar la atención con monstruos mediocres o excesivos "glows" (como ocurrió en The Scorpion King 2: Rise of a Warrior). Por otro lado, me hubiera gustado ver más "gore" en las mencionadas batallas; ¿de qué sirve tanto juego de espadas cuando las decapitaciones ocurren fuera de cámara?

Entonces, la combinación de mis bajas expectativas con los altos valores de producción de The Scorpion King 3: Battle for Redemption (por no mencionar su simpático sentido del humor) me invitan a darle una cauta recomendación para fans del cine de acción que puedan tolerar dudosas actuaciones y ocasional aburrimiento a cambio de una buena historia, competentes peleas y épicas batallas que desafían el modesto presupuesto de la película (alrededor de seis millones de dólares, según el comentario del director). Claro que mi recomendación solo es válida para fans del cine B que sepan evaluar las fallas y aciertos de una película en el contexto apropiado de su nicho cultural; The Scorpion King 3: Battle for Redemption me pareció una buena secuela directa a DVD, y nada más. Esperar otra cosa será invitar la desilusión; y para eso ya hay bastantes obras que justifican la mala reputación de este sub-género. En otras palabras, esperemos que Uwe Boll nunca se acerque a esta franquicia.
Calificación: 7

Solos en la Oscuridad (Secuestrados - Kidnapped)

2012-01-09T13:46:00.001-06:00

Hay algunos temas recurrentes en el cine de terror que no me molesta ver una y otra vez, como el asesino "slasher", la casa embrujada o el monstruo mutante. No digo que me gusten todas las cintas de este tipo, pero ciertamente encuentro sus fórmulas fundamentalmente divertidas. Sin embargo, no me ocurre lo mismo con películas sobre "invasión doméstica" (como Funny Games o The Strangers), quizás porque usualmente carecen de historia. O, mejor dicho, la situación es la historia, de modo que podemos esperar un ritmo lento, un desarrollo predecible y muy pocas variaciones, a menos que el director en turno decida arrojar un giro sorpresivo o un desenlace ingenioso que desafíe nuestras expectativas.

La cinta española Solos en la Oscuridad (título original: Secuestrados, y conocida internacionalmente como Kidnapped) no desafía expectativas, aunque realiza eficientemente su misión, presentando con gran realismo y crudeza la invasión de una casa y el secuestro de una adinerada familia a manos de un grupo de criminales encapuchados. Está bien dirigida, bien actuada, y su económica estructura nos muestra los hechos en tiempo real, con un mínimo de cortes, lo cual eleva el suspenso e incrementa la sensación de angustia. Y eso es todo... ochenta minutos de gritos, amenazas y violencia. La experiencia es sin duda impactante y perturbadora, pero por la ausencia de un arco narrativo interesante o personajes bien definidos terminó aburriéndome a pesar de sus considerables logros.

Desde luego esa es tan solo mi opinión personal. Sin duda habrá gente que aprecie más el horror de la situación que refleja, y el tal vez el suspenso bastará para sostener su atención durante la película entera. Pero, por mi parte, no pude evitar pensar en obras de trama similar que tuvieron la suerte de contar con un libreto más ambicioso, o una ejecución más creativa (como ejemplos podría señalar el reciente re-make de Mother's Day, la británica The Disappearance of Alice Creed o incluso la francesa A l'interieur). Habiendo dicho eso, aclaro que Solos en la Oscuridad no cae dentro del género de la "porno-tortura", pues si bien hay bastante sangre y abundante crueldad, su tono es totalmente distinto, más bien serio y hasta "artístico".

Entonces, no hay nada intrínsecamente malo en esta película (con la posible excepción de una paliza estilo Irreversible que se arruina por deficientes efectos especiales); simplemente digo que no me gustan las historias de este tipo, a menos que tengan una dimensión adicional que las eleve de su monótono nicho. O, en otras palabras, no encuentro entretenido ver el sufrimiento continuo de personajes desechables a menos que haya un propósito dramático específico, o un mensaje, o al menos que sirva como preámbulo de un relato más amplio (bastaría incluso con un simple relato de venganza, al estilo de I Spit on Your Grave). Aún así, tratando de ser objetivo, debo darle una recomendación a Solos en la Oscuridad porque cumple su propósito de aterrarnos con una horrible situación, al mismo tiempo que nos inquieta con la tácita pregunta "¿Qué haría yo en esa situación?" No obstante, siento que eso no basta para hacer una buena película; cuando mucho será una experiencia intensa que nos deja un mal sabor para el resto del día, sin ofrecer sólida satisfacción narrativa. Si el lector considera que eso será una agradable velada de cine, perfecto; ojalá la disfruten (aunque "disfrutar" no sea la palabra exacta). Francamente yo prefiero la menos artística pero más entretenida fantasía de Jason Voorhees o Chromeskull.
Calificación: 7

Siempre el Mismo Día (One Day)

2012-01-08T13:34:00.002-06:00

Después de la excelente película An Education, la directora danesa Lone Scherfig debe haber recibido cientos de ofertas para trabajar en Hollywood haciendo comedias románticas. Y aunque no cedió a esa (hipotética) tentación, la publicidad de su nueva película Siempre el Mismo Día parece empeñada en hacernos creer otra cosa; de hecho, quien vea el póster o trailer seguramente pensará que se trata de otra vacía historia de amor, como las que hemos visto decenas de veces (literalmente). Sin embargo, la realidad es muy distinta... aunque eso tampoco significa que sea una buena película.

La trama de Siempre el Mismo Día sigue la relación entre Dexter (Jim Sturgess) y Emma (Anne Hathaway) a lo largo de dos décadas, pero dejándonos ver únicamente un día de cada año (julio 15, para ser exactos). En su época universitaria (1988) Emma y Dexter compartieron una noche de pasión, y aunque no se transformó en romance, sirvió como inicio de una duradera amistad; y así, año tras año, vemos cómo cada uno sigue su vida por separado con las habituales alegrías y dolores de la vida adulta, desde tragedias familiares y problemas laborales hasta infidelidades de sus respectivas parejas. ¿Será posible que después de tantos años la amistad se transforme en otra cosa?

Después de todo sí suena como una comedia romántica, pero Scherfig aspira a mostrar una visión más realista de las relaciones modernas, libre de romance idealizado, conflictos forzados o aquellos típicos "grandes gestos" con los que todo se resuelve en películas más simples. Por el contrario, Siempre el Mismo Día se esfuerza por mostrarnos los momentos menos glamorosos de esa larga amistad, incluyendo las peleas, las pequeñas traiciones y las reconciliaciones que dan textura a una relación que trasciende el simple romance. En ese aspecto podríamos considerar la película como un "estudio de carácter" centrado en dos personas falibles e imperfectas, pero de algún modo compatibles en un nivel más profundo. Y, claro, con actores tan sólidos como Jim Sturgess y Anne Hathaway en los papeles principales, es fácil aceptar sus actitudes y sumergirnos en sus vidas.

Sin embargo la historia es tan "realista" que podríamos llamarla “prosaica”, y honestamente no me pareció muy interesante, sobre todo cuando la vemos solo en atisbos ocasionales. En otras palabras, cuando las cosas empiezan a ponerse interesantes... mala suerte; ya pasó un año y todo es diferente. Y si bien me gusta que los personajes sean marginalmente originales y se rehúsen a seguir los estándares del cine romántico, tampoco me parecieron muy agradables. Dexter se comporta frecuentemente como un odioso patán, mientras que Emma es tan insegura que termina irritando con sus malas decisiones y falta de dirección. Y mejor no diré nada sobre una inesperada revelación que parece el truco de un guionista temeroso de no alcanzar un nivel emocional satisfactorio para el espectador. Ese final parecerá honesto y catártico para algunas personas, mientras que otras lo sentirán frustrante e innecesario. Por mi parte, ni siquiera me importó lo suficiente para decidirme por una de esas posturas (conviene aclarar, como siempre, que no soy una persona particularmente "romántica", y por lo tanto tiendo a ver este tipo de películas con la frialdad de un robot y la sensibilidad de un troglodita, así que es tal vez no supe apreciar la veta sentimental que yace al centro de la historia).

Entonces, solo recomendaría Siempre el Mismo Día para devotos de la guapa Anne Hathaway y para curiosos interesados en ver un drama honesto (pero no muy interesante) que desafía expectativas y no encaja fácilmente en los variados nichos de la cine romántico. En cuanto a Lone Scherfig, me sigue gustando su sobrio estilo narrativo y buen ojo para el "casting"; lástima que en esta ocasión le falló el material (basado en una popular novela de David Nicholls, quien también se encargó del libreto), y no alcanzó ni la audacia temática ni la profundidad narrativa de la mencionada An Education. Ni hablar; quizás tendrá más suerte otro día.
Calificación: 6.5

Presas del Diablo (The Ward)

2012-01-07T10:00:00.000-06:00

Nota: Por fin se estrena en México la nueva película de John Carpenter (con un título que nada tiene que ver con su argumento), así que publico nuevamente la crítica para comodidad de los lectores.

A estas alturas ya no debería sorprenderme la desilusión de ver a mis antiguos héroes cinematográficos realizando películas mediocres que en nada se acercan a sus originales glorias. Por otro lado, quizás sea injusto esperar genialidad en todo lo que hagan, sobre todo considerando que son personas normales, muchos de ellos rondando su séptima década, y quizás algo cansados de una industria que ha cambiado sustancialmente en los últimos treinta años. Entonces, en aras de la objetividad, trataré de olvidar que la nueva cinta The Ward fue dirigida por el legendario John Carpenter, para evaluarla como cualquier otra cinta de terror directa a DVD. No prometo lograrlo, pero haré lo posible.

Al principio de la cinta encontramos a la perturbada joven Kristen (Amber Heard) incendiando intencionalmente una casa abandonada en mitad del campo; dos policías la sorprenden y, dándose cuenta de su frágil estado mental, deciden llevarla a un hospital psiquiátrico cercano, donde es internada para observación y diagnóstico. Pero desde la primera noche Kristen descubre una presencia sobrenatural rondando por el ala del edificio que comparte con otras cuatro muchachas similarmente trastornadas. Y, cuando no están peleándose por cualquier cosa o bailando a ritmo de “doo-wop”, las pacientes tienen suficiente libertad para buscar problemas con el personal que las cuida, o para husmear en los viejos archivos del hospital. Así es como como Kristen empieza a investigar el siniestro pasado del edificio, donde encuentra secretos que los doctores y enfermeras tratan de ocultar.

The Ward se desarrolla predeciblemente, distribuyendo a lo largo de sus noventa minutos los obligatorios sobresaltos y muertes violentas que esperamos ver en este tipo de películas. Sin embargo el énfasis no está en el "gore", sino en la atmósfera de amenaza que flota sobre los fríos corredores del hospital; en ese aspecto la película funciona razonablemente bien, pues conforme empeora la situación se incrementa el suspenso, y podemos compartir la creciente paranoia de Kirsten, atrapada entre personas inestables en las que no puede confiar. Sin embargo, el libreto se mantiene ambiguo sobre el aspecto sobrenatural, de modo que nunca estamos seguros si la joven está en la pista correcta, o si solo es víctima de alucinaciones; después de todo, está en un hospital psiquiátrico con buena razón. Esa incertidumbre hace un poco más interesante la genérica fórmula de The Ward, aportando una dimensión adicional a la receta de "fantasma vengativo" (un fantasma que, por cierto, es suficientemente tangible para recibir heridas de armas punzocortantes).

Por el lado negativo tenemos actuaciones forzadas y demasiado exageradas. Amber Heard me parece una actriz competente, capaz de abordar papeles muy distintos (desde la rebelde vengadora en Drive Angry hasta la "hija simulada" en The Joneses); sin embargo sus desmesurados gritos y excesivas reacciones en The Ward se sienten fuera de lugar, como si quisiera reemplazar con ruido las inexistentes emociones que debería expresar su personaje. Y lo mismo aplica a Danielle Panabaker (la chica seductora), Lyndsy Fonseca (la intelectual, con todo y lentes), Laura Leigh (la tímida) y Mamie Gummer (la agresiva). Aunque debo decir que las actuaciones mejoran conforme avanza la película, lo cual me hace pensar que les faltó tiempo de ensayo a las actrices para "encontrar" sus respectivos personajes y sentirse más cómodas en sus interpretaciones. Supongo que es un problema común en el cine independiente de bajo presupuesto.

No hay mucha innovación en The Ward, pero su ágil ritmo y buen manejo del suspenso (por no mencionar la inesperada revelación final) ayudan a compensar las irregularidades narrativas y las variables actuaciones. De hecho, creo que me hubiera gustado más si no usara tantos ridículos sobresaltos y música estruendosa para "asustarnos", ya que el misterio central y la dirección de Carpenter bastan para mantener el interés y envolvernos en su angustiante atmósfera. Entonces, puedo recomendarla como una decente película directa a DVD, ligeramente por arriba del promedio, pero muy por debajo de obras recientes como The Loved Ones, Stake Land o Monsters, que son genuinas herederas y redentoras del humilde horror independiente. Alguna vez John Carpenter formó parte de un movimiento similar... ahora simplemente se entretiene probando las fórmulas de sus discípulos. Ojalá The Ward haya sido más satisfactoria para él que para los que decidimos verla.

Calificación: 6.5

J. Edgar

2012-01-06T15:32:00.000-06:00

Regresando al terreno de las biografías que no visitaba desde Bird (hace casi veinticinco años), el director Clint Eastwood enfoca ahora su atención en un sujeto ciertamente fascinante, alrededor del cual flota una difusa nube de leyendas urbanas que amerita ser disipada: John Edgar Hoover, director del F.B.I. desde 1924 hasta 1972 (de hecho se podría decir que fue su fundador, pues el “Buró de Investigación“ era en aquel entonces una rama menor del Departamento de Justicia), quien es más recordado por su legendaria paranoia y su rumorada homosexualidad que por sus genuinos logros. La película J. Edgar trata de mostrarnos las múltiples facetas de este enigmático personaje, pero en su esfuerzo por alejarse del morbo y el escándalo termina siendo demasiado blanda y fría para realmente capturarnos con su difusa narrativa.

La trama de J. Edgar abarca las décadas del reinado de Hoover (Leonardo DiCaprio) como director del F.B.I., mostrándonos sus enfrentamientos con miembros de la política (como Robert Kennedy, hilarantemente interpretado por Jeffrey Donovan); sus inmisericordes cruzadas contra el crimen organizado; su manejo del tristemente célebre secuestro del hijo de Charles Lindbergh (Josh Lucas); la extorsión de gente famosa con sórdidos hábitos personales o ideología; y desde luego su obsesión por perseguir y eliminar los elementos comunistas de los Estados Unidos, que en cierto momento de la historia representaron un peligro real, con bombardeos y asesinatos perpetrados por extremistas "bolcheviques". Y así presenciamos una carrera de casi medio siglo, a lo largo de la cual Hoover trata de conciliar sus inflexibles estándares morales con sus auténticas emociones, que solo conocían las personas más cercanas a él, como su dominante madre Anna (Judi Dench), su confidente y secretaria Helen Gandy (Naomi Watts) y su protegido Clyde Tolson (Armie Hammer).

Es muy difícil escribir una sinopsis literal de J. Edgar porque el libreto (escrito por Dustin Lance Black) salta constantemente hacia adelante y atrás en el tiempo, visitando pasajes importantes de la carrera de Hoover, pero negándonos muchas veces el contexto necesario para apreciar la evolución (o corrupción) del protagonista a lo largo del tiempo. Parecería que Eastwood hizo su película exclusivamente para estudiosos de J. Edgar Hoover; o quizás para sus contemporáneos que vivieron en las noticias los eventos retratados por la cinta. Pero como espectador casual sentí frecuente frustración por no encontrar el hilo narrativo que diera cohesión a la historia. Aún así hay muchos buenos momentos en J. Edgar gracias a su notable elenco y al meticuloso trabajo de los diseñadores de producción para recrear los distintos períodos históricos. Quizás por eso a fin de cuentas me dio la impresión de estar viendo una de esas biografías de History Channel, donde se eliminaron los pasajes narrados y solo quedaron las recreaciones con actores. Sin duda es interesante y hasta podemos aprender algo... pero el resultado final se siente incompleto y menos satisfactorio de lo que esperábamos.

Por otro lado, quizás Eastwood no estaba interesado en comprimir una carrera de 48 años en tan solo dos horas de película, así que simplemente tomó puntos clave para que entendiéramos al hombre detrás de la leyenda; cualquier libro podría darnos el contexto cronológico de Hoover; pero hace falta el trabajo de un buen actor y un hábil cineasta para dar vida a un personaje lleno de contradicciones, cuya obsesión por sus causas (ya fuera la persecución del comunismo o la inmoralidad de Hollywood) mostraban al mismo tiempo su celo patriótico y el conflicto interno que lo impulsó durante su vida. Hablando de lo cual, Eastwood es especialmente cuidadoso al retratar la larga relación (nadie la llamaría "romántica") que Hoover mantuvo con su protegido Clyde Tolson, al mismo tiempo que atacaba públicamente a los homosexuales por amenazar las bases mismas de la sociedad norteamericana. Otro interesante contraste es el esfuerzo que Hoover hizo por modernizar las técnicas del F.B.I., introduciendo procedimientos científicos y el uso de huellas digitales para capturar delincuentes... pero también para mantener un registro de la población entera que le permitiría tener estricto control sobre cualquier disidente o indeseable que pudiera surgir. Y, claro, su manía de espiar a los ciudadanos y hacer grabaciones de conversaciones privadas le permitió encontrar tantos indeseables como fueran necesarios para promover su carrera política.

Supongo que Leonardo DiCaprio tendrá merecidas nominaciones por su interpretación de J. Edgar Hoover (auxiliado por efectos de maquillaje no siempre creíbles); pero también merece reconocimiento el elenco secundario, entre el cual puedo señalar a Judi Dench como la madre de Hoover, cuya influencia en su hijo parece tener dos filos; Naomi Watts como la fiel Helen Gandy, al mismo tiempo secretaria, esposa platónica y confidente leal que nunca traicionó la confianza de su jefe… incluso cuando se metía en situaciones claramente ilegales; y desde luego Armie Hammer como Clyde Tolson, cuya orientación sexual toma oblicuas formas en una sociedad tan estricta y conservadora. El apoyo de estos actores (entre muchos otros) complementa la hipnótica interpretación de DiCaprio, y contribuye a mantener la cinta en movimiento incluso cuando el libreto no sabe hacia dónde dirigirse. Entonces, puedo recomendar J. Edgar para quienes estén muy interesados en la vida y carácter de John Edgar Hoover; pero quienes solo busquen una entretenida película sobre "G-Men", mejor renten Public Enemies (imperfecta pero más dinámica) o, mejor aún, la original The Untouchables. Para bien o para mal, Clint Eastwood hizo demasiado bien su trabajo, poniendo al frente la personalidad de Hoover y sacrificando las emociones de su azarosa carrera. Pero bueno, para eso está Wikipedia.
Calificación: 6.5

The Innkeepers

2012-01-04T15:50:00.001-06:00

Hace un par de años la película House of the Devil puso en el mapa al director Ti West, quien demostró ser capaz de contar una buena historia al estilo de la "vieja escuela", creando una tensa atmósfera, apretando gradualmente las tuercas del suspenso y finalmente recompensándonos con un final violento y satisfactorio. Su siguiente película, Cabin Fever 2: Spring Fever fue totalmente lo opuesto: una grotesca secuela que combinó humor negro y abundante sangre (por no mencionar otros fluidos corporales) con personajes honestos y realistas... dentro de lo que cabe en una película sobre romance juvenil e infecciones cutáneas. Con estos antecedentes, no sabía exactamente qué esperar de su nueva cinta, The Innkeepers; ¿sería otro metódico thriller "retro" o un nuevo festín de excesos viscerales?

Bueno, pues desde los créditos iniciales queda claro que The Innkeepers será un pausado melodrama sobrenatural ubicado en el viejo hotel Yankee Pedlar, el cual vio mejores épocas antes de caer en la obsolescencia y el desuso. Ahora, a punto de cerrar sus puertas para siempre, solo quedan dos empleados para atender a los pocos huéspedes que aún lo habitan. Entonces, sin mucho que hacer, Claire (Sara Paxton) y Luke (Pat Healy) pasan el tiempo conversando trivialidades y planeando el sitio web donde pretenden documentar las ocurrencias paranormales que supuestamente han encontrado en el lúgubre hotel. Desafortunadamente su "evidencia" se reduce a un par de borrosas fotos y algunos videos poco convincentes. Pero quizás durante ese fatídico fin de semana encontrarán más manifestaciones de las que esperaban...

Aunque apenas se estrenó en sistemas de Video On Demand, The Innkeepers ya está dividiendo a su audiencia. Algunos la consideran lenta y aburrida, pues "no pasa nada" durante la primera hora. Otros la aclaman como re-encarnación del horror sobrenatural de los setentas, donde los personajes, la atmósfera y el suspenso eran más importantes que los "sustos" y los efectos especiales. Mi opinión reside en un punto intermedio, pues si bien me gustó mucho el pausado ritmo de la historia y el cuidado invertido en el desarrollo de los personajes, también sentí un poco torpe la introducción de elementos paranormales cuando finalmente ocurren. En cierto modo podría comparar esta película con la reciente Insidious, no por su tema sino por su sobrio estilo y disciplina para crear una sensación de terror gradual y mesurada, ocasionalmente sazonada con obligatorios sobresaltos que no se sienten forzados, sino orgánicos dentro del ritmo de la cinta.

Los personajes también difieren del estándar moderno de terror, donde todos tienen mucha "actitud", hablan a gritos y reaccionan exageradamente ante cualquier evento inesperado. Por el contrario, Claire y Luke comparten una química afable y casual, haciendo totalmente creíble su amistad de muchos años y su afines actitudes hacia la vida y el trabajo. Obviamente son "slackers" con pocas perspectivas futuras (y ambos lo saben), pero eso no empaña su buen humor y divertidos diálogos, que no solo pretenden hacernos sonreír, sino que arteramente van revelando los secretos del hotel, la leyenda del fantasma que lo habita (una joven mujer que cometió suicidio cuando su novio la abandonó en el altar) y los improvisados experimentos de grabaciones "EVP" que los empleados acostumbran hacer. Healy tiene el papel obviamente cómico y lo hace muy bien; pero es Sara Paxton quien se roba la película con su perfecta actuación de mujer vulnerable e inquisitiva, aunque sea víctima ocasional de sus malas decisiones. Al igual que otras "chicas Disney", Paxton está acumulando una sólida filmografía en el género de terror, y el talento que demuestra en The Innkeepers sugiere que puede enfrentar papeles sofisticados que trasciendan la típica "chica final" o damisela en peligro. Otra actriz en mitad de una transición similar (aunque de mayor edad) es Kelly McGillis, a quien muchos recordarán como el interés romántico en Top Gun (1984); pero ahora, en la madurez de su carrera, está abrazando el cine fantástico, añadiendo clase y credibilidad con su mera presencia a películas que tienen la suerte de contarla entre su elenco.

En retrospectiva me parece notar algunos agujeros en la trama de The Inkeepers, por no mencionar el ambiguo final que se niega a darnos las respuestas que esperábamos (o quizás estén ahí; simplemente tenemos que pensarle un poco); pero nada de eso me impide darle una recomendación por ser una sólida película de terror (siempre y cuando no esperemos "gore" o material "extremo"), adornada con muy buenas actuaciones, un libreto inteligente (incluso si es frustrante de vez en cuando) y la cuidadosa dirección de Ti West, consagrándose definitivamente como una de las más interesantes voces del horror contemporáneo (en mi humilde opinión). Entonces, no será para todos los gustos y podría aburrir al público más impaciente, pero The Innkeepers será una agradable experiencia para fans del horror clásico y para quienes estén cansados de re-makes, secuelas directas a DVD y copias diluidas de éxitos pasados. Y lo mejor es que el Yankee Pedlar Inn realmente existe, así que podré incorporarlo a mi soñado "tour" de sitios paranormales (fecha estimada de salida: 2050).
Calificación: 8.5

The Future

2012-01-02T17:03:00.005-06:00

Para este momento el cine independiente está saturado de tragicomedias sobre excéntricos personajes enfrentando típicos problemas de aislamiento, melancolía o desamor. Sin embargo en el año 2005, cuando se estrenó la película Me, You and Everyone We Know, la fórmula aún parecía fresca y representó una muy agradecida alternativa en el cine de autor, el cual parecía sufrir un período de hibernación desde que cineastas como Steven Soderbergh o Richard Linklater se graduaron a las “grandes ligas“. Por alguna razón la directora de Me, You… tardó seis años en realizar su siguiente película, The Future, y me interesaba mucho verla para confirmar si July terminó siendo absorbida por el "status quo" del cine "indie", o si intentaría sentar nuevas bases para innovar tanto como lo hizo en su primera película. Lo curioso es que aún no sé la respuesta, pues la cinta es indudablemente difícil de digerir e imposible de clasificar.

Al principio de The Future conocemos a Sophie (Miranda July) y su novio Jason (Hamish Linklater), viviendo modestamente en un anónimo suburbio de Los Ángeles donde él trabaja en soporte técnico telefónico, y ella es maestra de "pre-ballet" para niñas pequeñas. Es obvio que ninguno está satisfecho con sus vidas, pues ambos creían que para los treinta y tantos años serían ricos, o al menos tendrían una auténtica carrera, en vez de trabajos casuales de los que nunca escaparon. Quizás para llenar los huecos en su relación, Sophie y Jason deciden adoptar un gato lastimado que encontraron en la calle, a quien nombran Paw-Paw; pero antes de tenerlo en casa, el animalito debe pasar un mes en el hospital veterinario. Entonces la pareja se da cuenta de que, una vez que llegue Paw-Paw, tendrán que cambiar sus rutinas y ser más responsables, por lo que deciden aprovechar ese mes para re-plantear sus vidas y encontrar algo que realmente les guste y los deje satisfechos. Naturalmente, durante esos treinta días encuentran saltos en el tiempo, realidades paralelas y conversaciones con la Luna, mientras Paw-Paw nos narra sus expectativas sobre lo que será vivir "adentro" después de haber nacido "afuera".

Al igual que ocurrió con Me, You and Everyone We Know, el argumento de The Future sigue las inesperadas conexiones humanas que surgen cuando los protagonistas abandonan sus trabajos y empiezan sus nuevas vidas. Por lo tanto, la película se desarrolla como una serie de viñetas que van formando una narrativa difusa, de incierto tono y propósito, pero unificada por la sensibilidad etérea y rebuscada de la directora. Esto es a veces bueno y a veces malo. Cuando la trama se centra en los aspectos humanos y realistas de los personajes, puede crear momentos de conmovedora sinceridad y brillantes observaciones sobre la condición humana (y felina). Pero cuando se asoman los elementos fantásticos o imaginarios, o lo que sean, se sienten tan inexplicables y artificiales que descarrilan la película con su forzada búsqueda de una respuesta emocional. En otras palabras, creo que hay una buena película oculta en algún lugar de The Future; lamentablemente es difícil encontrarla cuando hay tantas interrupciones y digresiones "creativas" contaminando sus mejores atributos.

Desde un punto de vista más prosaico, admiré el trabajo del cinematógrafo Nikolai von Graevenitz, trabajando en video pero sin perder la rica textura de claroscuros y colores pastel que visten los minimalistas escenarios de la historia. También me gustó la selección de actores, no solo en los papeles principales sino en los secundarios, que a fin de cuentas es donde reside todo el carácter de la cinta. Y, claro, como amante de los animales aprecié los pasajes narrados por el gato (con la voz de Miranda July, aunque tan disimulada que no me enteré sino hasta los créditos finales), quien posiblemente ofrece la perspectiva más honesta y profunda de toda la película (auxiliado por ingeniosos efectos para dar mayor personalidad a estos monólogos... no se preocupen, el gato no "habla" digitalmente; sólo vemos ocasionalmente sus manos). Sin embargo, la confusa estructura de The Future y sus desafortunados momentos de falso sentimentalismo, por no mencionar el final abrupto y deprimente que no resuelve absolutamente nada, me impiden darle una recomendación. Aún así hay algunas cosas interesantes para fans del cine "indie" (como yo) que sepan conformarse con migajas de contenido en un plato de insípido relleno. Y desde luego me interesará ver hacia dónde se dirige la carrera de Miranda July; obviamente tiene cosas interesantes que decir, y me gustaría escucharlas cuando logre plantear mejor sus ideas y organizar su narrativa. Pero sospecho que eso también está en el futuro.
Calificación: 5

¡Feliz Año 2012!

2012-01-01T18:01:00.002-06:00

Como siempre, quiero agradecer a todos su apoyo, comentarios y regaños durante el año pasado. Considero esa interacción como lo más valioso de Imagen en Negativo (en segundo lugar están los “clicks“ en los anuncios, y en tercer lugar las visitas de fotógrafos que se confundieron con el nombre del blog). Entonces, por favor reciban mis mejores deseos para el 2012, y que todos sus sueños se hagan realidad (excepto los de Roland Emmerich, en caso de que esté leyendo esto) (sí, claro). ¡Un abrazo y mucho éxito!

Muerte Bajo Tierra (Underground)

2012-01-01T18:00:00.002-06:00

Perfecto. Otra mediocre película directa a DVD que por alguna razón llega a cines de México, exigiéndonos pagar por verla, cuando no funcionaría ni como relleno nocturno en algún canal de TV abierta. Ni hablar... la bazofia en turno se llama Muerte Bajo Tierra, y no podría ser más tediosa, predecible y antipática. En resumen, mal augurio para el 2012. Si a esto se referían los Mayas, voy a empezar a creer sus "profecías".

Al principio de Muerte Bajo Tierra vemos cómo un escuadrón de rudos soldados se infiltra en un búnker secreto, donde se llevaron a cabo grotescos experimentos para producir “soldados transgénicos“ (o lo que sea). Desde luego el experimento salió de control y escaparon varias criaturas humanoides altamente agresivas, que ahora los soldados deben exterminar sin piedad... pero ocurre exactamente lo opuesto. Entonces el gobierno decide simplemente sellar el búnker y relegarlo al olvido. Sin embargo, dos años después alguien decide usarlo para organizar un "rave" (¿aún existen?), y cuando se desata una pelea entre los ebrios asistentes, varios jóvenes se refugian en los niveles subterráneos del edificio, donde quedan atrapados con las criaturas mutantes. ¿Lograrán sobrevivir? ¿Logrará importarnos si lo hacen? Y, sobre todo, ¿lograré quedarme despierto durante los interminables 83 minutos de este bodrio?

Pues sí, aguanté la película sin dormirme, aunque siento que no perdería nada si hubiera tomado una siesta de cuarenta o cincuenta minutos, pues una vez que los personajes quedan atrapados, la trama se instala en una repetitiva rutina de "caminar por los corredores oscuros-ataque de monstruo-caminar un poco más-otro ataque de monstruo; repetir hasta el final". Hablando de "oscuros", quizás Muerte Bajo Tierra sería más tolerable si pudiéramos ver lo que está pasando. Muy bien, entiendo que los jóvenes están en un complejo subterráneo, donde lógicamente hay poca iluminación, y la oscuridad forma parte importante del terror... pero el director Rafael Eisnman exagera el concepto hasta niveles de incoherencia visual que solo hacen más irritante la experiencia, pues la confusa cinematografía no solo nos dificulta diferenciar a los personajes (¡como si fuera importante!), sino que hace casi invisibles los efectos "gore" resultantes de los ataques.

Y, bueno, no hablemos siquiera de actuaciones o diálogos como posibles redentores de la película; parecería que el guionista Charles Morris Jr. recibía dinero extra cada vez que usaba las frases "Oh, shit", "Go, go, go!", "Watch out!" y "Shut the fuck up!" Lo cual, de paso, nos da una buena idea sobre la ambición narrativa a la que aspira el libreto; tan solo eso bastaría para hundir la película incluso si sus elementos técnicos fueran sobresalientes. Entonces, para no gastar más tiempo en este detritus fílmico, recomendaré mantenerse tan lejos como sea posible de Muerte Bajo Tierra, no solo para evitar una horrible experiencia, sino para mandar un mensaje a los distribuidores que siguen poniendo esta basura en la pantalla grande, mientras que obras de mayor valía (por ejemplo, Tucker & Dale Vs. Evil o The Loved Ones) languidecen como joyas ignoradas en DVD o, mejor aún, solo ganan difusión por medio de distribución ilegal, negando regalías a cineastas que las merecen. Pero bueno, al menos así alguien disfrutará buenas películas, en vez de caer en la trampa de Muerte Bajo Tierra y cintas similares.
Calificación: 2

El Conspirador (The Conspirator)

2011-12-31T13:35:00.000-06:00

Como he mencionado con sospechosa frecuencia, soy aficionado a la literatura sobre conspiraciones desde que empecé a usar el Internet a mediados de los noventas, y descubrí el fascinante universo de foros y sitios donde investigadores serios y lunáticos gozaban igual oportunidad para proponer sus descabelladas teorías. Por eso yo esperaba que una película con el atractivo título de El Conspirador ofrecería una perspectiva más sórdida y entretenida de su tema central, a saber: la muerte de Abraham Lincoln y la conspiración detrás de su asesinato. Sin embargo (para bien o para mal) el director Robert Redford tenía planeado algo muy distinto, pues usó el mencionado magnicidio tan solo como detonante de una interesante historia sobre justicia, venganza y derechos civiles. Obviamente no fue lo que yo esperaba, y aún así pude disfrutarla... marginalmente.

De hecho, El Conspirador ni siquiera se centra en un conspirador, sino en una conspiradora. El 14 de Abril de 1865, durante los meses finales de la Guerra Civil norteamericana, un grupo de simpatizantes confederados orquestó un audaz golpe contra el gobierno, asesinando al Presidente Abraham Lincoln y atentando contra las vidas del Vicepresidente y del Secretario de Estado, quienes sobrevivieron. John Wilkes Booth, el asesino de Lincoln, murió durante la subsiguiente cacería policíaca, pero varios de sus secuaces fueron arrestados, y se descubrió que el complot se planeó en la casa de huéspedes de Mary Surratt (Robin Wright), una viuda sureña cuyo hijo tenía estrecha relación con Booth. Tan solo por eso Mary es arrestada, y la tarea de defenderla ante un juzgado militar recae en el joven abogado unionista Frederick Aiken (James McAvoy), quien encuentra la tarea ofensiva y a fin de cuentas inútil, pues la mujer es obviamente culpable. Sin embargo, conforme Aiken prepara el caso, se da cuenta de que no hay evidencia suficiente de que Mary haya sido cómplice de los asesinos. Pero, ¿logrará convencer a los jueces militares hambrientos de venganza?

Tanto por el período histórico como por el tema legal, esta película podría compararse con Amistad aunque, a diferencia de aquella, El Conspirador usa una narrativa mucho más fría y cerebral, libre de sentimentalismo o manipulación emocional. De hecho, el punto de la historia ni siquiera es determinar la culpabilidad o inocencia de Mary Surratt, sino simplemente respetar sus derechos civiles y no dejar que los factores externos (la Guerra Civil, el dolor colectivo de perder a un presidente querido) sirvan como excusa para ignorar la Constitución y pisotear la intención de quienes la escribieron. Obviamente el director Robert Redford quiso usar este poco conocido pasaje de la historia como analogía de lo que ocurre hoy en la "guerra contra el terrorismo", donde la privacidad, los derechos humanos y a veces la simple decencia tienden a desaparecer en aras de la seguridad.

Desafortunadamente la manera como Redford eligió transmitir su mensaje es tan lenta y repetitiva que podría aburrir al público con dos horas de seco drama legal, así como un héroe que reitera una y otra y otra vez las mismas frases ante jueces, amigos y hasta su novia Sarah (Alexis Bledel), tratando de convencerlos de que no está traicionando su afiliación política, ni poniéndose del lado de los asesinos, sino simplemente cumpliendo su trabajo como abogado, defendiendo la constitución y respetando los derechos de su clienta, sin importar su inocencia o culpabilidad, y sin dejarse influir por la opinión popular. Además, la producción de El Conspirador es tan modesta que casi la llamaría "minimalista", pues el noventa por ciento de la historia transcurre en las mismas tres locaciones: el juzgado militar (totalmente distinto a las opulentas cortes que vemos en las películas de John Grisham), la casa de huéspedes de Mary Surratt (la cual aún existe como museo), y la inmunda celda de la mujer. Para nada veremos majestuosas tomas de la ciudad de Washington en el siglo diecinueve, ni épicos combates de la Guerra Civil (aunque, estrictamente hablando, El Conspirador comienza en el campo de batalla... cuando ya terminó la batalla).

A pesar de todo la trama me pareció interesante, y las excelentes actuaciones de James McAvoy, Robin Wright, Evan Rachel Wood (como hija de la acusada) y Colm Meaney (como el juez principal) me ayudaron a superar los momentos cansados o lentos de la película; entonces, lo que parecía un suplicio de dos horas se convirtió en una fascinante lección de historia (o tanto como pueda serlo una película) y una válida alegoría del clima político contemporáneo. Por todo eso debo darle una recomendación a El Conspirador, aunque definitivamente no será para todos los gustos, ni cumplirá las expectativas de quienes busquen las fórmulas tradicionales del cine legal o de conspiraciones. Sé que esto suena más como advertencia que como recomendación, pero solo estoy tratando de anticipar lo que encontrarán en esta película... a menos que los esté engañando. Después de todo, no conviene saber demasiado sobre estos temas. ¡Sic semper tyrannis!
Calificación: 7.5

Sherlock Holmes: Juego de Sombras (Sherlock Holmes: A Game of Shadows)

2011-12-30T15:44:00.001-06:00

Hace dos años, cuando se estrenó la nueva versión de Sherlock Holmes, esperaba odiarla con pasión. Sin embargo, resultó ser una agradable sorpresa por re-interpretar al icónico personaje victoriano como un héroe de acción, sin perder sus tradicionales poderes deductivos y brillante mente analítica. Pero, más que nada, la película funcionó gracias a las divertidas actuaciones de Robert Downey Jr. y Jude Law, cuya excelente química nos hizo creer en su larga amistad y afinidad profesional. Y ahora la nueva secuela Sherlock Holmes: Juego de Sombras tiene el acierto de conservar esa graciosa relación (perdón, "asociación"), aunque comete el error de descuidar el argumento, recargándolo de escenas de acción y demorando demasiado en establecer el punto de la historia. Aún así me pareció entretenida, pero inferior a la original.

La trama da demasiadas vueltas y parece innecesariamente enredada, así que trataré de simplificarla: al principio de la película nos enteramos de que Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.) está investigando una serie de asesinatos -incluyendo un atentado contra su fiel amigo, el Dr. John Watson (Jude Law)- pues sospecha que fueron orquestados por su archi-rival, el Profesor James Moriarty (Jared Harris); sin embargo el hábil villano es demasiado listo, y siempre está un paso adelante de los héroes... hasta que una enigmática mujer gitana llamada Simza (Noomi Rapace) les ayuda a encontrar la conexión entre los crímenes, revelando el auténtico plan de Moriarty... el cual pondrá en peligro el futuro de Europa, y quizás del mundo entero.

El argumento de Sherlock Holmes: Juego de Sombras pretende emular los laberintos lógicos de los cuentos de Sherlock Holmes, pero carece de la meticulosa elegancia y economía narrativa que Sir Arthur Conan Doyle usaba en sus obras. Por el contrario, el libreto de Michele y Kieran Mulroney es una arbitraria maraña de causas y consecuencias diseñada para simular ingenio, cuando en realidad se siente confuso y pobremente planteado (aunque sin duda mejora al final, cuando por fin encajan las piezas del rompecabezas). Sin embargo el desarrollo no es particularmente importante mientras cumpla su función de llevarnos por la acción y los momentos serios con cierta sensación de impulso dramático, dando amplias oportunidades para lucir la inteligencia de Holmes, la valentía y tenacidad de Watson, y la habitual destreza del director Guy Ritchie para plasmar con edición rápida y cámara lenta el proceso deductivo del detective. Sí, quizás exagera un poco con tantas secuencias de este tipo pero, caray, están tan bien realizadas que se disfrutan hasta cuando son obvio relleno y capricho estético, en vez de contribuir a la narrativa, como lo hicieron en la cinta original.

Y además, como dije al principio, la mayor atracción son las actuaciones de Downey Jr. y Law, repletas de chispeantes diálogos con el balance justo de humor para hacernos reír, sin perder el suspenso ni la sensación de amenaza que se cierne sobre los héroes. Por su parte, el elenco secundario es competente, aunque no siempre sea bien usado. Por ejemplo, Noomi Rapace participa en sólidos momentos de acción que la salvan de ser una simple damisela en peligro, pero a fin de cuentas no es más que una presencia femenina para balancear el "bromance" entre Holmes y Watson. También me gustó ver al genial Stephen Fry como Mycroft Holmes, el hermano de Sherlock; lástima que no hayan sabido integrarlo mejor a la trama (quizás como lo hizo Alan Moore en las novelas gráficas de The League of Extraordinary Gentlemen). Finalmente, el más desperdiciado es Jared Harris en el papel del Prof. Moriarty, uno de los más célebres villanos de la historia, aquí transformado en un aburrido catedrático; aunque admito que al final lo dejan brillar en una excelente escena ubicada alrededor de ciertas cataratas suizas...

Claro que nadie estará pensando en los tropiezos narrativos mientras admira las elaboradas secuencias de Sherlock Holmes: Juego de Sombras, como el atentado en el tren, o la increíble persecución por el bosque. Esa capacidad para entretener (incluso cuando no sabemos qué demonios está pasando) es lo que le merece una recomendación a esta secuela, no tan creativa ni fresca como la original, y por supuesto menos ingeniosa, pero después de todo con suficientes atributos para satisfacer a quienes sólo buscamos un rato de entretenimiento de fin de año en las salas de cine. Habiendo dicho eso, no me gustaría ver otra secuela si el director sigue enfocándose tanto en la acción que pierde de vista la intriga detectivesca que debería servir como núcleo de estas historias. Hay un gran acervo literario que podrían explotar, en vez de reemplazarlo por imágenes bonitas; eso déjenselo a Paul W.S. Anderson o Tarsem Singh. Holmes debería seguir siendo Holmes con o sin cámara lenta.
Calificación: 8

Hostel Part III

2011-12-28T13:51:00.003-06:00

La original Hostel sorprendió al público con niveles de gore y violencia gráfica pocas veces vistos en el cine comercial de terror, aunque su argumento no fue particularmente bueno. La segunda parte superó a su predecesora (en mi humilde opinión) ampliando la narrativa y enfocándose no solo en las víctimas, sino en los perpetradores de las torturas, así como en el funcionamiento de la empresa organizadora de las atrocidades. Y ahora que se estrena Hostel Part III... ¿encontraremos otra ingeniosa re-interpretación de la vieja fórmula, o será tan solo un refrito diseñado para exprimir dinero de los fieles fans? Vale decir que se estrena directamente en DVD, así que saquen sus propias conclusiones...

Seguramente por cuestiones económicas Hostel Part III no se desarrolla en exóticas locaciones europeas, sino en la ciudad de Las Vegas, a donde llegan cuatro individuos con la intención de organizar la más decadente y excesiva despedida de soltero para su amigo Flemming (Thomas Kretschmann), quien está próximo a casarse. Desde luego la celebración se sale rápidamente de control y, como si fuera una versión pesadillesca de The Hangover, uno de ellos desaparece a la mañana siguiente. El resto de los amigos proceden a buscarlo, sin saber que fue secuestrado por los agentes de la empresa Elite Hunting para participar en un grotesco "game show" donde el público de aburridos millonarios apuestan dinero y disfrutan las crueles torturas que sufre el infeliz fulano. ¿Lograrán sus amigos rescatarlo a tiempo, o se convertirán en víctimas durante el intento?

Hace seis años el subgénero de la "porno-tortura" parecía una manifestación de rebeldía contra los clichés del cine slasher y los ubicuos fantasmas asiáticos; sin embargo (oh, ironía) se convirtió rápidamente en un nuevo cliché, que muchos directores adoptaron con gran entusiasmo y escaso éxito, por pensar que la sangre, torturas y brutalidad funcionarían como reemplazo de una buena historia. Naturalmente no fue así, y el género se extinguió gradualmente por tanta repetición, destacando solo las pocas cintas que encontraron un sólido balance entre gore y narrativa (entre mis favoritas puedo mencionar The Loved Ones y Martyrs). Hostel Part III llega definitivamente tarde a la fiesta, aunque se esfuerza por quedar bien lanzando un par de inesperadas curvas y giros sorpresivos (por no mencionar el lunático final); sin embargo el director Scott Spiegel (un nombre que reconocerán los devotos de la saga Evil Dead) no quiso o no pudo llegar suficientemente lejos en el gore ni en la historia para revivir nuestro interés en la franquicia, de modo que Hostel Part III apenas alcanza el mínimo nivel de cruento entretenimiento para no sentirse como una total pérdida de tiempo.

Pero más allá de los modestos efectos y el pobre argumento, el principal problema de la película son los blandos actores que encarnan personajes genéricos y antipáticos, incapaces de despertar la más mínima emoción en el espectador. En otras palabras (como ocurre en tantas otras películas similares), no importa quién vive y quién muere, e incluso el final que pretende ser catártico y satisfactorio termina sintiéndose falso e improvisado. Pero bueno... por otro lado, se trata de una cinta directa a DVD (como advertí al principio), así que con ese "handicap" podría darle una recomendación como mera curiosidad cinematográfica dirigida a los seguidores de la saga, siempre y cuando mantengan sus expectativas tan bajas como sea posible. Y, a pesar de mis quejas, siento que el concepto puede darnos más secuelas, mostrando los tentáculos de la empresa Elite Hunting en diversos países (es triste aceptarlo, pero México podría ser uno de ellos); aunque, eso sí, con mejores actores y mayor presupuesto para invertir en el libreto y los efectos especiales. En una franquicia que ofrece tan poco como Hostel, no pueden escatimar en ninguno de esos elementos.
Calificación: 6 (apenas)

Un Zoológico en Casa (We Bought a Zoo)

2011-12-26T17:10:00.002-06:00

Aunque no es un director muy prolífico (en promedio hace una película cada cuatro o cinco años), Cameron Crowe ha ganado un buen número de seguidores gracias a la sensibilidad semi-independiente con la que aborda temas comunes en el cine comercial, ya sea en la comedia romántica "grunge" de Singles, o en el "coming of age" rocanrolero de Almost Famous (por cierto, mi película favorita de este director). Esta vez lo vemos aplicando la misma táctica en el cine familiar con su nueva película, Un Zoológico en Casa, cuya previsible narrativa de turbulencia doméstica se ve sazonada por honestas emociones y un difícil (bueno, no muy difícil) proceso de restauración emocional para su atormentado protagonista.

Dicho protagonista es Benjamin Mee (Matt Damon), reciente viudo que aún trata de sobreponerse al dolor de perder a su esposa, mientras se esfuerza por mantener la solvencia económica y emocional del hogar para beneficio de sus dos hijos, el rebelde adolescente Dylan (Colin Ford) y la adorable niña Rosie (Maggie Elizabeth Jones). Pero cuando Dylan es expulsado de la escuela, Benjamin decide que necesitan un cambio fundamental, y la familia entera (incluyendo su simpático beagle) se muda a un pequeño pueblo californiano para empezar una nueva vida. Ah, y por cierto, su nueva casa es parte de un dilapidado zoológico, el cual Benjamin y sus hijos tratarán de restaurar para salvar a los animales que ahí viven, y al mismo tiempo fortalecer los lazos familiares debilitados por su reciente tragedia.

A primera vista parece un argumento manipulador y excesivamente sentimental, pero bajo la firme mano de Crowe Un Zoológico en Casa se desarrolla con elegancia y dignidad, ganándose los momentos humorísticos y dosificando las escenas dramáticas para subrayar el crecimiento de los personajes, y no para hacernos llorar con fáciles trampas narrativas (aunque definitivamente las hay). También surge cierta tensión romántica entre Benjamin y Kelly (Scarlett Johansson), la encargada del zoológico, pero es lo suficientemente sutil para no obstruir el flujo de la historia, ni desviar el foco del argumento (basado en hechos reales plasmados en el libro We Bought a Zoo), de modo que resulta bastante satisfactorio ver cómo los retos presentados por la restauración del zoológico van llenando los "huecos emocionales" en las vidas de los personajes. Y, claro, los animales mismos tienen importante participación con sus travesuras, astucia y algunos inevitables momentos tristes para recordarnos que "perseguir los sueños" no siempre es mágico y placentero.

En el papel principal Matt Damon parece un moderno Jimmy Stewart; un hombre común cuyas agobiantes responsabilidades no bastan para nublar su optimismo, ni su empeño por sacar adelante a su familia. Quizás su personaje parece demasiado inocente y confiado al principio, pero imagino que se diseñó así para darle mayor peso a su evolución dramática, cuando tiene que ajustarse a la vida en el zoológico... y a la ausencia de su esposa. Por su parte, Scarlett Johansson me sorprendió agradablemente en un papel "normal" que trasciende el mero interés romántico para convertirse en la conciencia del protagonista, inflexible pero no exenta de humor. El resto del elenco ocupa a la perfección sus papeles, desde la niña Elle Fanning (como ayudante general y confidente del perturbado Dylan) hasta el alcohólico Angus Macfadyen, más interesado en los animales que en los humanos a su alrededor (con lo cual me identifiqué bastante - exceptuando el alcoholismo). Thomas Haden Church es muy gracioso como el escéptico hermano de Benjamin, con todas las objeciones posibles contra la adquisición de un zoológico (muchas de las cuales yo estaba pensando en ese momento); me hubiera gustado que su participación fuera más larga. El único que se siente fuera de lugar es John Michael Higgins como el estricto inspector cuyos interminables obstáculos ponen en peligro la re-apertura del zoológico. Su trabajo no es intrínsecamente malo, pero al usar un actor naturalmente gracioso, Crowe disipa la tensión y prácticamente nos anticipa el final estilo Hollywood.

En cierto modo preferiría ver el talento de Cameron Crowe (y de este notable elenco) empleado en una historia más compleja e interesante, pero a fin de cuentas disfruté Un Zoológico en Casa como sano cine familiar donde los animales no hablan (afortunadamente) y los humanos se sienten sólidos y reales (la mayor parte del tiempo). Quizás la narrativa cruza la línea del sentimentalismo barato en un par de ocasiones; y tal vez la historia parecería más creíble si se hubiera respetado la ubicación de los hechos reales (Inglaterra); pero nada de eso impide darle una sincera recomendación a Un Zoológico en Casa, sobre todo para padres de familia cansados de ruidosas cintas animadas; y para devotos de Crowe que necesitaban validación después de la mal recibida Elizabethtown (aunque a mi sí me gustó). Quizás Cameron Crowe nunca superará Almost Famous, pero definitivamente está en el camino correcto.
Calificación: 8

Las Aventuras de Tintin (The Adventures of Tintin)

2011-12-25T14:43:00.002-06:00

Allá por principio de los noventas, cuando descubrí que los comics podían ser algo más que repetitivas aventuras de superhéroes enmascarados, traté de extender mis "horizontes literarios" con el trabajo de célebres creadores europeos, como Moebius (y su Airtight Garage), Carlos Ezquerra (Judge Dredd), y desde luego Hergé, autor de los enormemente populares libros de Tintin... los cuales abandoné de inmediato, pues tenían una narrativa sencilla y blanca, obviamente dirigida a un público infantil que no exigía demasiada complejidad narrativa o profundidad dramática (no lo digo como insulto). Por esa razón no me interesaba la película Las Aventuras de Tintin... hasta que me enteré del impresionante talento detrás de su realización. ¿Una película dirigida por Steven Spielberg, producida por Peter Jackson y escrita por el "power trio" de Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish? ¿Y con voces de Andy Serkis, Simon Pegg y Nick Frost? ¡Claro que sí! ¿Dónde compro mi boleto? Lamentablemente el habitual talento de estos cineastas brilla por su ausencia, tal vez porque su devoción por el material original les impidió modificarlo a su gusto y hacerlo "suyo", de modo que la cinta termina siendo una blanda aventura infantil carente de emoción o suspenso pero, eso sí, tecnológicamente impresionante y visualmente espectacular. En otras palabras, respeto el apego que mostraron a la obra de Hergé, pero no puedo admirar el resultado final, excepto en sus más superficiales aspectos.

La historia comienza en una anónima ciudad europea (¿Bruselas?), donde el joven reportero Tintin (voz de Jamie Bell) compra un barco en miniatura, e inmediatamente descubre que hay varias personas interesadas en adquirirlo a cualquier precio. Tintin se rehúsa a venderlo y, cuando llega a su casa, una travesura de su perro Snowy produce un desperfecto en el barco... y revela un pequeño cilindro metálico con un viejo papiro en su interior. Y así comienza una aventura que los llevará a muchos exóticos lugares donde encontrarán grandes peligros y despiadados enemigos, así como un curioso aliado en la forma del Capitán Haddock (voz de Andy Serkis), cuyos antepasados piratas escondieron años atrás un gran tesoro. ¿Podrá tener relación este tesoro con el papiro que Tintin encontró?

Al parecer Las Aventuras de Tintin combina elementos de dos o tres libros distintos, así que no puedo culpar al mencionado trío de guionistas por la simplista historia o la transparencia de un "misterio" que no guarda suspenso alguno ni es realmente misterioso. Para cuando llegó el tercer o cuarto "flashback" con piratas, yo ya había perdido interés en el argumento, el cual es tan elemental que no estimula la imaginación ni despierta emoción o empatía con el espectador. Sin embargo no todo es malo; por el lado positivo podemos disfrutar la creatividad visual manifestada en cada cuadro de la película, desde los detalles humorísticos que se asoman en la periferia de las escenas, hasta el virtuosismo técnico de la animación y el "render", el cual me pareció sorprendentemente realista, sin perder la estética caricaturizada de los libros. Creo que esta fusión de estilos fue una decisión muy acertada, pues evita (hasta cierto punto) los rostros muertos e inexpresivos que sufrimos en otras obras de ambición foto-realista, como The Polar Express y Beowulf. También ayudan mucho las voces para dar vida a los personajes; Jamie Bell realiza un sólido trabajo como el protagonista, aunque el elenco secundario tiende a robarse la película, no necesariamente porque sean mejores actores, sino porque sus personajes tienen más carácter y mejor desarrollo que Tintin, el cual se mantiene como un enigma durante la película entera. Tal vez Spielberg fue demasiado fiel al canon de Hegré; o tal vez están guardando lo mejor para la secuela. Por la razón que sea, siento que Tintin es un héroe demasiado pasivo, cuyos repetidos escapes de situaciones peligrosas y victorias sobre sus enemigos parecen más obras del azar que de su talento o habilidades especiales (si es que las tiene). Quizás con un poco de esfuerzo se hubiera podido humanizar al personaje para que fuera una figura más interesante, y no un simple títere a merced de la acción.

Lo cual me lleva a las comparaciones que mucha gente está haciendo entre Las Aventuras de Tintin y Raiders of the Lost Ark. ¿En serio? Además del similar período histórico en el que se desarrollan ambas películas, yo no encuentro mucha similitud. Indiana Jones era un héroe dinámico, rebosante de personalidad y poseedor de un ingenio que nos hacía creer en las ridículas soluciones con las que enfrentaba situaciones inverosímiles (por ejemplo, amarrarse con un látigo a un submarino). Por otro lado, Tintin (al menos como lo presentan en la película) es apenas el boceto de un personaje, con tanta profundidad como las hojas de papel donde lo dibujaba Hergé. Es mala señal cuando un perro digital tiene más carisma que el héroe de la película. En cuanto a la acción, es cierto que ambas cintas lucen asombrosas escenas de elaborada coreografía, pero al menos para mí fue muy distinto ver a Harrison Ford peleando contra nazis a bordo de un camión destartalado, que ver a un Tintin artificial en una sintética persecución de varios minutos (sin cortes) a bordo de una motocicleta simulada. Es una secuencia muy bien realizada, pero no hay huella de peligro o tensión. En vez de sumergirme en la narrativa, lo único que pensé fue "qué pesadilla debe haber sido realizar el 'storyboard' de esta escena".

Pero bueno... como dije antes, nunca fui fan de Tintin, así que quizás no supe apreciar el amable estilo narrativo de esta película, ni pude captar las referencias al material original. Como sea, Las Aventuras de Tintin está bien actuada, es un deleite para los ojos y, sobre todo, nunca me aburrió, lo cual basta para ponerla por encima de otras cintas familiares, especialmente en esta temporada navideña. Solo digo que debió ser mejor, tomando en cuenta el ilustrísimo personal creativo que contribuyó a su realización. Y, pensándolo bien, quizás esté a la par de Indiana Jones... si la comparamos con The Kingdom of the Crystal Skull. Cada quién decida si eso es un insulto o un halago.
Calificación: 7

Misión Imposible: Protocolo Fantasma (Mission: Impossible - Ghost Protocol)

2011-12-23T16:52:00.003-06:00

Hace cinco años la película Mission: Impossible III enfrentó dos difíciles problemas... inyectar nueva vida en una franquicia que parecía extinta, y lograr que el público olvidara los exabruptos televisivos de Tom Cruise (por no mencionar su controversial religión y supuesto matrimonio arreglado). En lo personal disfruté bastante M:I3, aunque mucha gente pensó que no era otra cosa más que un episodio largo (y muy costoso) de Alias; sin embargo ganó suficiente dinero para garantizar la realización de una nueva secuela que, en cierto modo, se siente como preámbulo de un futuro "re-boot" con un nuevo grupo de agentes secretos. En ese aspecto Misión Imposible: Protocolo Fantasma funciona razonablemente bien, mezclando caras frescas con viejos conocidos y reduciendo el énfasis en Cruise para lucir al equipo entero. Pero en el plano visceral me dejó insatisfecho por su torpe argumento y baja ambición visual.

Al empezar Misión Imposible: Protocolo Fantasma nos enteramos de que el agente Ethan Hunt (Tom Cruise) está cumpliendo una condena (por misteriosas razones) en una prisión rusa, de donde es rápidamente liberado por sus colegas Jane Carter (Paula Patton) y Benji Dunn (Simon Pegg), ya que el gobierno lo necesita para una misión de suma importancia... si decide aceptarla. Resulta que un genio sueco conocido como "Cobalto" se apoderó de ciertos códigos que le dan acceso al arsenal atómico de la antigua Unión Soviética, el cual quiere usar para cumplir su sueño de "renacimiento cultural", provocando una guerra nuclear entre Rusia y los Estados Unidos. Pero antes necesita obtener un dispositivo de lanzamiento, celosamente guardado en las entrañas del mismísimo Kremlin. Hunt y su equipo deciden robarlo primero, pero el plan tiene catastróficas consecuencias que dejan a los agentes como fugitivos de la ley, clasificados como terroristas y con el conocimiento de que su fracaso significa una inminente guerra nuclear. Entonces, sin apoyo del gobierno norteamericano, y con las autoridades rusas pisándoles los talones, Hunt, Carter, Dunn y un analista que rescataron en el camino, llamado William Brandt (Jeremy Renner), tratarán de detener a Cobalto y, si es posible, limpiar sus nombres. Definitivamente es una misión que no pueden rechazar...

Ya sé que siempre me quejo de películas de espías con demasiadas explosiones y muy poco espionaje, pero creo que la saga de Mission: Impossible ocupa un nicho único, definido simultáneamente por el moderno cine de acción (el cual contribuyó a moldear con la primera cinta, allá por el año 1996) y la intriga "hi-tech" de la serie televisiva original (así como su renovación ochentera). Esa es la combinación exacta que usa Misión Imposible: Protocolo Fantasma, y el resultado es competente... aunque, en mi humilde opinión, nunca alcanza el nivel de exuberancia o ingenio necesarios para hacerla realmente memorable o impactante. En otras palabras, el guión está armado con piezas clásicas de la franquicia: la tensa infiltración en una fortaleza inexpugnable... los disfraces... los "gadgets" de increíble tecnología... y las elaboradas acrobacias acompañadas por el icónico tema musical de Lalo Schifrin (otra vez re-trabajado por el confiable Michael Giacchino). Desafortunadamente ninguno de los implicados se esfuerza por distinguirse de lo que vimos en el pasado.

Por ejemplo, el libreto tiene esa estructura modular e inconexa que se ha vuelto casi obligatoria en el género, con mucho movimiento, constante sensación de urgencia, pero poco o ningún sentido narrativo. La trama nos lleva de Budapest a Moscú, luego a Dubai y la India en persecución del "mcguffin" en turno, pero el orden de las escenas podría intercambiarse sin afectar la historia. La forma conduce al fondo, cuando debería ser lo contrario. Y mejor ni hablar del villano, interpretado por un Michael Nyqvist incapaz de ocultar su aburrimiento en todas sus escenas, lo cual es comprensible por la superficialidad que sufre su personaje (sobre todo si lo comparamos con el rimbombante Philip Seymour Hoffman de la película anterior).

Ya fueron muchas quejas, y podría parecer que odié Misión Imposible: Protocolo Fantasma, pero a decir verdad me mantuvo entretenido durante más de dos horas, y nunca sentí sueño durante sus más emocionantes escenas (como me ha ocurrido en TANTAS otras cintas de "acción"). Además, me gustó el establecimiento del nuevo equipo de agentes y hasta disfruté los altibajos actorales de Tom Cruise, quien (digan lo que digan) siempre exprime al máximo las emociones de su papel. Por su parte, Paula Patton logra ser algo más que una cara bonita (aunque la típica escena donde debe seducir a un villano me pareció increíblemente forzada e innecesaria - lo peor de la película). Simon Pegg combina bien su función de "comic relief" con sus momentos de acción; y el intenso Jeremy Renner se perfila como un sólido reemplazo de Cruise en futuras (e hipotéticas) secuelas. Como grupo, todos los actores tienen buena química, y aprecié su balanceada colaboración a lo largo de la película, lo cual no ocurrió en cintas pasadas (¿alguien recuerda a otras co-estrellas de la saga, además de Ving Rhames?)

Aún no menciono su nombre, pero otro jugador importante es Brad Bird, respetado y talentoso director de películas animadas (The Iron Giant, The Incredibles y Ratatouille ¡nada más!) haciendo su debut en acción viva con gran aplomo y convicción en su visión personal. Afortunadamente Bird no trata de imitar el estilo "realista" (traducción: confuso y monótono) de cintas como Takers o Quantum of Solace, sino que regresa a la cadencia dinámica y metódica del cine de acción clásico, acelerando el ritmo cuando hace falta, pero sin agobiarnos con tomas cerradas ni confundirnos con excesiva edición. Entonces, unificando las ideas de esta esquizofrénica crítica, terminaré diciendo que Misión Imposible: Protocolo Fantasma me gustó como genérica película de acción, pero se quedó corta como sucesora de una importante franquicia (me refiero tanto al cine como a la TV) forjada a lo largo de cuatro décadas. Sé que después de tanto tiempo ya no es fácil sorprender al público con OTRA escena donde alguien se quita una máscara, o con OTRO "gadget" de mágica funcionalidad... pero con tanto talento frente y detrás de las cámaras, yo esperaba que se esforzarían más por intentarlo. Habiendo dicho eso, me apunto para futuras secuelas, con o sin Tom Cruise... siempre y cuando conserven el tema de Lalo Schiffrin: Tun, tun, tun-tun-tun, tun, tom-tom-tom, tom, tun-tun-tun, tun, tun-tun, tiruruuu... tiruruuu... tiruruuu... tirum. Bueno, creo que ya se lo saben.
Calificación: 8

The Help

2011-12-21T13:48:00.001-06:00

Siempre que veo una película sobre opresión racial (ya sea que se ubique en el período de la esclavitud, o la posterior segregación, o la actual mezcla de volátiles culturas) no puedo evitar ciertas sospechas sobre las auténticas intenciones del relato. Por ser un tema controversial puede usarse como base de reflexiones inteligentes y provocativas... o como truco fácil para llamar la atención y despertar emociones intensas en el espectador. ¿A cuál de las dos categorías pertenece la aclamada cinta The Help? Honestamente no podría asegurarlo, pues a lo largo de sus dos horas el tono cambia con alarmante frecuencia, desde predecibles clichés telenoveleros hasta genuino drama con profunda resonancia emocional. Sin embargo a fin de cuentas el balance cae del lado positivo gracias a sus potentes actuaciones y a la precisa narrativa que impide perder de vista el mensaje principal, al mismo tiempo amargo y optimista.

Cubriendo un período histórico de fines de los años cincuentas hasta el comienzo de los sesentas, el argumento de The Help se desarrolla en un pequeño pueblo del estado norteamericano de Mississippi, donde la sombra de la esclavitud nunca se disipó completamente, creando un terreno fértil para la segregación y conflictos raciales, exacerbados por el cambio social que ya se vislumbraba en el horizonte. Pero en el pueblo de Jackson la auténtica igualdad está muy lejana, y aunque la población negra es técnicamente "libre", la falta de oportunidades los obliga a trabajar como servidumbre de adineradas familias que los tratan con desdeño y arrogancia.

A ese entorno regresa la joven Eugene "Skeeter" Phelan (Emma Stone) tras graduarse de la universidad, y descubre que sus progresivas ideas no son bien recibidas por las damas de sociedad que pasan su tiempo en reuniones y eventos sociales. Entonces, viendo de primera mano las injusticias escondidas detrás de las ostentosas fachadas, Skeeter decide escribir un libro con el testimonio de las "criadas" que mantienen el funcionamiento de esos hogares mientras se someten al humillante trato de sus patrones. Claro que Skeeter no es totalmente altruista, pues sabe que si escribe algo suficientemente controversial podría encontrar trabajo con Elain Stein (Mary Steenburgen), sofisticada editora neoyorquina en busca de material fresco y provocativo. Sin embargo, la primera dificultad que enfrenta la joven es lograr que las temerosas criadas revelen las vejaciones que sufren (incluso en forma anónima), pues podrían perder sus empleos... y hasta su libertad.

El libreto escrito por el director Tate Taylor muestra las clásicas huellas de una historia "comprimida", donde varios puntos importantes se sienten apresurados o superficiales, mientras que otros elementos ocupan espacio sin contribuir sustancialmente a la trama. Vale decir que esto es normal en adaptaciones de libros, y sin duda Taylor trató simplemente de preservar lo más posible de la exitosa novela de Kathryn Stockett para satisfacer a sus admiradores. Sin embargo, me hubiera gustado que el tiempo gastado en ciertos eventos (como una inútil sub-trama romántica) se invirtiera en desarrollar mejor algunos de los fascinantes personajes que se quedaron "cortos" dentro del numeroso elenco. Otro pequeño desatino (en mi humilde opinión) fueron los momentos cómicos, a veces demasiado forzados y predecibles. La principal culpable de esto es Jessica Chastain en el papel de Celia Foote, una "nueva rica" que hace hasta lo imposible por ser aceptada en el círculo social de las altaneras damas locales. O, quizás sería más preciso decir que Chastain es simplemente víctima del libreto, pues su actuación es generalmente buena, e incluso se roba mi escena favorita de la película (cuando siembra flores).

Sin embargo, The Help puede sobrevivir estos tropiezos en virtud de la excelente química compartida por el elenco, y las intensas relaciones que forjan las protagonistas. Esa interacción es lo mejor de la película, y descarta cualquier sospecha de manipulación sentimental, pues no necesita exagerar para que apreciemos en los rostros de las actrices el sufrimiento de sus personajes y la catarsis que representa algo tan simple como desahogar sus penosos recuerdos y tristes experiencias. Aunque esté basada en una novela, la película The Help se siente como una historia verídica por la sinceridad de las actuaciones y el realismo de las situaciones que plantea, tristemente creíbles en el marco histórico donde se ubica. Y quizás haya bastante realidad detrás de la ficción, pues la autora Kathryn Stockett aparentemente creció en un pueblo similar, y se antoja posible que el personaje de Skeeter sea parcialmente autobiográfico, lo cual solo hace más profunda la experiencia.

Entonces, aunque sentí algunas irregularidades tonales y narrativas, creo que The Help merece una entusiasta recomendación no solo por sus actuaciones, sino por las disyuntivas morales que plantea, la riqueza visual de su período histórico y, sobre todo, por el mensaje que nos deja, sin duda positivo pero lejos de parecer ingenuo. En cuanto al "Oscar buzz", será perfectamente natural encontrar a Viola Davis y Octavia Spencer entre las nominaciones a cualquier premio de actuación. Y aunque Emma Stone tiene un papel más pasivo, nos demuestra que su talento llega más allá de las comedias románticas y juveniles donde la vemos con frecuencia. Ah, y no quiero olvidar a Bryce Dallas Howard en un difícil papel que conjuga malicia con ignorancia para darnos una memorable villana digna de odio y lástima. En resumen, The Help usa una fórmula simple para presentar una historia compleja, que trasciende el problema racial para examinar la turbulencia emocional que compartimos como humanos, sin importar el color de la envoltura. Creo que sigo prefiriendo el estilo belicoso y directo de Spike Lee, pero ciertamente hay lugar para una interpretación más comercial y accesible de los mismos temas.
Calificación: 9

Año Nuevo (New Year's Eve)

2011-12-19T13:20:00.000-06:00

Los aficionados al cine seguramente habrán visto las coloridas descripciones que acompañan la "clasificación" de películas en los Estados Unidos. Por ejemplo: "PG-13 por lenguaje y situaciones sexuales". O, en otros casos, "R por sangre excesiva, violencia brutal y una escena de canibalismo". Eso está muy bien como guía para padres que necesitan evaluar el contenido de una película antes de dejar que la vean sus hijos, o para personas sensibles que no quieren ofenderse cuando solo buscaban divertirse. Pero ¿qué pasa cuando la película es ofensiva por incompetencia en todos sus aspectos, y no solo por cuestiones de sexo o violencia? En ese caso propongo la creación de un sistema preventivo que nos advierta sobre los clichés, problemas e inconsistencias que pueden padecer las películas de Hollywood.

Por ejemplo... ¡ya sé! Acabo de ver Año Nuevo (¡qué coincidencia!), una de las más dolorosas experiencias que he sufrido en cines este año, y se me ocurren algunas advertencias que los productores podrían hacer para que el público sepa de antemano lo que le espera. Desde luego estas precauciones no rescatan la película, pero al menos nos preparan para enfrentar la bancarrota creativa en la que ha caído la industria cinematográfica (lo cual también dice mucho de quienes dedicamos a ella tanto tiempo y dinero).

Entonces, para sentar un precedente legal en futuras demandas, Año Nuevo debería prevenirnos sobre lo siguiente:

- Precaución: Contiene actores ganadores del Oscar pisoteando su ilustre carrera por ganar unos cuantos dólares.
- Peligro: Los intentos de actuación de Ashton Kutcher pueden causar daños en el nervio óptico por hacernos girar los ojos más allá de su límite natural.
- Sugerencia: Como compensación para hombres que llevaron a sus esposas o novias a ver Año Nuevo, podrán exigir tiempo libre para jugar Skyrim o Modern Warfare 3 durante al menos dos fines de semana.
- Nota: Los irritantes anuncios y constante "product placement" a lo largo de Año Nuevo son un castigo por saltarnos los comerciales cuando vemos programas de televisión grabados. (Nota patrocinada por Nivea ®, 100 Años Cuidando tu Piel en Todo Momento ©)

- Edicto: Warner Bros. no se hace responsable por las consecuencias de seguir los ejemplos maternos de Sarah Jessica Parker o Jessica Biel.
- Advertencia: La actuación de Robert De Niro como un hombre agonizante no debe interpretarse como una metáfora de su carrera.
- Aviso: Película dirigida por una "leyenda" de Hollywood que seguirá siendo alabada sin importar cuántos bodrios produzca.
- Precaución: La clásica pregunta de "¿con qué chica se quedará el galán?" nunca había provocado menos suspenso...
* Adendo A: ... ni había causado más incredulidad cuando finalmente se revela la respuesta.

- Aviso obvio: Jon Bon Jovi es peor actor que cantante. En ese aspecto es pareja perfecta de Katherine Heigl.
- Nota: Favor de no cuestionar la bola descendente como símbolo universal del año nuevo.
- Aviso: Durante la celebración del año 2012 es aceptable usar prendas con el número 2010.
- Peligro: Manejar una casa rodante en Nueva York podría no ser tan fácil o gracioso como lo indica la película.
- Precaución: Los inspiradores monólogos sobre belleza, segundas oportunidades e imaginación no deben tomarse en serio. Si le parecen sinceros, consulte a su médico.
- Mucho Ojo: Al salir del cine evite hacer contacto visual con otros integrantes del público; así será más fácil disimular la pena de haber visto Año Nuevo.

Y desde luego hay muchas otras advertencias (por favor sugieran las suyas en los comentarios), pero me rehúso a seguir pensando en esta película. Además, me temo que no servirán de nada, pues nadie acostumbra leer los manuales de enseres domésticos, donde se listan todas las maneras como puede matarnos nuestra lavadora. Como sea, basta con haber visto Valentine's Day el año pasado para alejar a los curiosos de esta pseudo-secuela; y si eso no fuera suficiente, reciban mis condolencias por su tiempo perdido.

- Advertencia sobre esta crítica: Vi Año Nuevo con un fuerte resfrío y bajo el efecto de varios medicamentos anti-gripales, así que mi percepción pudo ser errónea. Quizás sea la mejor película romántica de todos los tiempos, y quizás Ashton Kutcher sea el mejor actor de su generación. En cuyo caso, extiendo la siguiente GARANTÍA INCONDICIONAL DE POR VIDA: Si por alguna razón el lector no queda satisfecho con la película, garantizo que estaré pensando: "Se los dije".
Calificación: 4

Inmortales (Immortals)

2011-12-17T13:33:00.001-06:00

Hace veinte años me asombró la novedosa estética visual que el artista y director Tarsem Singh empleó en algunos memorables videos musicales y comerciales de los noventas. Sin embargo, cuando Singh finalmente dirigió una película resultó ser un desastre narrativo, pero, eso sí, repleto de impresionantes imágenes que aún perduran en mi memoria. Algunas personas opinaron que el estilo visual de The Cell bastó para hacerla una buena película, pero no me encuentro entre ellos (aunque respeto su opinión). Y sospecho que ocurrirá lo mismo con Inmortales, nueva cinta de "acción mitológica" con la que Singh pretende triunfar donde fracasaron Conan the Barbarian y el re-make de Clash of the Titans. ¿Lo consigue? Creo que no, pero eso no le impide ser entretenida y, desde luego, visualmente impactante.

El argumento de Inmortales emplea una densa sopa de mitología griega para contarnos la historia de Theseus (Henry Cavill), un virtuoso y valiente hombre involucrado accidentalmente (¿o será voluntad divina?) en la cruzada del maniático Rey Hyperion (Mickey Rourke), quien pretende liberar a los Titanes de su eterna prisión bajo el Monte Tartarus para que eliminen a los Dioses del Olimpo, sus enemigos mortales (o, mejor dicho, inmortales, jo, jo). Y si Hyperion logra capturar en el caos de la batalla una poderosa arma que le permitirá dominar el mundo, pues qué mejor.

Asumo que cuando Tarsem Singh vio 300 la tomó como una afrenta personal y un reto para superarla en todos sentidos. Y eso es lo que intentó con Inmortales... otro refrito del género "peplum" (también conocido como "cine de sandalias y espadas") filtrado a través de una sensibilidad hiper-artística y rebuscada, que no quedó satisfecha hasta que cada pixel de la pantalla fuera opulentamente sobre-diseñado (en color dorado, de preferencia), y cada pelea fuera elegantemente coreografiada en cámara lenta, con mórbida atención a cada chorro de sangre y a cada músculo de los varoniles guerreros griegos que, en distintas circunstancias, no estarían fuera de lugar como "backup dancers" en algún aparatoso video de Lady Gaga.

En lo que respecta a la historia, podemos esperar las habituales fórmulas empleadas como un fin por sí mismas, y no como herramientas para contar una historia coherente. Desafortunadamente Singh muestra tan poco interés en el desarrollo de los personajes que hasta los más rimbombantes clichés se sienten blandos y carentes de energía, ya sea la pelea inicial entre Theseus y los soldados (para demostrar que es un tipo sensible, pero sabe defenderse cuando insultan a su mamá), o los trémulos monólogos de Hyperion, tan ridículamente solemnes y confusos que sus víctimas seguramente dan gracias cuando el obsesionado rey finalmente se digna matarlos. Por cierto, me temo que este no es el Mickey Rourke de The Wrestler, sino el bizarro hermano gemelo que vimos fuera de control en Iron Man 2 y Domino.

Y ya que estoy quejándome de los actores, necesito expresar mi temor por el papel (o papelón) que hará Henry Cavill como Superman en un par de años. Sin duda tiene rostro esculpido en granito y cuerpo de atleta griego... pero, caray, hasta en las más intensas escenas parece un recorte de cartón, incapaz de transmitir sus emociones al espectador (esperen a ver su discurso inspirador antes de la gran batalla... ¿"Pelearemos por los niños"? Sparta, tenemos un problema). Sinceramente espero que Zack Snyder sepa lo que está haciendo. En fin, volviendo al punto, el resto del elenco de Inmortales (con la posible excepción de John Hurt) se limita a repetir sus líneas y servir como maniquíes vivientes para lucir los caprichos de alta costura de Singh, quien prefiere usar el cuerpo humano como elemento de diseño, y no como vehículo de personajes con los que pudiéramos identificarnos.

Sin embargo, como dije al principio, el derroche de estilo en Inmortales es tan abrumador y la acción tan sangrienta que podría distraernos durante casi dos horas, siempre y cuando nuestro cerebro coopere y abandone la esperanza de ser estimulado por una historia interesante. Entonces, si les parece atractiva la idea de ver una película que combina a Frank Frazetta con el más extravagante “pictorial” de Vanity Fair, vean Inmortales, y quizás terminarán apreciando sus virtudes superficiales. Solo recomiendo llevar al cine algo para leer durante los tediosos diálogos. Excepto lo de Mickey Rourke... esos son el "comic relief" y no hay que perdérselos.
Calificación: 6

Our Idiot Brother

2011-12-14T17:14:00.000-06:00

Sí, ya sé... otra idiosincrática comedia "indie" con personajes pintorescos, problemas "de primer mundo" y ese curioso estilo de humor simultáneamente blando, sofisticado y pretencioso que tanto gusta en Sundance, Toronto y similares festivales "serios". Sin embargo, a diferencia de otras cintas cocinadas en el mismo molde, Our Idiot Brother me pareció genuinamente graciosa, honesta e inteligente, incluso si cae en los clásicos clichés que mucha gente aborrece en este tipo de cine. O quizás me dejé deslumbrar por el brillante elenco de comediantes que usan su talento para balancear el blando drama del libreto. Como sea, fue una agradable experiencia que merece ser descubierta.

El "hermano idiota" del título es Ned (Paul Rudd), afable e inofensivo "hippie" que pasa unos meses en prisión por vender marihuana a un policía. Cuando recupera la libertad trata de retomar su antigua vida, pero descubre que su novia Janet (Kathryn Hahn) está viviendo con otro hombre en su granja "bio-dinámica". Entonces, más por obligación que por auténtico interés, las tres hermanas de Ned se turnan para ayudarlo y albergarlo en sus respectivos hogares... con funestas consecuencias. Ned es tan honesto e ingenuo que mucha gente (incluyéndose a él mismo) lo considera "retrasado", y no puede evitar que sus inocentes comentarios causen graves problemas a sus hermanas, que ya de por sí tienen vidas bastante caóticas. Liz (Emily Mortimer) es una abrumada ama de casa, sosteniendo por sí sola el hogar mientras su pedante esposo Dylan (Steve Coogan) filma un documental sobre bailarinas rusas ex-patriadas; Miranda (Elizabeth Banks) es una reportera tratando de vender una jugosa historia a la revista Vanity Fair; y Natalie (Zooey Deschanel) trata de sobrevivir como artista al mismo tiempo que oculta múltiples infidelidades cometidas a espaldas de su confiada novia Cindy (Rashida Jones). Pero... ¡un momento! ¿Será posible que la influencia del "idiota" Ned pueda traer consecuencias positivas en la neurótica vida de sus hermanas?

Aunque las situaciones que plantea el libreto de Our Idiot Brother no son precisamente originales o complicadas, cumplen su función de ilustrar problemas comunes en las relaciones modernas, donde las mentiras blancas y "filtros sociales" pueden acumularse hasta erosionar por completo la confianza (y la felicidad) entre parejas o miembros de una familia. Por otro lado, la película solo funciona cuando estos problemas se resuelven con tanta facilidad que bordea en lo frívolo, como si estuviéramos viendo un "sitcom" apenas un poco más inteligente que el promedio. Afortunadamente los actores se encargan de añadir el peso emocional necesario para asentar la película y, con suerte, disimular su ligereza narrativa.

Hablando de lo cual, el director Jesse Peretz se sacó la lotería con un elenco que incluye a Paul Rudd en el papel principal, alejándose de su clásico cinismo para abordar un personaje decente y absolutamente libre de hipocresía, pero sin descartar sus naturales imperfecciones humanas. Digamos que es una versión moderna de Forrest Gump, añadiendo afición a la marihuana y con un perro como el amor de su vida. Emily Mortimer encarna maravillosamente al ama de casa abrumada por la rutina, y tan insegura de su matrimonio que se siente culpable por la apatía de su esposo. Elizabeth Banks tiene un papel similar al que hizo en 30 Rock... una mujer tan implacable en su lucha por ascender laboralmente que tiende a ignorar aquellos que afecta con su desmedida ambición (incluyéndose a si misma). Finalmente, Zooey Deschanel me pareció simpática pero un poco afectada como el espíritu libre y artístico que quizás no sea tan espontánea como todos piensan... ni tan lesbiana como cree su novia, fantásticamente interpretada por Rashida Jones con ayuda de un enorme par de gafas. Redondeando el reparto tenemos a los hombres, representando diversas facetas del género masculino, con todo lo bueno y malo que ello implica. Steve Coogan es experto en interpretar personajes insufribles, y esta no es la excepción (con atractivo adicional para quienes soñaban con ver su trasero desnudo... entre otras cosas). Adam Scott es el hombre sensible e inteligente que sería pareja perfecta de cualquier mujer... si no fuera porque carece de seguro médico. Y, finalmente, T.J. Miller roba sus escenas como Billy, pareja actual de la ex-novia de Ned, cuya inesperada afinidad por su "rival" quizás se deba a que es tan inocente e "idiota" como el protagonista.

A fin de cuentas me gustó la trama de Our Idiot Brother, aunque resuelve sus conflictos de manera demasiado conveniente (la escena final es tan cursi que podría ser satírica); sin embargo fue la simpatía de los actores y sus perfectos instintos humorísticos lo que mejor vendió la película, y lo que la hace merecedora de una sincera recomendación, esta vez dirigida a todo tipo de público, en vez de limitarla (como de costumbre) a fans del cine "indie" habituados a tolerar argumentos forzados y mensajes pretenciosos. Entonces, dudo mucho que Our Idiot Brother alcance el raro estrato de cintas independientes como Juno, Little Miss Sunshine o (500) Days of Summer, cuyo éxito cruzó al cine "mainstream"; pero sin duda podrá ser apreciada por una amplia audiencia gracias a su accesible humor y simpáticos personajes. Y, claro, sin olvidar el trasero y "paquete" de Steve Coogan... (no, en serio... por favor díganme cómo puedo borrarlo de mi mente).
Calificación: 8.5

Hermanos por Siempre (Conviction)

2011-12-12T19:07:00.005-06:00

La película Hermanos por Siempre está basada en una historia real sorprendente y ciertamente inspiradora. Por eso esperaba que Hollywood la convertiría (como acostumbran) en un empalagoso melodrama con muchas lágrimas pero poca integridad narrativa. Para mi sorpresa, el director Tony Goldwyn tomó el camino opuesto, centrándose en los hechos y controlando cuidadosamente las emociones de su película para que no sofocaran la trama, dando como resultado una obra concisa y frugal que no escatima fuerza emotiva.

El argumento de Hermanos por Siempre abarca los años ochentas y parte de los noventas, empleando una estructura asincrónica para contarnos la historia de Betty Anne Waters (Hilary Swank), una modesta ama de casa en un pequeño pueblo del norte de los Estados Unidos que lucha incansablemente por liberar a su hermano Kenny (Sam Rockwell) de presidio, donde cumple una condena de cadena perpetua por un asesinato que no cometió. Pero ¿es realmente inocente? Por medio de "flashbacks" vemos la niñez y juventud de los hermanos Waters, y queda claro que Kenny siempre fue un individuo violento e inestable, con un largo historial de problemas con la ley. De hecho, su única virtud parece ser la inflexible lealtad que siempre mostró hacia su hermana, y su preocupación por defenderla de todo peligro, ya fuera un regaño de sus crueles padres, o una agresión de los abusivos policías locales.

Entonces, con poco dinero y sin el apoyo de autoridades apáticas que ven a Kenny como una molestia menos, Betty Anne decide terminar su educación básica para poder estudiar leyes en una universidad comunitaria, graduarse como abogada y reabrir el caso de su hermano. Quizás con la nueva tecnología llamada "análisis de DNA" (recuerden, son los ochentas) la inexperta abogada logrará probar la inocencia de su hermano... o enfrentar la funesta confirmación de su culpabilidad. Pero, sea como sea, primero deberá encontrar evidencia de un caso cerrado más de una década atrás...

El título original de la película (Conviction) funciona en dos niveles; en su forma más simple, habla de la convicción de un acusado basada más en su carácter y reputación que en la investigación de los hechos y el examen de evidencia. Y en su nivel más profundo, describe la férrea convicción que impulsó a Betty Anne durante años para probar la inocencia de su hermano. Obviamente el eje de la cinta es la cruzada de la mujer en pos de la justicia; pero honestamente encontré más interesante su evolución personal, empezando como una insegura muchacha de pueblo y terminando como una fuerte mujer segura de sí misma y consciente de todo lo que sacrificó para cumplir la deuda moral que siente con Kenny.

El crédito desde luego debe adjudicarse a Hilary Swank, quien realiza un excelente trabajo en el papel principal. Claro que no debería sorprendernos; como siempre, Swank toma posesión de su papel y se funde con el personaje sin caer en las exageraciones y malabares histriónicos que tanto le gusta a "la Academia" (por cierto, los fans de los acentos regionales se divertirán con el espeso dialecto bostoniano). El resto de los actores son igualmente competentes, desde Sam Rockwell como el volátil Kenny, hasta Minnie Driver como ocasional "comic relief" y mejor amiga de Betty Anne. Y no podemos olvidar los roles incidentales cuando están en manos de actores tan fuertes como Melissa Leo y Juliette Lewis. Pero la película es de Hilary Swank, y su hipnótica presencia nos ayuda a sobrellevar algunos de los más secos y repetitivos momentos de Hermanos por Siempre.

Al principio mencioné el sobrio balance emocional del libreto, y su disciplina para ceñirse a los hechos sin regodearse en drama innecesario. Respeto que Goldwyn haya tomado esa decisión (y me parece la más acertada para honrar a los protagonistas de la historia real), pero al mismo tiempo hace la cinta un tanto estéril y monótona. No sé si hubiera funcionado mejor poniendo más énfasis en el proceso legal (sin caer en extremos de CSI) y menos en la nostalgia familiar; o si el problema fue que el final se desinfla un poco, en vez de servir como la catarsis (positiva o negativa) que estábamos esperando. Pero bueno... como quiera que sea, Hermanos por Siempre merece una recomendación por sus buenas actuaciones, notable historia e interesante examen de un proceso jurídico tan falible que resulta deprimente pensar en las injusticias que comete debido a ignorancia, error humano o incompetencia policiaca. Mi única advertencia para disfrutarla es no esperar un tenso thriller legal (en el estilo de A Few Good Men), sino un honesto drama familiar libre de pretensión... y al mismo tiempo carente del sórdido melodrama que quizás lo hubiera hecho más comercial y satisfactorio. Pero no importa... para eso está la televisión. En este caso, prefiero quedarme con la actuación de Swank.

Veredicto: 7.5

Robo en las Alturas (Tower Heist)

2011-12-10T17:06:00.005-06:00

Tan solo viendo los cortos de Robo en las Alturas queda claro que no hay absolutamente nada nuevo en su historia o ejecución, pero aún así tenía la esperanza de que su excelente elenco y marginalmente competente director encontrarían el balance justo de comedia y acción para hacerla al menos entretenida. En algunos aspectos lo logran (sobre todo en los tensos veinte minutos finales), pero no lo suficiente para rescatar esta experiencia llena de personajes pre-fabricados, clichés del género "gran robo" e imperdonables fallas lógicas que revelan un libreto pobremente escrito y no muy bien ejecutado. Es una lástima, pues se nota que los actores hicieron un genuino esfuerzo por sacar a flote sus papeles; y la dirección del controversial Brett Ratner supo dónde acelerar la trama y dónde frenarla cuando hacía falta fortalecer la dinámica entre los personajes. Sin embargo, la película no me pareció ni muy graciosa ni muy emocionante, y será demasiado fácil olvidarla en cuanto termine de escribir estos párrafos.

El argumento comienza con una mirada a la disciplinada vida de Josh Kovacs (Ben Stiller), eficiente conserje de un elegante edificio de departamentos llamado "La Torre", donde los más ricos y poderosos de Nueva York viven rodeados de lujo y protegidos por complejos sistemas de seguridad. Uno de los más opulentos inquilinos (y dueño parcial del edificio) es Arthur Shaw (Alan Alda), con quien Josh mantiene una cierta amistad. Pero esa amistad se ve traicionada cuando Shaw comete un inmenso fraude financiero que deja a los empleados de La Torre sin sus pensiones para el retiro. Sin embargo, durante una conversación casual, Josh se entera de que Shaw tiene oculto un "fondo de escape" con al menos 20 millones de dólares. Entonces, usando sus extensos conocimientos sobre las rutinas diarias, procedimientos de seguridad y secretos del edificio, el conserje desarrolla un plan para robar el dinero y regresarlo a sus compañeros necesitados. Claro que Josh no podrá llevar a cabo un plan tan descabellado por sí solo, así que recluta un equipo integrado por otros ex-empleados, un ladrón "profesional" de poca monta, y un inquilino que fue expulsado por no pagar la renta. Y, para complicar más las cosas, también comienza un tímido romance con la Agente Denham (Tea Leoni), encargada de investigar el asunto de Shaw.

La primera mitad de Robo en las Alturas transcurre con alarmante lentitud, pues toma demasiado tiempo para establecer la situación, introducir a los personajes, e incluso crear una atmósfera emocional que justifique el robo, presentándolo no solo como "justicia casera" contra el amoral banquero, sino como justa revancha por los años de humillación e impotencia que el personal de servicio toleró mientras trabajaba para los ricachones de Wall Street (sí, aunque el fraude del villano está inspirado en los crímenes reales de Bernie Madoff, la película definitivamente incluye una denuncia contra los responsables del colapso económico actual). Sin embargo, aún dedicando más de una hora para acomodar los elementos y detallar las habilidades de cada cómplice, el libreto debe hacer muchas trampas para hacernos creer que un puñado de ineptos fulanos (y una mujer) serán capaces de llevar a cabo un robo tan audaz (¡qué suerte que tuvieran tan cerca a un experto en abrir cajas fuertes!). Quizás si Robo en las Alturas fuera una comedia "slapstick" como Rush Hour, o una farsa satírica al estilo de A Fish Called Wanda, podríamos aceptar sus más exagerados (o inverosímiles) eventos. Pero al insistir en un tono más o menos formal y realista, termina metiéndose el pie en demasiadas ocasiones, y me fue imposible tomarla en serio como "heist movie", o disculpar las ridiculeces de la trama en aras del (inexistente) humor.

Entonces, no podría realmente recomendar Robo en las Alturas, pero me gustó su premisa y creo que pudo ejecutarse con mejor estilo, humor o suspenso si hubieran pulido un poco más el libreto, o si la dirección estuviera a cargo de alguien con mayor visión, que supiera valorar a los actores y les diera la oportunidad de brillar en sus respectivos papeles (me temo que esta es una de las pocas películas donde el genial Eddie Murphy no me pareció gracioso en lo absoluto - lo cual no ocurrió ni en bodrios como Norbit o Imagine That). De hecho, creo que el personaje más interesante es el villano interpretado por Alan Alda, lo cual no habla muy bien de los "héroes" con los que deberíamos simpatizar para disfrutar la película. Ni hablar; no es la primera ni será la última vez que veamos el desperdicio de un sólido elenco o una interesante historia. El problema es que al salir de la película también me sentí víctima del robo de mi tiempo. ¿Me pregunto que ridículo plan podría poner en marcha para cobrar venganza?

Calificación: 5

El Enviado (11-11-11)

2011-12-09T18:16:00.006-06:00

Antes que nada, una breve introducción para los "no iniciados". Desde hace varios años (quizás décadas) empezó a formarse un movimiento "new age" (por llamarlo de algún modo) en torno a los números 11:11, los cuales estaban encontrando muchas personas en relojes (y otras cotidianas ocurrencias) con una frecuencia que excedía el simple azar... casi como si fuera un mensaje cósmico de incierto significado. Entonces, los "expertos" en estos temas empezaron a formar una compleja mitología alrededor de esos números (y otros similares, como 12:34, 2:22, etc.), que sugería influencias sobrenaturales, entidades celestiales y, desde luego, profecías centradas en las fechas que incluyen tales números. Independientemente de la legitimidad de este movimiento (el cual, en mi humilde opinión, tiene la misma credibilidad que los "demonios de las multitudes" y el estudio de los "rods"), el director Darren Lynn Bousman decidió realizar una película centrada en dicho tema para aprovechar la cercanía del 11 de Noviembre del 2011 (11-11-11). Sobra decir que la fecha vino y se fue sin consecuencia aparente; pero bueno, aunque sea tarde nos llega la película 11-11-11 (titulada en México "El Enviado") para disipar nuestras dudas... o profundizar el misterio.

Al principio de El Enviado conocemos a Joseph Crone (Timothy Gibbs), un exitoso escritor de misterios que sufre una severa depresión tras el fallecimiento de su esposa e hijo en un incendio que tuvo sospechosas conexiones con los números 11:11. Empeorando la situación, Crone sufre un horrible accidente automovilístico el 8 de Noviembre del 2011, aunque sobrevive milagrosamente; y ese mismo día recibe la noticia de que su padre está agonizando en Barcelona, donde lo cuida su hermano Samuel (Michael Landes), cuya intensa fe cristiana siempre chocó con el escepticismo de Joseph. Sintiéndose culpable por haber abandonado tanto tiempo a su familia, el escritor viaja a España el 9 de Noviembre... y de inmediato empieza a experimentar extraños eventos, como la presencia de amenazadoras figuras en las sombras de la vieja casona donde languidece su padre. Entonces, a pesar de sus reservas sobre todos los temas espirituales, Crone reconoce gradualmente que está pasando algo extraño, y todo apunta a que su destino será determinado por lo que ocurra el 11 de Noviembre del 2011, fecha que está a unos días de cumplirse.

Creo que hay algunas buenas ideas en El Enviado, y una honesta intención de fusionar las creencias espirituales con un punto de vista pragmático y escéptico. Sin embargo el director y guionista no supo exactamente cómo conciliar la mitología del 11:11 con sus experimentos dialécticos sobre religión e influencia divina (o satánica), de modo que el libreto degenera rápidamente en una confusa mezcla de tediosas conversaciones entre el escritor ateo y su hermano sacerdote; y varios intentos por asustarnos con las siniestras entidades que rodean a los personajes. A decir verdad, la dirección de Bousman logra orquestar un par de genuinos sobresaltos realizados "a la antigua", sin efectos digitales ni exageraciones melodramáticas. Pero conforme pasa el tiempo y no vemos la relación de los "sustos" con la trama principal, el proceso termina sintiéndose repetitivo y artificial, como un desesperado intento por mantener el "status" de película de terror, pero sin resolver la frustrantemente ambigua mitología que el guión trata de forjar.

A pesar de todo debo confesar que me gustó el desenlace de El Enviado, cuando por fin se atan los cabos sueltos y se revela la importancia de la fecha, así como el propósito de los mensajes cósmicos recibidos por el protagonista. Lamentablemente esto ocurre en los últimos dos o tres minutos de la cinta, y además requiere el viejo truco de repetir muchas escenas para que, retrospectivamente, nos demos cuenta de su importancia y de su función en el rompecabezas de la trama. O, con más cinismo, podríamos verlo como un débil esfuerzo por decir "¿Ven? ¡Todo estaba planeado desde el principio!", mientras que la sensación que deja El Enviado es de una historia improvisada y caprichosamente armada con elementos que nunca "pegaron" mientras la veíamos. En lo que respecta a sus aspectos técnicos, la cinta es razonablemente competente; las actuaciones cumplen su función sin pena ni gloria; las locaciones españolas aportan una atmósfera sombría (aunque no negaré que también le da un cierto aire a Filmax - no lo digo como insulto) y la cinematografía aporta considerable suspenso con las bien planeadas apariciones de entidades en rincones oscuros que nos dejan dudando si realmente vimos algo o si fue nuestra imaginación.

Honestamente no sé si hubiera sido posible realizar una buena película fundamentada en algo tan arbitrario e incompleto como la mitología del 11:11; quizás Bousman debió expresar sus ideas en un entorno más puro, sin contaminarlo con teorías "new age" carentes de lógica o fundamento; por otro lado, eso no le hubiera dado la gratuita publicidad de la fecha 11-11-11 ni la curiosidad de quienes conozcan estos temas. También vale advertir que NO es una película apocalíptica, al estilo de 2012 o Knowing, así que no esperen catástrofes ni destrucción global. De cualquier modo no puedo recomendar El Enviado ni como pseudo-estudio de espiritualidad alternativa, ni como un misterio interesante, y mucho menos como película de terror, pues aunque ofrece buena atmósfera, un sólido final y un par de honestos escalofríos, la trama es tan lenta y enredada que pone a prueba nuestra paciencia para tolerar su tergiversada premisa. Es una lástima, pues generalmente he disfrutado el trabajo de Bousman en el cine fantástico (por ejemplo Mother's Day, Saw II y Saw III) y siento que conoce suficiente del género para evitar sus más comunes trampas. Desafortunadamente en esta ocasión no vio las señales de un bodrio, hasta que fue demasiado tarde para quienes tuvimos la mala suerte de verlo. Quizás eso es lo que los números trataron de advertirnos durante todo este tiempo.

Calificación: 5-5-5

Chillerama

2011-12-07T15:33:00.006-06:00

Me da gusto que el formato de antología esté regresando lentamente al cine de terror, pues aunque tiene sus riesgos particulares (segmentos demasiado breves o largos, calidad impredecible, incompatibilidad de temas, etc.) a fin de cuentas nos ofrecen varios relatos cortos, lo cual incrementa las probabilidades de encontrar uno que nos guste; e incluso si los demás no son particularmente buenos, al menos serán cortos y pasarán rápido. El año pasado, alrededor de estas fechas, pudimos disfrutar la notable Trick 'r Treat; y ahora llega la pintoresca Chillerama con cuatro historias dirigidas por sendos directores cuyo nombre y experiencia en el género de terror nos dan cierta confianza de que veremos algo fuera de lo común. O al menos entretenido.

Y vaya si Chillerama cumple. Su tono vulgar y su estilo "retro" podrán decepcionar a los fans del horror más solemne y formal, pero quien sepa apreciar el negrísimo humor de los relatos y el burdo homenaje que hacen al cine clásico, sin duda quedará satisfecho con los excesos estilísticos, ingeniosas premisas y grotesco "gore" que ofrece esta energética producción independiente, sin duda destinada a la categoría de culto en años futuros.

Al principio de Chillerama nos enteramos de que el autocinema Kaufman se dispone a cerrar sus puertas para siempre. Pero en su última noche de operación el afable dueño preparó un programa único, titulado "Chillerama", donde exhibirá varias películas de terror de extrema rareza, lo cual atrae a un gran número de fans ansiosos por ver estas olvidadas joyas del género fantástico. Desafortunadamente uno de los empleados del autocinema tuvo un "encuentro cercano" con un zombie (el cadáver de su ex-esposa, nada menos), y conforme avanza la noche se extiende la infección entre la audiencia, hasta que la plácida noche de cine se convierte en una orgía (literalmente) de sangre, vísceras y violencia.

Pero antes de que eso ocurra, veremos las tres películas elegidas por el afable Sr. Kaufman (Richard Riehle). La primera es Wadzilla, un homenaje al cine de monstruos gigantes de los cincuentas, con un giro decididamente escatológico. El protagonista es Miles Munson (Adam Rifkin), un tímido oficinista con problemas reproductivos que el Dr. Weems (Ray Wise) trata de solucionar con una medicina experimental. Sobra decir que la condición de Munson empeora rápidamente... y, para colmo, todo esto ocurre durante la primera cita con la chica de sus sueños. La segunda película es I Was a Teenage Werebear, y comparte la estética de los "musicales de playa" de los sesentas (al estilo de Gidget y Beach Blanket Bingo). El protagonista es Ricky (Sean Paul Lockhart), un estudiante "confundido" que no está muy interesado en su atractiva novia. Pero cuando es mordido por el misterioso Talon (Anton Troy) comienza una terrible transformación que lo obligará a definir de una vez por todas su preferencia sexual. Finalmente, la tercera película es The Diary of Anne Frankenstein, en el que el mismísimo Adolf Hitler (Joel David Moore) descubre el diario del Dr. Victor Frankenstein y procede a construir con piezas de cadáveres su propia criatura, la cual entrenará para matar a sus enemigos (o incluso a sus asustados subordinados). Desafortunadamente la criatura parece tener un origen étnico muy poco compatible con Hitler y su doctrina nazi...

Los directores de Chillerama son más conocidos por cintas tan variadas como Detroit Rock City (Adam Rifkin), Hatchet (Adam Green), 2001 Maniacs (Tim Sullivan) y Wrong Turn 2: Dead End (Joe Lynch), pero lo que tiene su obra en común es un exuberante sentido del humor y una energía que ayuda a distraernos de sus ocasionales fallas. Lo mismo ocurre con Chillerama, aunque podríamos decir que muchas de sus "fallas" son en realidad referencias intencionales a las películas que emulan. Wadzilla emplea simpáticos efectos prácticos (cortesía de los siempre creativos Hermanos Chiodo), pero tiene el peor trabajo de "green screen" que he visto en tiempos recientes. I Was a Teenage Werebear usa máscaras caseras en sus monstruos, así como los más baratos "props" de plástico para representar el desmembramiento de sus víctimas; pero lo peor son los números musicales, horriblemente producidos e interpretados por voces que sería amable llamar "amateur". El segmento Zom-B-Movie (que engloba las demás historias) se siente más moderno y menos afectado, aunque tampoco podríamos aplaudir sus zombies caseros e ineptos fluidos "day-glo". Finalmente, The Diary of Anne Frankenstein (mi segmento favorito, por cierto) evade algunos de estos problemas con sólida cinematografía monocromática e hilarantes detalles de edición y diseño que enorgullecerían al mismísimo Ed Wood.

Lo asombroso es que, a pesar de tantas limitaciones (intencionales o accidentales), Chillerama resulta ser una experiencia muy entretenida, graciosa y hasta inteligente por la sagacidad con la que captura la esencia de los períodos históricos que la inspiraron. Por lo tanto merece una sincera recomendación, con la obligatoria advertencia de que su vulgar sentido del humor podría ofender a algunos espectadores. Pero bueno... quiero pensar que quienes reconozcan las películas previas de estos directores estarán preparados para el espermatozoide carnívoro de Wadzilla, para el romance homosexual entre "hombres-oso" de I Was a Teenage Werebear, y para la incorrección política de The Diary of Anne Frankenstein. Más antologías como esta, por favor; su ejecución podrá ser algo rústica, pero respeto su honesta intención de divertirnos a toda costa, y su obvio amor por el género de terror. De hecho, me gustaría que Chillerama se convirtiera en el comienzo de una franquicia con entregas anuales; hay mucho material para satirizar, y muchos directores que merecen la oportunidad de trabajar en este formato más flexible y creativo. Bueno, creo que hasta Uwe Boll podría sorprendernos bajo estas condiciones.

Calificación: 8.5

Anónimo (Anonymous)

2011-12-05T19:00:00.004-06:00

Como aficionado a la literatura sobre conspiraciones, "conocimiento secreto" y demás curiosidades históricas de dudosa veracidad, he leído un poco sobre las teorías que proponen la falsedad de William Shakespeare como autor de las obras teatrales, poemas y sonetos que lo hicieron tan famoso... y, honestamente, no me parecen teorías muy convincentes. Incluso sin ser historiador, y sin confirmar las contradicciones de fechas y lugares, me queda claro que el punto focal de estas "conspiraciones" es simplemente alegar que Shakespeare no pudo haber escrito las más aclamadas obras del lenguaje inglés porque no tenía las conexiones sociales, educación o cultura necesarios para lograrlo. En otras palabras, estos investigadores suponen que la genialidad de un individuo está determinada por su dinero o posición social, y que ningún "plebeyo" podría poseer el talento necesario para destacar en su oficio. Bajo esa lógica, todos los millonarios deberían ser genios artísticos y científicos... y sin embargo seguimos esperando que Paris Hilton cure el cáncer.

Pero bueno... aparentemente el director Roland Emmerich quiso llevar a la pantalla un relato basado en tales hipótesis para demostrar de una vez por todas que es un director "serio", y que no todas sus películas necesitan mostrar catástrofes globales, invasiones extraterrestres o épicas batallas. En cierto modo creo que hizo un buen trabajo, pero quizás debió afinar el libreto (escrito por John Orloff), pues sus frecuentes saltos cronológicos, intrigas cortesanas y numerosos personajes hacen la historia confusa, lenta y a veces aburrida. Afortunadamente las cosas mejoran conforme avanza la trama, y para el final no importa mucho si Anónimo fue una absoluta falsedad histórica, ya que su argumento se torna interesante, ágil y satisfactorio.

Como dije, hay demasiados personajes en juego, y casi medio siglo de historia comprimidos en las dos horas y cuarto de Anónimo, así que solo mencionaré los elementos principales: Edward de Vere, el Conde de Oxford (Rhys Ifans) es un respetado miembro de la aristocracia que usa su talento literario para escribir obras teatrales con fuertes mensajes revolucionarios. Para proteger su reputación (y su vida), Edward recluta al joven escritor Ben Jonson (Sebastian Armesto) como "frente" para tomar el crédito por los libretos. Sin embargo un inculto y borracho actor llamado William Shakespeare (Rafe Spall) se da cuenta del plan, y sorpresivamente se adjudica la autoría de las aclamadas obras. Al mismo tiempo vemos cómo los manuscritos de Oxford resuenan entre la corte y la realeza. La Reina Isabel (Vanessa Redgrave) aplaude el humor e ingenio de las obras, mientras que el puritano William Cecil (David Thewlis) las condena como "obra del diablo". Y así van entretejiéndose ambas narrativas hasta culminar en golpes de estado, ejecuciones e indulgencias, explicándonos por qué hasta el día de hoy seguimos considerando al “idiota” Shakespeare como figura central del lenguaje inglés.

Como podemos suponer, no hay aliens o dinosaurios en Anónimo; sin embargo eso no significa que la cinta carezca de efectos especiales. Por el contrario, Emmerich no resistió la tentación de usar las más modernas técnicas de captura digital y escenarios virtuales para recrear el Londres del siglo dieciséis, lo cual logra con absoluto realismo y atención al detalle; desde el lodo en el piso hasta la increíble réplica del célebre teatro Globe (donde Shakespeare puso en escena sus obras para el público londinense - en la vida real), todos los elementos visuales son sobresalientes, aunque quizás de vez en cuando llaman la atención más de lo necesario. El aspecto narrativo sufre también de excesos, y estimo que la cinta pudo durar media hora menos eliminando algunos de los más enredados planes de los villanos (o incluso de los héroes), y quizás preocupándose menos por la (aparentemente numerosa) descendencia ilegítima de la "reina virgen". De hecho, siento que un enfoque más "indie" hubiera hecho que Anónimo se convirtiera en auténtico "cine de arte", en vez de ser un costoso capricho disfrazado de película culta.

Como sea, creo que Emmerich demostró que puede hacer cine con ideas, aunque sigo sin aceptar sus teorías sobre William Shakespeare (para el caso, Kit Marlowe o el mismo Ben Jonson parecerían candidatos más verosímiles para satisfacer la conspiración). Los actores hacen un sólido trabajo, destacando Rhys Ifans como el sagaz Oxford, Vanessa Redgrave como la Reina Isabel (en sus años maduros) y Rafe Spall como William Shakespeare, quien evoca suficiente humanidad para rescatar el papel de ser un simple "comic relief". Entonces, recomendaría Anónimo como una interesante hipótesis histórica y curiosidad cinematográfica para el espectador tenaz que logre superar la tediosa hora inicial y que no tema descifrar la maraña de motivos, afiliaciones y traiciones de los "lords", "ladies" y demás figuras de la corte isabelina. Y, para estudiosos de los efectos especiales, una vez más Emmerich demuestra su buen ojo técnico y su capacidad para hacer espectáculos visuales... incluso cuando no se lo propone.

Calificación: 7.5

La Piel que Habito

2011-12-04T13:58:00.005-06:00

Nunca he sido fan del español Pedro Almodóvar, aunque sin duda admiro su visión y audacia para recorrer espacios narrativos inusuales y poco visitados por otros directores. Pero al mismo tiempo encuentro indigesto su estilo exageradamente melodramático y forzado, donde esos "temas inusuales" se transforman en un fin por sí mismos, en vez de servir como herramientas para contar una historia concreta, o para dar mayor profundidad a sus personajes. En otras palabras, si sus películas fueran edificios, siento que la decoración "kitsch" tomaría precedencia sobre la integridad de las paredes. Sin embargo mi opinión cambió por completo cuando vi Los Abrazos Rotos, la cual me pareció una obra increíblemente madura, enfocada y satisfactoria, que incluso me dio la tímida esperanza de que Almodóvar hubiera dejado atrás el "cine de autor" sustentado por caprichosas fantasías personales, para abordar una nueva etapa de su carrera, más "seria" (por llamarla de algún modo) y por lo tanto más atractiva para quienes estábamos cansados de sus abigarradas cintas.

Desafortunadamente fueron ilusiones infundadas, pues su más reciente película, La Piel que Habito, es un regreso a ese Almodóvar exagerado y difuso, tan empeñado en sorprendernos con su ingenio y escandalizarnos con su audacia que (accidental o intencionalmente) sabotea su interesante argumento con excesivos personajes, hueca grotesquería e innecesarias vueltas para llegar a un mensaje al mismo tiempo simple e inescrutable. La trama es demasiado complicada para resumir sin revelar "spoilers", así que para efectos prácticos diré que La Piel que Habito gira en torno al brillante doctor Robert Ledgard (Antonio Banderas) y su obsesión por crear piel sintética para ayudar a las víctimas de quemaduras deformantes. Y, curiosamente, el "conejillo de indias" donde Ledgard lleva a cabo sus experimentos es Vera Cruz (Elena Anaya), una guapa mujer que permanece prisionera en el piso superior de la elegante casa del doctor. Sobra decir que la relación entre ambos es bastante complicada, y eventualmente tendrá consecuencias que ninguno de los dos esperaba.

Mucho se ha mencionado que La Piel que Habito es una película de terror, o al menos una interpretación del terror filtrado por la creativa sensibilidad de Almodóvar; sin embargo a mi me pareció simplemente otro de sus melodramas donde no hay suspenso ni miedo real, sino un grupo de turbios personajes torturados "a fuego lento" por la obsesión, por trágicos secretos familiares, y desde luego por la lucha interna y externa de su identidad sexual. El problema es que nunca encontré el "unificador dramático" que diera significado o validez a estos graves conceptos, ciertamente provocativos en manos de Almodóvar, pero que parecerían ridículos si los encontráramos en su contexto natural... por ejemplo, en una telenovela mexicana o en una película de "porno-tortura". Hablando de lo cual, los muy comentados elementos de "horror clínico" que el director incorpora en su melodrama parecen homenajes (o "préstamos") de películas genuinamente interesadas en la examinar la voluble relación entre cuerpo y mente, como Dans Ma Peau, Les Yeux Sans Visage y desde luego la obra clásica de David Cronenberg. Sobra decir que todas estas me parecen alternativas más apetecibles e interesantes que la estéril La Piel que Habito.

A pesar de tantas quejas y reservas debo darle una recomendación a esta película, tan solo por su notable calidad visual (un aspecto que Almodóvar nunca descuida) y por la interesante estructura del libreto, el cual juega con el tiempo, los "flashbacks" y las premoniciones con tal destreza que logró sorprenderme en muchas ocasiones por la manera como desafía nuestra percepción de ciertas escenas (aunque desafortunadamente el gran "twist" puede adivinarse con demasiada anticipación, lo cual reduce considerablemente su impacto). Las actuaciones son... buenas, supongo. Antonio Banderas y Elena Anaya se sienten fríos y distantes, incluso en momentos de álgida emoción, y quiero pensar que fue una decisión artística del director. El elenco secundario tiene mayor libertad de actuar naturalmente, lo cual aprovechan Marisa Paredes, Jan Cornet y Blanca Suárez para afianzar su lugar en esta bizarra fábula psico-sexual. O como quieran llamarle. A fin de cuentas La Piel que Habito me pareció una experiencia única (para bien o para mal) que será asimilada por cada espectador según su particular tolerancia o afinidad por el exuberante estilo de Almodóvar. Me gustaría decir que el mensaje justifica los medios, pero tras dos horas de científicos locos, ambigüedad sexual y horror médico, no estoy seguro si el cineasta quiso decirnos que nuestro exterior afecta nuestro interior más de lo que quisiéramos admitir; o si fue lo opuesto, y quiso expresar que por más que intentemos alterar nuestra apariencia nunca podremos eliminar los traumas del espíritu. Ambas ideas son válidas... ojalá Almodóvar se hubiera preocupado más por definir su postura, o al menos por compartir sus emociones al respecto.

Calificación: 7

Gato con Botas (Puss in Boots)

2011-12-03T14:14:00.004-06:00

Aunque la saga de Shrek decayó sustancialmente en tiempos recientes, lo que siempre la rescató fueron sus simpáticos personajes secundarios; y si bien yo hubiera preferido ver un "spin-off" del Burro, parece que el elegido para iniciar su propia franquicia fue el Gato con Botas, cuya primera cinta resulta estar cocinada en el mismo molde de Shrek... mucha aventura, un poco de romance y abundante "meta-humor" centrado en los clichés de los cuentos de hadas. No diré que este pseudo-debut sea tan ingenioso u original como lo fue en su momento Shrek, pero al menos me pareció una sólida comedia familiar adornada con divertidas voces, excelente animación y un personaje principal con suficiente versatilidad y carisma para garantizar futuras secuelas, siempre y cuando no caiga en los mismos vicios de su fuente original.

La trama de Gato con Botas sigue al epónimo forajido y aventurero (voz de Antonio Banderas) quien trata de limpiar su nombre y pagar una vieja deuda (o algo así), para lo cual necesita robar los frijoles mágicos que conducirán al castillo en las nubes de un gigante, cuyo tesoro más preciado es el ganso que pone huevos de oro. Pero para lograrlo, el Gato deberá forjar una incierta alianza con Humpty Dumpty (voz de Zach Galifianakis), su amigo de la infancia; y con la inescrutable Kitty Softpaws (voz de Salma Hayek), cuya habilidad acrobática y destreza física ocultan un terrible secreto. Sin embargo la misión será muy riesgosa, pues los dueños actuales de los frijoles mágicos son Jack y Jill (voces de Billy Bob Thornton y Amy Sedaris, respectivamente), una especie de Bonnie y Clyde medievales con un amplio historial de terror en la campiña española. Pero el enemigo más peligroso será la desconfianza que el Gato siente por su "socio" Humpty, quien ya lo traicionó una vez cuando eran jóvenes...

No esperaba mucho de esta "precuela lateral", y por eso me sorprendió encontrar en Gato con Botas un libreto bastante bien escrito, con inesperado detalle en el desarrollo de sus personajes y con un apropiado balance entre el drama, el humor y la aventura. Quizás por estar viejo aprecié más la interacción de los protagonistas y la gradual revelación de sus historias personales, mientras que las secuencias de acción me aburrieron por ser tan genéricas e infladas. No digo que estén mal hechas... por el contrario, muestran cierta imaginación y están precisamente dirigidas; sin embargo se sienten como interrupciones obligatorias en una narrativa que quizás hubiera funcionado mejor con un estilo más sutil... casi como una historia de espías. Pero con dos gatos y un huevo humanoide.

Como sea, entiendo la necesidad de ruido y movimiento en una película familiar, y aunque me hastiaron tantas innecesarias persecuciones, caídas y precarios escapes de la muerte, a fin de cuentas me gustó Gato con Botas por la historia que cuenta, y no tanto por la manera como la presenta. Antonio Banderas y Salma Hayek realizan un buen trabajo prestando sus voces al Gato y a Kitty, mientras que Zach Galifianakis muestra inesperado talento para crear un personaje sin su característica barba, y sin usar su incómoda variedad de humor. La calidad de animación es sobresaliente, y aunque las imágenes no alcanzan el realismo de Rango (por usar un ejemplo), muestran consistencia con el estilo caricaturizado de Shrek. Hablando de lo cual, me gustó que no hicieran Gato con Botas demasiado dependiente de aquella serie, y que no metieran excesivos detalles o "cameos" que pudieran restar fuerza al personaje principal. Así, el director Chris Miller muestra respeto por el público y confianza en el comienzo de una nueva saga. Habiendo dicho eso, insisto en que me hubiera gustado ver la misma dedicación y talento empleados en una película sobre el Burro con la voz de Eddie Murphy.

Calificación: 8

Una Loca Aventura Medieval (Your Highness)

2011-12-02T08:35:00.000-06:00

Nota: Por fin se estrena esta película en cines de México (con un "ingenioso" título) y, como de costumbre, publico nuevamente la crítica para comodidad de los lectores.

Quizás será por falta de "experiencia" que no encuentro muy gracioso el humor "stoner" (dícese del humor orientado a los consumidores de drogas, particularmente marihuana). Claro, me he reído con películas como Harold and Kumar Go to White Castle y Pineapple Express, pero siento que estoy perdiendo una parte fundamental de la comedia... o quizás mi problema es que están diseñadas para verse en un estado de conciencia alterado, y solo así podrían apreciarse plenamente. Como sea, el caso es que no tenía mucho interés en la nueva cinta Your Highness (del mismo director de Pinapple Express), aunque definitivamente me intrigó la combinación de humor irreverente y fantasía heroica. ¿Sería una sucesora espiritual de Monty Python and the Holy Grail? ¿O una versión "lite" de The Lord of the Rings filtrada a través de una espesa nube de “ganja“?

Los protagonistas de Your Highness son Fabious (James Franco) y Thadeous (Danny McBride), hermanos de noble cuna pero totalmente distintos en su temperamento y actitud. Fabious es un heroico aventurero, siempre listo para aceptar misiones de gran riesgo en las que hay que rescatar una princesa o matar algún monstruo que amenaza a los súbditos de su padre, el Rey (Charles Dance). Por otro lado, Thadeous es perezoso, cobarde, y pasa demasiado tiempo fumando "hierbas" con los trolls cercanos al castillo donde vive. Y, claro, desde niño siente envidia por el éxito de su hermano, lo cual llega al punto máximo cuando Fabious regresa de su más reciente aventura comprometido con la guapa doncella Belladonna (Zooey Deschanel), con quien planea casarse de inmediato. Desafortunadamente la joven es secuestrada por el malévolo brujo Leezar (Justin Theroux), y Fabious recluta de inmediato a sus mejores hombres para emprender una misión de rescate. Thadeous no tiene intención alguna de acompañarlo, pero el Rey lo presiona para demostrar que ya es un hombre, y por lo tanto un candidato viable para heredar la corona. Entonces, sin otra alternativa, el cobarde Thadeous se integra al grupo e inicia su primera aventura... y sobra decir que durante la misión habrá amplias oportunidades de que los hermanos se conozcan mejor, enfrenten peligros sobrenaturales y aprendan nuevas cosas sobre sí mismos.

A lo largo de Your Highness se nota el considerable esfuerzo de los guionistas Ben Best y Danny McBride por conjugar géneros cinematográficos tan distintos; sin embargo se siente constantemente el roce de elementos incompatibles que nos "sacan" de la historia por su inescapable incongruencia. Entonces, en algunos momentos nos puede atrapar la clásica fórmula de una fantasía heroica más o menos entretenida... hasta que se ve interrumpida por algún parlamento anacrónico que destruye la ilusión y frena el flujo de la narrativa. En otras ocasiones nos estaremos riendo con el aspecto "stoner" y los chistes contemporáneos... pero entonces aparecerá algún cliché de Dungeons & Dragons que descarrila el humor y nos regresa a la "realidad" pseudo-medieval de la película. Supongo que ese brusco contraste de estilos podría considerarse como parte de la comedia, y quizás habrá espectadores que encuentren graciosas estas yuxtaposiciones (por ejemplo, la descripción de sexo manual en un contexto de caballeros medievales). Pero honestamente no funcionó para mi, y hubiera preferido algo más exagerado en cualquiera de los dos extremos, en vez de esta inestable combinación de ingredientes que no logran mezclarse por más que los junten a la fuerza.

No obstante, por irregular que sea la narrativa, me hicieron reír muchas escenas que trabajan mejor como "sketches" aislados que como partes integrales de la narrativa. También me gustó mucho la química entre los personajes, y la brutalmente honesta sátira de los clichés de la fantasía heroica (el anciano oráculo me pareció particularmente hilarante). Pero lo mejor de la película fue la interacción de los dispares hermanos; James Franco y Danny McBride consiguieron un raro balance de amor/odio fraternal cuya honestidad casi rescata la película entera. Fue una gran decisión darles inesperada profundidad emocional para evitar que se convirtieran en simples antagonistas sin otro propósito que insultarse mutuamente. Sus acompañantes tienden a ser unidimensionales, pero como la mayor parte son víctimas o genéricos oponentes, supongo que no tiene tanta importancia. Incluso el villano interpretado por Justin Theroux nunca parece genuinamente amenazador, sino tan solo un obstáculo menor destinado al fracaso. Por el lado femenino, Zooey Deschanel se limita a ser una típica doncella en peligro sin mucha oportunidad de actuar. Y, claro, la siempre fascinante Natalie Portman se luce interpretando una valerosa guerrera que desafía las expectativas de los misóginos hermanos. Me hubiera gustado que su participación fuera más extensa, pues tarda casi una hora en incorporarse a la trama, y después desaparece durante largos períodos de tiempo. No diría que su actuación sea muy buena (no hace falta, realmente), pero su energía levanta automáticamente cada escena donde participa, y creo que debieron aprovecharla mejor. Ah, y su muy comentada escena en bikini dura menos de un segundo, así que por favor ajusten sus expectativas.

Entonces, Your Highness no logró ser una secuela extra-oficial de Monty Phyton and the Holy Grail, ni una versión psicodélica de Lord of the Rings, sino un imperfecto híbrido de dos estilos que nunca debieron combinarse (en mi humilde opinión). Sin embargo tiene buenos personajes y suficientes momentos de hilaridad para recomendarla a pesar de sus excentricidades (y recuerden que esas "excentricidades" podrían funcionar como chistes para muchos espectadores). Igualmente aprecio el talento y dinero invertidos para crear el mundo medieval, aunque no puedo dejar de pensar que pudo aprovecharse para producir una película “seria” más interesante (por ejemplo, algo de Fritz Leiber o Anne McCaffrey). Pero bueno... Después de todo tengo que respetar el espíritu experimental del director David Gordon Green, y su instinto para seleccionar actores. A pesar de que suena extraña, la combinación de James Franco, Danny McBride y Natalie Portman resultó mejor de lo que esperaba, y me gustaría verlos en una película mejor escrita, y que no requiera “aditivos químicos” para disfrutarla como debe ser. Mis experiencias con sobredosis de azúcar no me invitan a probar cosas más exóticas.

Calificación: 7

Margin Call

2011-12-01T13:27:00.005-06:00

La piratería que tanto asusta a los estudios de cine es hasta cierto punto inevitable; pero uno de los factores que podría reducirla es sincronizar globalmente el estreno de películas, no solo en cines (los costos de duplicación y traslado serían prohibitivos para producciones pequeñas), sino en medios de distribución digitales, para tener el mayor alcance posible y dar a todos los interesados la oportunidad de ver películas legalmente, en el dispositivo que les sea más práctico, y pagando un precio razonable, sin tener que esperar meses o años hasta que el lento proceso tradicional se encargue de llevarla a cada país y ciudad. Como hemos visto en el pasado, estos retrasos estimulan el "mercado negro" que simplemente trata de satisfacer los deseos del público. ¿Cuántas veces hemos visto en la calle pequeñas vendimias de DVDs con películas que aún no se estrenan en cines? Independientemente de su legalidad, los "piratas" tienen la agilidad y tecnología necesarias para llenar los huecos que los estudios dejan abiertos por falta de visión o interés.

¿Cómo se relaciona todo esto con la cinta Margin Call? Para bien o para mal, esta producción decidió unirse al pequeño pero creciente gremio de películas que se estrenan en cines (de Estados Unidos) al mismo tiempo que en "Video On Demand" y otras plataformas digitales, permitiendo a su audiencia potencial la flexibilidad de verla en su televisión, computadora o incluso en medios portátiles. Hasta el momento, estos procesos "experimentales" de distribución parecían limitados a modestas películas de terror; pero la calidad de producción de Margin Call y el alto perfil de sus actores la hacen un caso único, cuyo éxito o fracaso será importante para el futuro del cine en la “nube” digital. Espero sinceramente que la estrategia sea exitosa... pero supongo que el público tendrá la última palabra. Lo único que puedo asegurar es que me pareció una sólida e interesante película, recomendable en cualquier forma que quiera verse.

La trama gira alrededor del colapso económico del 2008 (no sé por cuánto tiempo estará de moda este tema); pero en vez de mostrarnos el sufrimiento de la "gente normal" o las conspiraciones internacionales que provocaron la recesión, Margin Call nos muestra 24 horas en la vida de los empleados de la anónima (y ficticia) casa de bolsa neoyorquina donde todo comenzó. ¿Y cómo comenzó? Con el despido de Eric Dale (Stanley Tucci), el director de "administración de riesgos", quien pide como "último deseo" que su protegido Peter Sullivan (Zachary Quinto) continúe analizando una importante ecuación financiera. Unas horas más tarde, siguiendo los consejos de su mentor, Peter descubre que el mercado de "riesgos" (básicamente compra y venta de hipotecas) está a punto de colapsar, y se lo informa a Sam Rogers (Kevin Spacey), su superior inmediato. Y así vemos cómo las funestas noticias van ascendiendo en la jerarquía corporativa, hasta llegar al omnipotente John Tuld (Jeremy Irons), quien debe tomar una decisión que determinará el curso de las finanzas mundiales en meses futuros... ¿aceptará afrontar una inmensa pérdida económica... o tratará de conservar su fortuna a costa de la gente que confió en él?

Aunque es fácil identificar a los villanos de Margin Call, el libreto se esfuerza por explicarnos que la culpa no solo fue de unos cuantos "peces gordos" demasiado ambiciosos, sino de un sistema financiero global fundamentado en fantasías y sostenido por la complicidad de todos los que aceptamos seguirle la corriente. Entonces, aunque me pareció interesante presenciar las interioridades de las altas esferas financieras donde se dicta nuestro futuro, creo que el valor de la cinta es metafórico, pues en sus variados personajes podemos encontrar paralelos del comportamiento que vimos en diversas instituciones gubernamentales y privadas envueltas en el escándalo. Y lo más triste es que, ya sea a nivel "macro" o "micro", el instinto de supervivencia individual parece tomar precedencia sobre el bienestar común. El personaje interpretado por Kevin Spacey lo dice con mayor elocuencia: "Voy a hacerlo, pero no por tu discurso, sino porque necesito el dinero".

Lo cual nos lleva al excelente elenco, donde podemos encontrar (además de Spacey) a Simon Baker, Zachary Quinto, Penn Bagdley, Demi Moore, Jeremy Irons, Stanley Tucci y Paul Bettany, todos ellos mostrándonos el lado humano de los "jugadores" que, ya sea por lealtad, ambición o compromiso, tomaron decisiones que favorecieron a las grandes empresas financieras y arruinaron la vida de miles de personas ignorantes del colapso... hasta que fue demasiado tarde. La dirección de J.C. Chandor le da un ritmo ágil a la cinta, pero sin apresurar las escenas ni las reacciones de los personajes. Y aunque el lenguaje y conceptos financieros que maneja son bastante complicados (al menos tres personajes dicen cosas como: "Explícamelo en idioma normal", y aún así la “explicación” es confusa), lo importante no es entender los detalles técnicos, sino comprender la falibilidad del espíritu humano y su propensión a caer en la trampa de la ambición. Entonces, Margin Call no tiene mucha acción ni suspenso, y su historia está confinada a un par de oficinas, pero aún así es una experiencia fascinante que merece el apoyo de cualquier persona interesada en este ignorado aspecto del colapso económico. Y, en un aspecto más general, ojalá suficiente gente pague por verla, pues además de que vale la pena, estarán impulsando la innovación en distribución digital... antes de que ocurra un colapso en la industria cinematográfica. Solo imaginen un futuro donde el entretenimiento quede reducido a "reality TV" y videos de gatos en YouTube...

Calificación: 8

Secreto de Estado (Secret Défense)

2011-11-28T12:27:00.006-06:00

Me da pena confesarlo, pero las películas francesas que más me gustan no son las de François Truffaut, Claude Chabrol o Eric Rohmer, sino aquellas que tienden a copiar las fórmulas modernas de Hollywood, pero añadiendo un particular "sabor" europeo que puede crear la ilusión de originalidad hasta en los más rancios clichés de acción, suspenso o terror. Por eso me interesó ver Secreto de Estado; su argumento sobre espionaje e intriga política carece de pretensión y ofrece amplias oportunidades para emocionarnos, además de que su construcción emula las mejores historias del género, donde la división entre "buenos" y "malos" está determinada por meras facciones políticas, y no por las acciones de los personajes.

Al principio de Secreto de Estado nos enteramos de que un grupo terrorista en Damasco está organizando un ataque sobre Francia, como "castigo" por la política exterior intervencionista que ha afectado varios países islámicos. Al mismo tiempo, en París, una joven llamada Diane (Vahina Giocante) decide abandonar la prostitución para conseguir un trabajo como traductora en el Medio Oriente, pero reprueba su examen final. Sin embargo, el enigmático Alex (Gérard Lanvin) ve potencial en la chica, y la recluta como agente de la Dirección General de Seguridad Exterior (versión francesa del FBI y la CIA combinados), donde comienza su arduo entrenamiento. Simultáneamente vemos cómo Pierre (Nicolas Duvauchelle), un narcotraficante de poca monta, es arrestado y condenado a varios meses en presidio, donde es "adoptado" por una pandilla "jihadista" que quizás lo está preparando para algo más importante. Sobra decir que eventualmente se cruzarán los destinos de Diane y Pierre, con muchas vidas en juego.

Desafortunadamente Secreto de Estado llega a México con tres años de retraso, así que algunos de sus elementos ya se sienten anticuados (por ejemplo, las menciones de Osama Bin Laden o las críticas contra G.W. Bush); pero nada de eso impide disfrutar el excelente argumento, estructurado como un rompecabezas cuya solución parece cambiar con cada pieza revelada. Nunca es confuso ni tergiversado... pero definitivamente hay que prestar atención para seguir la complicada cadena de causas, consecuencias, trampas y traiciones que forman el diario entorno de los terroristas y los agentes que pretenden detenerlos. Me gustó mucho que el libreto de Julien Sibony y del director Philippe Haïm no recaiga en arbitrarios roles de héroes y villanos, sino que usa a los protagonistas como inocentes guías para mostrarnos las interioridades del combate contra el terrorismo, donde presenciamos el frío raciocinio que deben usar los líderes de ambos bandos, y los sacrificios personales de los "novatos", ya sea que estén aprendiendo el arte del espionaje, o entrenándose en los inmisericordes campamentos donde se gestan los "mártires" listos para morir en defensa de su religión.

Otra cosa que me gusta del cine francés es que desconozco a la mayoría de sus actores, y por lo tanto es más fácil aceptarlos como los personajes que interpretan, sin contaminación de previos papeles. Y, claro, ayuda que tengan talento. En este caso tenemos a Vahina Giocante como la agente primeriza, un poco insegura de su aptitud, pero con increíble valor y tenacidad para cumplir su misión (en retrospectiva siento que la serie televisiva norteamericana Covert Affairs podría haber sido inspirada por esta película). Gérard Lanvin es el inescrutable jefe del servicio secreto, posiblemente tan cruel y despiadado como los terroristas que persigue... aunque tal vez eso sea lo indicado para ganar una guerra invisible. Finalmente, Nicolas Duvauchelle no tiene dificultad para hacernos creer su conversión espiritual, e incluso logra mantener un aire de víctima cuando se prepara para asesinar a cientos de inocentes.

Realmente no tengo quejas sustanciales contra Secreto de Estado (excepto una horrible escena con un perro que me hizo cerrar los ojos), así que solo queda darle una sólida recomendación, especialmente para aficionados al cine de espías que prefieran el suspenso y la intriga por encima de la acción. Quizás la trama sea muy lenta para fans de The Bourne Identity, y desde luego vale aclarar que tampoco encontrarán las exageraciones y fantasías de James Bond. En mi humilde opinión, eso es lo que la hace buena, pero entenderé si otras personas lo consideran como un defecto. Después de todo, el "sabor europeo" del cine francés no será apetecible para todos los paladares.

Calificación: 9

Los Muppets (The Muppets)

2011-11-27T17:34:00.005-06:00

Como ocurrió con muchas personas de mi generación, los Muppets fueron parte importante de mi vida. Su "época dorada" se identifica con los años setentas (cuando se transmitía el exitoso programa The Muppet Show), pero creo que yo los disfruté más durante mi adolescencia a fines de los ochentas, cuando el ecosistema televisivo aún era suficientemente flexible para sostener series tan impredecibles y experimentales como Storyteller, Dog City y The Jim Henson Hour. Sin embargo, las décadas siguientes acarrearon dos tragedias... el fallecimiento de Jim Henson, y la posterior adquisición de los Muppets por el emporio Disney. Desde entonces solo los vimos en un par de mediocres películas y especiales televisivos donde brillaba por su ausencia la "voz" de Henson (literal y figuradamente), que siempre sentó el tono afable y subversivo de sus personajes. En resumen, parecía que el espíritu de los Muppets había sido diluido por la influencia corporativa de sus nuevos dueños.

Afortunadamente el actor, escritor y productor Jason Segel (más conocido por el sitcom How I Met Your Mother) y el director James Bobin (creador de Flight of the Conchords, nada menos) lograron reunir suficiente influencia (o favores) para crear una nueva película, titulada simplemente Los Muppets, con el fin de resucitar a los personajes, introducirlos a una nueva generación y (teóricamente) devolverles su original sentido del humor. No saben cómo me complace decir que, sin ser perfecta, Los Muppets logró generalmente todo lo que se proponía, y me dejó con ganas de verlos más seguido (¿quizás semanalmente en TV? No me atrevería a soñar con tanta felicidad), siempre y cuando puedan mantener este mismo nivel de energía, humor y "muppetosidad".

Al principio de Los Muppets conocemos a Gary (Jason Segel) y su hermano Walter (Peter Linz), quienes crecieron disfrutando El Show de los Muppets, el cual inspiró a este último para enfrentar las dificultades de crecer entre humanos (¿mencioné que Walter también es un títere de fieltro?). Pero cuando Walter, Gary y su tolerante novia Mary (Amy Adams) viajan a Los Ángeles para visitar el legendario estudio de Los Muppets, descubren que está a punto de ser adquirido por el malévolo Tex Richman (Chris Cooper), quien pretende demolerlo para extraer petróleo del subsuelo. Para evitarlo, Walter, Gary y Mary localizan a Kermit (Steve Whitmire) y lo convencen de organizar un espectáculo final que les permita salvar el estudio. Y así comienza la aventura, primero reclutando a los antiguos miembros del elenco, como Fozzie (Eric Jacobson), Rowlf (Bill Barretta), Gonzo (Dave Goelz) y Miss Piggy (quien no está segura de querer participar, pues aún tiene sentimientos conflictivos respecto a Kermit); y después organizando el espectáculo, buscando la manera de transmitirlo por televisión y logrando que el público realmente lo vea. Sin embargo, Richman no quiere perder su petróleo, y con ayuda de sus fieles asistentes Bobo (Bill Barretta) y Deadly (Matt Vogel) se prepara para sabotear los esfuerzos de los Muppets...

La historia no es muy original, e incluso copia intencionalmente elementos de la original The Muppet Movie, con la que debutaron en cine allá por 1979. Pero no tiene importancia; después de todo, los Muppets tiene personalidades tan definidas y simpáticas que no necesitan un complicado "arco narrativo" para entretenernos y hacernos reír; por eso el clásico concepto de "salvemos el teatro" funciona a la perfección para motivarlos, crear un poco de drama, y mantenernos en suspenso hasta el final (que quizás no sea exactamente como esperamos). En cierto modo extrañé algunas voces originales (desafortunadamente Frank Oz se rehusó a participar en esta nueva producción, y algunos de los "performers" clásicos ya se retiraron, como Richard Hunt), pero los titiriteros que tomaron sus lugares muestran igual "chispa" y entusiasmo, aunque las voces no sean exactamente iguales (por cierto, es buen momento de señalar que vi la versión original en inglés con sub-títulos; no dudo que el gremio del doblaje hispano haya hecho un buen trabajo en la versión en español, pero prefiero escuchar las voces "reales" y el libreto genuino, en vez de una interpretación regional que quizás pierda algo en la traducción - sí, ya sé que soy un malinchista). Si tuviera alguna queja sería que el final se siente abrupto y un poco torpe; y además la sub-trama romántica entre Gary y Mary no funcionó para mí, a pesar de que me caen bien ambos actores. Por otro lado, el romance en peligro nos da uno de los mejores números musicales de la película, así que tampoco puedo quejarme demasiado (sí, hay varias canciones a lo largo de la película y, asombrosamente, todas son parte integral de la narrativa... bien planeado, Sr. Segel).

Entonces, Los Muppets me hizo reír, me hizo llorar, y revivió mi gusto por el legado de Jim Henson, que parece estar en buenas manos por primera vez en mucho tiempo. Anécdota personal: antes de que empezara la película pasaron en el cine los "trailers" de varias cintas familiares próximas a estrenarse. Todas estaban realizadas en animación por computadora, todas se veían idénticas, y todas vendían el mismo rancio humor, los mismos personajes pre-fabricados y la misma frenética acción para distraer a los niños. Por el contrario, Los Muppets no tiene mucha acción, mínimos efectos especiales y aunque sus personajes están literalmente pre-fabricados (con tela, fieltro y plástico), poseen mucha más vida y personalidad que cualquier creación digital. Su sentido del humor no insulta al público, los momentos emocionales se sienten honestos y, a fin de cuentas, me dejó más satisfecho que cualquier comedia en años recientes. Espero que no haya sido una reacción provocada por simple nostalgia; sinceramente pienso que hay magia en el arte de los títeres, y pocas personas han sabido aprovecharlo como Jim Henson. La prueba está en que sus creaciones trascendieron a su creador.

Calificación: 9

La Cosa del Otro Mundo (The Thing)

2011-11-26T17:45:00.005-06:00

La original The Thing, de 1982, no solo es una de mis películas favoritas de John Carpenter, sino quizás una de las mejores cintas de terror de los ochentas, pues combina sólidas actuaciones, increíbles efectos especiales (cortesía del legendario Rob Bottin), y un inteligente libreto que explota al máximo la paranoia y fatalista atmósfera del cuento corto Who Goes There? (escrito por John W. Campbell, Jr.) en el que se inspiró a grandes rasgos. Además, The Thing es frecuentemente mencionada como uno de los pocos re-makes que superan a la original, pues ya se había filmado una adaptación de esta historia en 1951, bajo el más sensacionalista título de The Thing From Another World. ¿Será posible que se repita la historia ahora que se estrena una nueva versión de La Cosa del Otro Mundo? No, pero al menos el resultado me pareció bastante aceptable.

La trama empieza cuando un grupo de geólogos noruegos descubre accidentalmente una estructura metálica bajo las nieves de la Antártida... junto con un extraño espécimen orgánico de procedencia desconocida. Reconociendo la importancia del hallazgo, el líder de la expedición contrata a la estudiante norteamericana Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) para que los ayude a extraer la criatura del hielo. Kate no solo tiene amplia experiencia en recuperación de tejidos fósiles, sino que por su juventud será fácil de controlar, lo cual es muy importante para mantener en secreto el descubrimiento. Sin embargo el éxito se convierte en terror cuando el espécimen de algún modo revive y procede a absorber a varios miembros del equipo, tomando su forma e identidad. Entonces Kate y los científicos restantes tratarán de exterminar a la criatura, evitar que escape a la civilización y, con suerte, sobrevivir hasta que llegue ayuda. Pero será muy difícil lograrlo sin saber quién es realmente humano y quién esconde a "la cosa" bajo su apariencia humana.

La dirección de Matthijs van Heijningen Jr. (famoso en Holanda como director de comerciales) se siente un poco restringida por las monótonas locaciones, y porque necesariamente debe respetar los hechos establecidos en la película de 1982, pero aún así logra encontrar su propia identidad... incluso cuando copia escenas de aquella cinta. Por otro lado, su manejo del elenco internacional es bastante bueno, y aunque la atmósfera se siente más ligera y menos claustrofóbica que en la versión de Carpenter, cumple su propósito de mantenernos en suspenso y sorprendernos con un par de grotescas transformaciones, un poco de "gore", y la necesaria incertidumbre sobre la identidad de los personajes y sus intenciones. Después de todo, puede haber villanos que no sean necesariamente alienígenas...

Al principio tuve dudas sobre el uso de una joven actriz norteamericana en el papel principal, pues parecía un débil intento por atraer al público adolescente y justificar el uso del idioma inglés en un elenco lleno de actores escandinavos. Afortunadamente Mary Elizabeth Winstead se gana rápidamente la confianza del espectador gracias a una actuación que evoca la vulnerabilidad de una típica "chica final", el pragmatismo de un científico enfrentando lo desconocido, y la convicción de una actriz que no toma a la ligera su papel solo por tratarse de un simple re-make de terror (vale decir que Winstead tiene amplia experiencia en el cine fantástico, con obras como Sky High, Final Destination 3 y la tristemente menospreciada Scott Pilgrim Vs. the World).

El resto de los actores encaja a la perfección en la trama, aunque la abundancia de espesas barbas, gruesos abrigos y cabello hirsuto hace muy difícil distinguirlos y preocuparnos por sus horripilantes muertes. Hablando de lo cual, lo más importante para muchas personas serán los efectos especiales, y me alegra decir que, sin alcanzar la demencial belleza y elegancia de la original, esta nueva La Cosa del Otro Mundo ofrece ingeniosos momentos de monstruosas manifestaciones donde combina la técnica tradicional de látex y animatronics con hábiles trucos digitales, no siempre realistas, pero con diseño suficientemente bueno para compensar sus imperfecciones técnicas. Hubiera sido fácil que van Heijningen y su equipo abusaran de los efectos, pero mostraron disciplina y se mantuvieron en el rango apropiado para aceptar la bizarra biología del alien, así como su facilidad para manipular tejidos y adaptarse a cualquier situación. Por cierto, me gustó que la nueva "prueba de humanidad" haya sido tan distinta de la que usó Carpenter hace casi treinta años.

Por el lado negativo, sentí el ritmo de la narrativa un poco acelerado. Los personajes aceptan la situación demasiado rápido y toman decisiones precipitadas que a veces se sienten como atajos del libreto, y no como reacciones naturales de gente sometida a circunstancias extraordinarias. De cualquier modo, La Cosa del Otro Mundo resultó mejor de lo que esperaba, especialmente si logramos evaluarla bajo sus propios méritos y sin expectativas irreales. De ninguna manera reemplaza a sus predecesoras, pero tampoco necesita hacerlo para que podamos disfrutarla como una entretenida precuela que respeta la saga y aporta algunos interesantes momentos de moderada originalidad. Habiendo dicho eso, creo que pudieron encontrar un perro que se pareciera más al de la película anterior...

Calificación: 8

La Última Pelea (Warrior)

2011-11-25T19:31:00.000-06:00

Cuando entré a ver La Última Pelea pensé que sería una pobre imitación de Rocky, pero ubicada en el violento mundo del MMA (Mixed Martial Arts - Artes Marciales Combinadas). Sin embargo la realidad fue muy distinta, pues resultó ser una sólida cinta más parecida a The Fighter, en la que igualmente seguimos el ascenso y rivalidad de dos hermanos en un brutal deporte, balanceando la acción con un denso drama familiar donde la reparación de rencores domésticos termina siendo tan importante como el triunfo en el inmisericorde cuadrilátero (u octágono, o lo que sea).

Los hermanos en cuestión son Brendan (Joel Edgerton) y Tommy Conlon (Tom Hardy), cuyas vidas tomaron rumbos muy distintos tras el fallecimiento de su madre hace varios años. Brendan formó una familia con su esposa Tess (Jennifer Morrison) y encontró trabajo como maestro de escuela, mientras que Tommy se enlistó en el ejército, donde sufrió experiencias sumamente dolorosas. Entonces, en parte por necesidad y en parte para superar traumas personales, ambos deciden regresar al deporte de las artes marciales combinadas, el cual abandonaron cuando se rompió su relación fraternal. Pero ahora la meta de los hermanos Conlon es el prestigioso torneo "Sparta", donde está en juego una cuantiosa suma de dinero que podría resolver sus respectivos problemas. ¿Tendrán la habilidad física y la fibra moral para llegar a la cima?

Primero lo bueno. Honestamente no esperaba ver una cinta de artes marciales tan bien actuada y producida. Para bien o para mal, este tipo de historias están usualmente relegadas al cine "B", donde la acción toma precedencia sobre elementos "triviales", como actuaciones y narrativa. Por el contrario, La Última Pelea cuenta con un libreto bien construido, actuaciones creíbles y precisa dirección de Gavin O‘Connor, quien nunca pone un aspecto de la película por encima del otro, sino que los transforma en ingredientes complementarios de una receta que culmina de manera catártica y satisfactoria, aunque no exenta de la melancolía que nos acompañó durante el desarrollo de la historia. Los actores Joel Edgerton y Tom Hardy quizás no estén al nivel de Marky Mark y Bruce Wayne en la mencionada The Fighter, pero de cualquier modo funcionan a la perfección como hermanos/rivales con turbulentas emociones por debajo de su lacónica superficie; y desde luego trabajan igualmente bien durante las peleas, vistosamente coreografiadas y editadas para hacernos sentir el sudor, los golpes y las complejas "llaves" utilizadas en este feroz deporte.

Por el lado negativo, el libreto hace uso excesivo de clichés deportivos y melodramáticos. Por ejemplo: dificultades financieras que impiden pagar la hipoteca (tema tópico que se está volviendo repetitivo); el ex-soldado que no encuentra su lugar en la vida civil; el rencor entre hermanos demasiado orgullosos para conceder el perdón; y los obligatorios "daddy issues", esta vez dirigidos en contra de Nick Nolte, quien interpreta (¿qué más?) al padre ex-alcohólico cuyo sincero arrepentimiento no basta para recuperar el amor, o siquiera el respeto de sus hijos. A decir verdad, todos estos conceptos parecen salir del "Manual Básico del Guionista"; pero eso no impide que ganen validez y resonancia emocional bajo la mano de un hábil director y un elenco apropiado.

¿Ven? Cuatro párrafos y apenas he mencionado las peleas. Eso debe decir algo (y no me refiero a mi verborrea). Regresando al tema, creo que carezco de los conocimientos sobre MMA para evaluar los encuentros que luce La Última Pelea. Ciertamente me impresionó el desempeño de los actores (o sus dobles) en el octágono de alambre (seguramente tiene un nombre más "cool"), pero al mismo tiempo me sentí perdido durante escenas que requieren conocer las reglas del deporte (por ejemplo, no entendí el final de una tremenda pelea donde una señal parece darle el triunfo al luchador que parecía estar perdiendo). Pero bueno, aún así disfruté La Última Pelea y, a menos que tenga terribles errores que enfurezcan a los fans (lo cual dudo mucho), imagino que será doblemente apreciada por los seguidores de este controversial deporte. Entonces, no ganará premios por originalidad, pero la cinta merece una recomendación, no solo por contar bien su historia, sino por desafiar nuestras expectativas sobre lo que puede alcanzar una película fundamentada en tipos rudos golpeándose y ahorcándose para entretenimiento de un delirante público. Lo malo es que de ahora en adelante me costará trabajo tomar en serio la obra de Seagal, Van Damme y Lundgren. Mala suerte chicos... la competencia se puso difícil, y no podrán vencerla con simples golpes.

Calificación: 8

The Captains

2011-11-24T13:01:00.006-06:00

Aunque el reciente re-boot de Star Trek inyectó nueva energía en la veterana franquicia y le dio futuro como cine "blockbuster", el culto de fans llamados "trekkies", "trekkers" o "losers" gira primordialmente alrededor de las series televisivas ubicadas en el optimista y exótico futuro creado por Gene Roddenberry hace alrededor de 45 años. Yo soy uno de esos "trekkies" que durante la infancia esperaba ávidamente los "repetidos" de la original Star Trek, en la adolescencia devoré cada episodio de Star Trek: The Next Generation, y envejecí acompañado por las subsiguientes series, desde la grave y dramática Star Trek: Deep Space Nine hasta la "retro-ligera" Enterprise (sin olvidar la incomprendida y frecuentemente mediocre Star Trek: Voyager). Sin embargo estoy consciente de que los trekkies estamos en proceso de extinción (no solo por edad, sino por la hibernación de la franquicia), y por lo tanto el nuevo documental The Captains será de interés para una minoría cada vez más reducida. Pero decidí escribir sobre ella porque, a fin de cuentas, la encontré muy entretenida, manipuladora y hasta emotiva. No esperaba menos de William Shatner en su faceta de director.

El documental está formado por entrevistas entre William Shatner (el original Capitán Kirk) y los actores y actriz que dieron vida a los capitanes en sus respectivas series televisivas y películas: Patrick Stewart (Jean-Luc Picard en ST:TNG), Avery Brooks (Benjamin Sisko en ST:DS9), Kate Mulgrew (Kathryn Janeway en ST:V), Scott Bakula (Jonathan Archer en Enterprise) y Chris Pine (el joven Kirk en la reciente película Star Trek). También hay ocasionales contribuciones de gente relacionada con Star Trek (como Robert Justman, Jonathan Frakes, Nana Visitor, Robert Picardo y, sorprendentemente, Christopher Plummer - Chang en Star Trek VI: The Undiscovered Country), pero el grueso de la cinta son las interesantes conversaciones entre Shatner y sus colegas, a veces recordando nostálgicamente su paso por los escenarios de Paramount, o recontando sus inicios en el oficio de la actuación, o buscando sentido en el fenómeno Star Trek. Y, claro, el siempre oportunista director aprovecha la ocasión para incorporar pasajes auto-biográficos donde vemos su ascenso de actor radial en Canadá hasta ícono cultural contemporáneo.

En el pasado hemos tenido bastantes documentales sobre Star Trek (como los divertidos Trekkies y su secuela), pero en general se centraron en los fans, desde aquellos que fueron influenciados positivamente por la ciencia y utopía social, hasta los que cayeron en mórbidas obsesiones por algún aspecto de la franquicia. Por eso me pareció buena idea que The Captains decidiera alejarse del culto (no totalmente, pues también hay breves miradas a los asistentes de una convención de Las Vegas - no, desafortunadamente no aparecí entre las multitudes) para fijarse en los actores que fueron objeto de esa obsesión, lo cual ofrece una perspectiva curiosamente ignorada durante tantos años. Supongo que debió pasar mucho tiempo para que se sintieran cómodos hablando libremente sobre las experiencias, buenas y malas, que les dejó Star Trek.

Sin embargo, Shatner no busca escándalos ni chismes de la farándula, sino genuinas reflexiones sobre lo que representó para estos actores interpretar aquellos papeles, tanto interna como externamente. Así tenemos a Kate Mulgrew comentando sobre la dificultad práctica de actuar en una serie de televisión y criar por sí sola a dos hijos; a Patrick Stewart aceptando que su larga carrera en la renombrada Compañía Real de Shakespeare fue la preparación apropiada para encarnar al Capitán Picard; a Scott Bakula lamentándose por las consecuencias de su profesión en sus matrimonios; y a Avery Brooks evadiendo respuestas con su acostumbrada mezcla de profundidad espiritual e incoherencia, que hace imposible determinar si es realmente un genio de la actuación o si perdió la razón hace mucho tiempo (su respuesta a la pregunta "¿Qué hay después de la muerte?" es una improvisada pieza musical de jazz). Para bien o para mal, el que menos aporta al documental es Chris Pine; quizás por su juventud, o porque Star Trek fue para él simplemente otro trabajo, y aún no ha sentido (y quizás nunca sienta) los efectos a largo plazo de participar en el fenómeno.

Pero bueno... como dije al principio, este es un documental hecho para trekkies que trata de ver más allá de los aliens, las naves y el "techno-babble", para centrarse en los humanos detrás de los íconos. En ese aspecto es muy entretenido y razonablemente bien balanceado, aunque sus intentos de ponernos a pensar, hacernos llorar o iluminarnos sobre Star Trek a veces funcionan y a veces no. Para variar, es difícil determinar dónde termina la pomposidad de William Shatner y dónde comienza su sardónico sentido del humor... pero en el contexto apropiado resulta ser uno de sus mejores atributos. Entonces, no hace falta recomendar The Captains, pues cada quien sabrá si suena como un buen modo de invertir hora y media, o como un ridículo embuste para exprimir unos dólares más de una saga cuya caducidad expiró hace treinta años. Y, bueno, para fans del meta-Shatner, solo diré una cosa: sí, canta una canción. Con Avery Brooks en el piano. Casi pierdo el sentido.

Calificación: 8

Bunraku

2011-11-22T15:46:00.005-06:00

La impresionante introducción de la película Bunraku parece tener dos propósitos: primero, establece el increíble estilo visual y narrativo que admiraremos durante dos horas, combinando los clichés del "western" con las acrobacias del cine "wuxia" y el lenguaje gráfico de los comics, todo ello ubicado en escenarios basados en el arte oriental del origami y los títeres "bunraku" (por si se preguntaban de donde viene el título de la cinta). Y en segundo lugar nos advierte que el argumento no estará a la misma altura de las imágenes, pues la experiencia nos ha enseñado que es virtualmente imposible la co-existencia de imágenes asombrosas con una historia interesante y bien escrita. Bueno, quizás no sea imposible, pero definitivamente es tan raro que se justifica mi escepticismo.

La trama se desarrolla en un bizarro mundo post-post apocalíptico, donde las armas de fuego están prohibidas y la civilización se reconstruyó como una oligarquía controlada por pandillas de asesinos que gobiernan por medio del terror y la violencia. A ese cruel y colorido lugar llegan dos extraños con propósitos distintos pero afines. El Vagabundo (Josh Hartnett) es un vaquero experto en peleas cuerpo a cuerpo, y lo único que quiere es jugar póker con Nicola el Leñador (Ron Perlman), el "hombre más poderoso de este lado del Atlántico". Y por otra parte encontramos a Yoshi (Gackt Camui), noble guerrero oriental en busca de un amuleto ancestral cuya posesión restaurará el honor de su familia. Eventualmente se cruzan los caminos de estos "lobos solitarios" y se dan cuenta de que solo cooperando podrán tener éxito en sus respectivas misiones. Pero... ¿podrán resolver sus diferencias personales y dispares estilos?

La historia suena simple, pero desafortunadamente se cumplió mi pesimista hipótesis de que sería confusa y pobremente estructurada. Con más de dos horas de duración, Bunraku se siente demasiado larga y sin rumbo concreto durante los largos períodos que invierte examinando la jerarquía de los asesinos, el pasado del villano y su relación con Alexandra (Demi Moore), la más exclusiva prostituta local. En lo que respecta a los anti-héroes, se la pasan peleando ante la más mínima provocación y tardan demasiado en implementar sus planes, o siquiera en definirlos. Por otro lado, es fácil aprovechar el tiempo admirando el impresionante diseño de producción y la creatividad visual del director Guy Moshe, quien creó un mundo nuevo con retazos de otras películas, comics y arquetipos de múltiples géneros. Creo que Bunraku es uno de esos raros casos donde la imitación es tan copiosa y diversa que termina convirtiéndose en algo único y casi original.

O quizás exagero. Después de todo, parece mala señal cuando cada escena me recordó situaciones similares en otras películas, ya fuera la pelea realizada en una larga toma continua (al estilo de Oldboy), o los trémulos monólogos de un filósofo-asesino (al estilo de Kill Bill), o incluso la plástica visual misma, que parece una abigarrada mezcla de Sin City, Beetlejuice y Kung Fu Hustle. Vamos, hasta la omnipresente narración que nos ayuda a seguir la obtusa historia suena como la voz de Morpheus mismo, aunque en realidad se trata de Mike Patton (sí, el cantante de Faith No More y Fantomas).

En películas como ésta los actores tienden a quedarse en segundo plano, y aunque Josh Hartnett y Gackt Camui cumplen decorosamente su función heroica, no son particularmente carismáticos o memorables. De hecho, me parecieron más interesantes las actuaciones del elenco secundario, incluyendo a Woody Harrelson en el papel del enigmático cantinero que sabe más de lo que aparenta; Shun Sugata como el anciano cocinero japonés cuya destreza culinaria oculta inesperado talento para las artes marciales; y desde luego el gran Ron Perlman interpretando al melancólico villano cansado de ser líder. Por el lado femenino tenemos a Demi Moore y Emily Kaiho en genéricos papeles de "cara bonita" y "damisela en peligro", respectivamente. En este aspecto el director debió emular mejor los fuertes personajes femeninos de las obras que lo inspiraron (como las mencionadas Sin City y Kill Bill), en vez de relegarlas a "props" desechables de agradable apariencia. Y en lo que respecta a las artes marciales, Bunraku resultó ser un poco irregular, pues así como hay peleas de impresionante coreografía (por ejemplo la del circo), también hay otras que decepcionan por su su simpleza y obvia artificialidad (como el primer encuentro entre los protagonistas).

Aún así pienso que Bunraku merece una recomendación por su ambición artística, logros técnicos (el "comentario del director" incluido en el Blu-Ray me sorprendió constantemente al desmentir mis teorías sobre lo que se realizó con maquetas, escenarios reales o gráficos digitales) y amplias dosis de entretenimiento, que en general compensan las partes cansadas o confusas. Es obvio que el director Guy Moshe posee una visión intensamente personal, y sin duda será interesante seguir su carrera para ver lo que puede lograr cuando se canse de homenajes e imitaciones, y decida crear algo genuinamente original. O, en su defecto, Hollywood podría seducirlo para llevar al cine algún super-héroe abstracto y poco convencional, como Plastic Man, Madman o Lobo. No sé si tendría éxito, pero definitivamente pagaría por ver este estilo complementando una historia que lo merezca.

Calificación: 8

Boggy Creek

2011-11-20T17:41:00.004-06:00

Aunque la leyenda de Sasquatch (o "Bigfoot", o Pie Grande, o como quieran llamarle) se ubica primordialmente en el noroeste de los Estados Unidos, existen testimonios (o mitos, ustedes decidan) de muchas otras regiones que aseguran tener su propia criatura humanoide viviendo en remotos bosques, pantanos y montañas deshabitadas. Así tenemos el "skunk ape" de Florida, el "Jersey Devil" de Nueva Jersey y, desde luego, el Monstruo Foukes en Arkansas. Este último fue por muchos años mero folklore regional, hasta que recibió fama internacional en 1972 gracias a la cinta The Legend of Boggy Creek, la cual fue bastante mediocre en muchos aspectos, pero con un fascinante aire semi-documental que capturó la imaginación de los fanáticos de la cripto-zoología. Luego vinieron varias secuelas que no fueron tan populares (tal vez la más famosa fue Boggy Creek 2: And the Legend Continues…, y eso solo porque apareció en un episodio de MST3K); y ahora, rescatando la leyenda de la oscuridad (o al menos intentándolo) nos llega a DVD (y al sistema de distribución digital Prescreen) la cinta Boggy Creek, al mismo tiempo remake, reboot y secuela de aquella popular original. Desafortunadamente sea cual sea su nicho, resulta ser tan mala como sus predecesoras... o quizás peor, pues además de las malas actuaciones y pobres efectos especiales, la historia es lenta, aburrida y no se preocupa por reflejar la realidad (o "realidad") de la criatura de Boggy Creek.

Para variar, la trama gira en torno a un grupo de jóvenes dispuestos a pasar varios días en una casa de campo a orillas de un lago, con el fin de relajarse y olvidar sus problemas (me da miedo investigar cuántas variantes de esta frase he escrito en años recientes), lo cual es particularmente importante para la joven Jennifer Dupree (Melissa Carnell), quien aún no se recupera por la reciente muerte de su padre, ocurrida en circunstancias misteriosas en esa misma región. Pero desde la primera noche los jóvenes se dan cuenta de que no habrá mucha relajación en sus vacaciones, pues algo extraño los acecha desde los árboles... algo que no solo quiere lastimarlos, sino que además podría tener perversos propósitos para las guapas muchachas de la casa. Y aunque un cazador local les advierte sobre el peligro de internarse en el bosque, los jóvenes no hacen caso... hasta que es demasiado tarde.

Como puede verse, la fórmula no es original ni pretende serlo; sin embargo, con un poco de ingenio Boggy Creek pudo haber sido una eficiente "creature feature" con bases pseudo-científicas para trascender su modesta manufactura. Lamentablemente el guión dedica demasiado tiempo al drama, romance y tribulaciones de los jóvenes (bastante aburridos, para empezar), y muy poco al monstruo, el cual solo aparece cuando hace falta despachar algunos de los irritantes y genéricos personajes. Obviamente no esperaba mucho de esta humilde cinta de horror independiente, y aún así me decepcionó por su absoluta carencia de ambición, energía y suspenso. Y ni siquiera intentemos compararla con recientes cintas de corte similar, como Abominable y The Wild Man of the Navidad, las cuales fueron indudablemente mediocres, pero al menos ofrecían interesantes perspectivas del clásico "homínido salvaje" (Abominable era básicamente Rear Window con Sasquatch en el papel del asesino, mientras que The Wild Man of the Navidad creó una atmósfera rural tan auténtica que daban más miedo los "extras" humanos que el monstruo del título). Y ni pensar en compararla con The Abominable Snowman (1957), mi favorita de este subgénero, la cual pertenece a un nivel totalmente distinto por su inteligente libreto y perfecta dirección.

Entre tantos recientes documentales, expediciones y revelaciones sobre el Yeti, Sasquatch y demás, Boggy Creek podría haber aprovechado el legado de su nombre para impulsar una nueva etapa de "cripto-cine" que parecería novedosa para las nuevas generaciones. Pero no... por alguna razón prefirió tomar el camino fácil de una rancia estructura, malas actuaciones y "gore" amateur, de modo que no merece recomendación ni como cine "B", ni como horror "indie", y mucho menos como entretenimiento apto para divertirse en un perezoso fin de semana. Es triste admitirlo (aunque en general me gusta mantenerme positivo sobre estos asuntos), pero ya debería estar acostumbrado a las imprecisiones, errores y poco respeto que la industria cinematográfica muestra por los temas cripto-zoológicos. Nada más pregúntenle a Loren Coleman.

Calificación: 4

Crepúsculo La Saga: Amanecer, Parte 1 (The Twilight Saga: Breaking Dawn - Part 1)

2011-11-19T14:06:00.005-06:00

Lo mejor de Crepúsculo La Saga: Amanecer, Parte 1 es su título en México, tan revuelto y forzado como resultó ser la saga completa. Para variar, la cuarta parte introduce nuevos elementos tan solo para echarlos a un lado y desperdiciar su potencial; y aunque admito que en esta ocasión ocurren más cosas, el argumento se siente tan lento y aburrido como las anteriores (¿cuántas discusiones entre lobos y vampiros necesitamos para entender el punto?). Claro que no debería sorprendernos, pues en un transparente intento por prolongar el éxito económico de la franquicia, sus productores decidieron dividir el último libro en dos películas (al estilo de Harry Potter), cuando lo correcto hubiera sido lo opuesto: adaptar los cuatro libros en solo dos películas. Tal vez así no tendríamos que aguantar tantas escenas redundantes, personajes estáticos y situaciones recicladas hasta el cansancio. Pero bueno... valor, que ya casi termina el tormento.

La trama muestra la culminación del mágico romance entre el vampiro Edward Cullen (Robert Pattinson) y la joven humana Bella Swan (Kristen Stewart), quienes finalmente se casan (en una ceremonia católica, lo cual es perfectamente lógico para vampiros, ¿cierto?) acompañados de sus amigos, familiares... y algunos rivales. A continuación viene la idílica luna de miel (en Brasil, el sitio más lógico para vampiros que odian el sol, ¿cierto?) Pero cuando Bella y Edward finalmente "consuman su amor" (con clasificación PG-13, naturalmente) se desata una cadena de eventos que pondrán en peligro sus vidas, la estabilidad del submundo vampírico, y la tregua con los hombres lobo, incluyendo a Jacob (Taylor Lautner), quien aún guarda sentimientos por Bella. Y cuando las cosas finalmente se ponen interesantes... Continuará.

Honestamente ya perdí la paciencia con esta monótona saga. El supuesto "romance" que debería sustentarla sigue tan ausente en la cuarta parte como lo estuvo en la primera. La pareja protagónica carece de profundidad y los actores son incapaces de expresar sentimientos creíbles. El elenco secundario cobra su cheque y trata de ocultar su impaciencia por dejar atrás este fiasco y poder continuar sus respectivas carreras. El único actor que me puso a pensar fue Billy Burke en el papel de Charlie, el padre de Bella. Creo que Charlie es el auténtico villano de la historia, pues todo esto ocurrió por ser un padre demasiado complaciente y poco disciplinado. Es por padres así que tenemos programas de televisión como Teen Mom y 16 and Pregnant. No me hagan mucho caso; la película me hizo bostezar tanto que probablemente pensé esto cuando mi cerebro se encontraba embotado por sobre-oxigenación.

Hablando de pensar, creí sinceramente que con un director "real" Crepúsculo La Saga: Amanecer, Parte 1 (en serio, me encanta ese nombre; todas las películas deberían tener títulos similares: "Star Wars Serie: El Fantasma: Parte 1: La Amenaza") alcanzaría una cierta madurez dramática, pero el pobre Bill Condon está a merced del material, y aunque intenta incorporar un poco de la energía y exuberancia que vimos en Kinsey y Dreamgirls (sobre todo al final, durante la controversial secuencia del nacimiento), no basta para compensar el tedio de los previos noventa minutos. Supongo que la culpa debe ser compartida por la guionista Melissa Rosenberg (veterana de sólidas series televisivas, como Dexter, The O.C. y Dark Skies), quien tuvo la ingrata tarea de partir la novela a la mitad y crear suficiente relleno para justificar dos películas. Quizás Rosenberg dejó "lo mejor para el final" (como también ocurrió con Harry Potter), pero no será mucho consuelo para quienes gastamos dos horas en este inútil preámbulo.

Por otro lado, Crepúsculo La Saga: Amanecer, Parte 1 (je, je) ofrece cierto humor involuntario para hacer más amena la experiencia. Desde las planas e impersonales actuaciones de Robert Pattinson y Kristen Stewart hasta los deficientes efectos especiales, hay numerosas oportunidades para reír con las pifias técnicas, histriónicas y narrativas de la película. Hablando de efectos especiales, los hombres lobo (único elemento rescatable en las cintas previas) se ven aún más falsos, y deben cargar con una de las peores escenas que he visto... de esas que producen pena ajena mezclada con incredulidad de que alguien haya pensado que era buena idea. Y, finalmente, solo diré que la escritora Stephenie Meyer podría darle clases a J.K. Rowling sobre el uso de reglas arbitrarias y "deus ex-machina" para salir del paso cuando no sabe cómo resolver sus argumentos de manera lógica. Creo que el nombre científico de este fenómeno es "Síndrome Midichlorian".

Desde luego nada de esto será relevante para las auténticas fans de la saga, quienes son capaces de disculpar cualquier falla o inconsistencia siempre y cuando se respete la fantasía romántica de la novela... y siempre y cuando haya actores apuestos en la pantalla. No es mi intención disuadirlas ni criticar sus gustos; pero como espectador casual y aficionado al cine fantástico, Crepúsculo La Saga: Amanecer, Parte 1 me pareció el punto más bajo de la franquicia, no solo por sus problemas intrínsecos, sino porque su motivación fue la simple y llana ambición de ejecutivos codiciosos, siempre dispuestos a explotar la buena voluntad de los fans para llenar sus bolsillos. Aún así tengo cierta curiosidad por ver la última parte, ya sea como comedia accidental, o como el bendito final de un fenómeno cultural que parece inmune a su propia mediocridad. Además, quiero ver si el "Clan Volturi" va a encontrar algo que hacer, o si van a seguir siendo extras escapados de una novela de Anne Rice.

Final de Crítica: Parte 1: Calificación: 5

A Serbian Film

2011-11-16T15:54:00.005-06:00

La película A Serbian Film lleva más de un año causando revuelo, desde que circuló sigilosamente por festivales de cine fantástico y "underground", hasta que su lanzamiento en DVD encontró bloqueos, censura y retrasos por parte de distribuidores temerosos de convertirse en cómplices de delitos contra la moral. Pero bueno... gracias al derecho constitucional de "libertad de expresión", finalmente puede adquirirse un DVD legal y solo levemente censurado (menos de 15 segundos, los cuales naturalmente pueden encontrarse libremente en Internet) de esta notoria película. ¿Fue justificado el escándalo? Y, más importante... ¿será al menos una buena película, o un simple espectáculo amarillista diseñado para llamar la atención?

El argumento comienza con una mirada a la prosaica vida doméstica de Milos (Srdjan Todorovic), ex-estrella de cine "porno" ahora retirado, tratando de mantener a su esposa e hijo con el dinero que pudo ahorrar durante su "carrera". Pero sabe que el dinero no durará para siempre, y por eso acepta una reunión con Vukmir (Sergej Trifunovic), un excéntrico productor cuyo más reciente proyecto pretende iniciar un movimiento de "pornografía artística" refinada, de buen gusto y muy bien pagada. Sin embargo, las condiciones de trabajo son muy inusuales: Milos no conocerá de antemano el argumento de la película, para que pueda reaccionar naturalmente ante las situaciones que se le presentan. Con cierta reserva, pero atraído por la considerable suma de dinero ofrecida, Milos acepta... y así comienza un pesadillesco viaje por el más bajo nivel de la experiencia humana, del que será muy difícil escapar... o siquiera sobrevivir.

Respondiendo las preguntas que hice previamente... sí, no cabe duda que A Serbian Film tiene algunas escenas bastante gráficas que podrían afectar a la gente sensible o poco habituada al cine de terror “extremo“ (o como quieran llamarle). En este punto es difícil establecer un "criterio de repulsión"; cada quien tiene sus límites, e incluso dentro de esos límites hay variantes contextuales basadas en los gustos personales, costumbres y experiencias que sólo conoce cada individuo. Por ejemplo, hay gente que no tiene problema viendo cómo torturan a un animal EN LA VIDA REAL durante una corrida de toros (cosa que yo aborrezco como pocas), y sin embargo esas mismas personas no pueden tolerar una escena de ridículo "gore" ARTIFICIAL en Friday the 13th, Hostel o similares cintas de terror. Pensándolo bien, quizás ese sea el factor decisivo de A Serbian Film... la violencia, el sexo y demás grotesquerías que nos muestra son simuladas con efectos especiales, trucos de edición e ingeniosa composición digital. En ese aspecto la cinta me pareció fuerte, pero a fin de cuentas inofensiva.

Por otro lado, hay elementos conceptualmente desagradables que el director Srdjan Spasojevic emplea expertamente para sorprendernos y perturbarnos conforme la trama se interna más y más en la depravación de sus personajes. Al igual que ocurrió con The Human Centipede, A Serbian Film funciona mejor como horror cuando vemos menos e imaginamos más; y si bien cumple su propósito de escandalizar al espectador y provocar una reacción de repulsión instintiva, creo que termina saturándonos a tal punto que es difícil mantener la conexión emocional con el protagonista, la cual sería indispensable para apreciar el intenso final que (al menos en mi caso) inspiró apatía en vez de angustia y tristeza. Por eso sentí un poco desperdiciada la notable actuación de Srdjan Todorovic; desde el principio hace un excelente trabajo dando forma al personaje de Milos, cuyo previa vida como "estrella porno" no desmerita su humanidad, ni el genuino afecto que tiene por su familia. La primera media hora me gustó bastante por su tono realista y la sinceridad de las relaciones que retrata. Pero cuando el director "quita el freno" de la historia, termina sepultando esa humanidad bajo un alud de perversión que nos distrae de su mensaje original (sea cual sea).

Hablando de lo cual, me pareció más interesante el material extra del Blu-Ray, donde se recuenta la controversia provocada por A Serbian Film, así como la revelación de que el director trató de expresar un mensaje político sobre la situación en Serbia y su descontento con el gobierno que "viola" a los ciudadanos, coarta sus oportunidades de avance y manipula las comunicaciones (particularmente el cine) según los caprichos de inversionistas extranjeros. No estoy seguro cómo todo eso se traduce en "porno-tortura", pero bueno... prefiero darle el beneficio de la duda a Spasojevic, y suponer que A Serbian Film tiene un noble propósito oculto tras su mal implementado contenido emocional, extremo "gore" y rechazo absoluto de toda "corrección política". Como simple fan del cine de terror me pareció un experimento interesante pero fallido, a veces aburrido, a veces demasiado obvio, y al final carente de la sustancia que dio auténtico impacto y permanencia a otras obras "transgresoras", como Martyrs, A l’interieur y Glitter. En una nota personal, la película de este estilo que más me afectó fue Bloodsucking Freaks; su "gore" es patéticamente falso, sus actuaciones son risibles y su producción no podría ser más barata... y sin embargo me dejó la impresión de que fue realizada por gente genuinamente cruel y perversa. Por su parte, A Serbian Film fue realizada por un cineasta normal tratando de buscar atención para su mensaje político. Respeto su esfuerzo, pero no lo recordaré por mucho tiempo.

Calificación: 7